Après quatre années de travaux (dont on ne voyait plus la fin) le Palais Galliera, temple flamboyant dédié à la mode, ouvre ses portes à la première monographie à Paris consacrée au couturier Azzedine Alaïa, jusqu'au 26 janvier 2014.  Enfin !

Alaïa en réouverture du Palais Galliera 

Arletty avait raison ! Voici un homme qui aime éperdument la beauté, celle des  hanches, épaules, jambes, et taille, celle des courbes et lignes qui font que le corps de la femme symbolise la grâce et l’élégance à part entière. Il ne s’agit pas d’un couturier tout à fait ordinaire (bien que la haute-couture ne le soit jamais), il s’agit tout d’abord d’un sculpteur du corps (il est diplômé des Beaux arts de Tunis en Sculpture), ainsi il moule soie, mousseline, gaze, cuir, laine bouillie et perles directement sur le corps de la femme. Les tissus épousent le corps par de savantes découpes en biais, les matières choisies, souvent novatrices, glissent comme de l'eau afin d'accompagner le mouvement au plus près de sa justesse. (photo de droite : Grace Jones en Azzedine Alaïa par Greg Gorman, 1991)

Récemment Azzedine Alaïa a inventé les costumes de la création chorégraphique «Les Nuits» d’Angelin Preljocaj. Esthète cinématographique, il s’inspire aussi des costumes militaires (sublimes pièces à manches), de l’univers du spectacle, et surtout de ses muses Arletty, Grace Jones, Farida Khelfa, Greta Garbo ou Tina Turner, et bien d'autres pour lesquelles il érige des autels dignes des déesses de la mythologie en leur offrant des robes d’amazone ou d’elfe… Cet homme  aime les gens, infiniment, et il le montre, autant dans ses créations que dans ses attentions privées.

Le bon couturier dévoile les charmes du corps féminin avec une délicate autorité, le corps se fond en armure, la démarche se fait alors plus altière, assurée, les ondulations du corps marquent le rythme, le port de tête est souverain.

L’intention artistique d’Azzedine Alaïa a une dimension politique, la femme s’émancipe, affirme son indépendance, sa différence et sa féminité ne sont plus cachées sous de sinistres tailleurs ou exhibées dans des décolletés obscènes. La révolution prend les armes de l'esthétisme pour se couler dans une revendication féministe audacieuse, une ode à la femme, tout le temps sexy, ludique et drôle aussi, et à jamais conquérante.

Merci Monsieur Alaïa. 

Laurence Caron-Spokojny

* L’exposition est à poursuivre dans la salle Matisse du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

Il fut un temps où l’art épousait le quotidien, la vie de la cité en particulier. Hors les murs conceptuels de nos musées, l’art s’épanouissait aux frontons des églises, aux pieds ou aux sommets des édifices, au sein des hôpitaux et des hospices, aux devantures des confréries, des corporations, artisans et marchands, en ouverture des écoles et manufactures, l’art était partout et Florence fut en son temps la capitale la plus appliquée à montrer ce foisonnement.

La Vierge et l’Enfant de Donato di Nicolo di Betto Bardi (1420-1425),
Collection de sculptures et musée d’art byzantin, musée de Berlin.

Puisant avec soif leur inspiration auprès des maîtres et œuvres magistrales de l’Antiquité classique, les artistes florentins parsemèrent la ville de sculptures et d’œuvres picturales les plus savantes les unes que les autres. Motivés par des concours de création récurrents, les artistes aux talents débridés par les innovations mathématiques (perspective) et galvanisés par les commandes publiques d’œuvres puis par la naissance du Mécénat privé (Médicis) rivalisaient d’invention et ont fait naître de nouveaux thèmes (les petits esprits « spiritelli », monument équestre, portrait en buste, …).

L’exposition "le Printemps de la Renaissance" qui se déroule jusqu'au 6 janvier 2014, composée minutieusement par Marc Bornand, le conservateur en chef du département des Sculptures du Musée du Louvres et Béatrice Paolozzi Strozzi, directrice du musée national du Bargello, est en partenariat avec la Fondation du Palazzo Strozzi qui pour cette fois pique la vedette aux Médicis.
Les oeuvres exposées des sculpteurs, orfèvres et peintres illustrent admirablement cette époque bénie où l’art était en somme le premier vecteur de propagande politique de la Cité : une idée à retenir !

L. Caron-Spokojny

Télécharger l'appli  Le Printemps de la Renaissance – La sculpture et les arts à Florence, 1400-1460

C’est toujours bien de retrouver un artiste « engagé », le phénomène est de plus en plus rare, il est remarquable…

En 1985, Roger Waters quitte les Pink Floyd avec sa vie, son œuvre, « The wall », sous le bras. « The wall » est en effet une œuvre à part entière, musicale et graphique (dessins de Gérald Scarfe, film réalisé par Alan Parker - 1982) : l’histoire d’un petit garçon pour qui il est douloureux de grandir, la mort du père, une vision de la vie qui se voudrait optimiste mais qui n’y parvient pas, une lutte acharnée et polémique contre toutes les formes d’oppression, les dictatures, la guerre, le terrorisme, mais aussi un délire paranoïaque qui vire à la folie. L’œuvre «The Wall» est en cela intemporelle, on le regrette.

Pourtant, ce 20 septembre au centre de ce temple du consumérisme (le stade de France), il est difficile de supporter la vision de ce dictateur délirant qui tire sur le public, ce grossier mélange d’Hitler, Hussein, Khadafi ou Mussolini nous est familier, nous le rencontrons sur nos écrans de télévision, bien réel, à la une de nos journaux, passé ou présent, il est inscrit dans notre quotidien. La caricature se fond avec son modèle. Depuis le concert de 1988 au Château de Versailles, le mur de Berlin est tombé et les parois du World Trade Center aussi, le goût amer du message délivré par « The Wall » s’avère aujourd’hui un peu écoeurant, cela est de trop. Heureusement, l'édifice de briques construit entre le rockeur et son public fini par s’écrouler, la parabole libère et rassure. Pour en arriver là, l’œuvre vidéo s’est étirée sous mille feux avec une ingéniosité artistique incroyable, les musiciens et les effets sonores ont fait vibrer les sens d’un public attentif, dévoué, abandonné à son Maître...

Roger Waters a soixante-dix ans, il a la voix fatiguée mais cela n’a aucune importance, la musique est bonne et elle reste une des dernières traces d’une époque emblématique, révolue, enterrée (pour l'instant peut-être), une époque au cours de laquelle nous pensions tous qu’il était possible de changer le monde à coup de rock’n roll. 

Laurence Caron-Spokojny

Les parents de Ron Mueck étaient des fabricants de poupées de chiffon et de jouets en bois, alors tout naturellement le fils façonne des mannequins pour la mode, la télévision et le cinéma. Puis, quelque peu infidèle aux  marionnettes du Muppet show, l'Australien immigré à Londres produit ses premières œuvres artistiques à part entière dont une sculpture de Pinocchio immédiatement remarquée par Charles Saatchi. La réalité épouse le conte fantastique…

L’artiste s’affirme, se libère et en Gepetto assumé il crée des êtres infiniment grands ou infiniment petits. Toujours dans la démesure, flirtant avec l’ultra-réalisme, les personnages de Ron Mueck se posent en témoins, leurs regards se plongent dans une intériorité que l’on n’ose définir, âme, conscience, peut importe ils sont là, archi-présents. L’intention fait frémir, arrache une émotion indescriptible, un sentiment familier, quelque chose d’instinctif, notre cerveau reconnaît un être humain, un semblable, un compagnon de race, et pourtant… comme un chat qui croit reconnaître un autre chat en passant devant un miroir, Ron Mueck oblige son public à faire le tour du miroir pour bien vérifier de quoi il s'agit ou bien de qui ? Le catalogue de l’expo sous le bras, l’absence de palpitations à la surface de la silicone, les curieux qui se pressent, les dimensions gargantuesques ou lilliputiennes des silhouettes nous rappellent à l’ordre, à la réalité. 

L’Australien est un homme tranquille, de son élégante et haute stature il sait prendre son temps, un recul méditatif, et le film « Still life » de Gautier Deblonde, projeté lors de l'exposition, nous le fait découvrir. Chaque seconde du temps de travail de Ron Mueck est utilisée pour immortaliser un instant de vie humaine, une sorte de photographie étirée sur plusieurs dimensions afin de laisser entrevoir toute une vie dans les plis du creux d’un coude, l’affaissement d’un mollet sur le sol ou dans l’angle délicat d’une nuque inclinée, admirable.

L’oeuvre de Ron Mueck est une déclaration d’amour à l’humanité toute entière, pleine de compassion et d’attirance, une certaine forme d’érotisme se fait sentir tant la peau de ces êtres semble proche et familière. Est-il raisonnable de désigner cette exposition comme étant la plus belle… une des plus belles choses qui m'a été donnée à voir ? A cet instant, fascinée, je l’affirme.

Laurence Caron-Spokojny

nb : exposition particulièrement recommandée aux enfants, gratuite jusqu'à 13 ans.

Visiter l'expo au Centre Georges Pompidou de Metz, ici.

« The Elephant Song » de Nicolas Billon a vu le jour au sein d’un atelier d’écriture à Montréal, puis joué au Festival Stratford du Canada, l’élégant texte est pour la première fois présenté en France sur les planches toujours aussi novatrices du Petit Montparnasse.

C’est un personnage fragile et puissant, celui de Michaël, enfermé dans un asile de fous, qui marque les premiers pas sur scène de Jean-Baptiste Maunier (très jeune star à l’issue du film les Choristes de Christophe Barratier en 2004). Exercé au jeu par l’école de Lee Strasberg de New-York, Jean-Baptiste Maunier, du haut de ses 22 printemps, livre une démonstration qui semble puiser au plus profond de lui-même, il ne s’épargne rien, les tourments de son personnage vibrent, douloureusement, méthodiquement il décortique, analyse, digère et donne. Intense et physique, il y a quelque chose de Brando dans ce grand gamin là mais aussi quelque chose de Jean-Louis Barrault, une poésie discrète, un genre de s'excuser...

En face, Pierre Cassignard donne une leçon différente au jeune acteur, d’un jeu plus classique mais tout aussi fervent, maîtrisé, il est ce psychiatre aussi directeur de son établissement ; sa performance est remarquable. Tandis que Christine Bonnard rythme les scènes par ses apparitions sincères et délicates dans le rôle de l’Infirmière Peterson.

La différence d’âge des deux acteurs, leur façon de jouer, et, l’écriture fine de chacun des rôles, opposent les deux protagonistes pour apporter toute sa justesse au propos. D’Amour il est évidemment question mais il s’agit de celui qui se cache, celui qui asservit, le pervers, celui qui ordonne et détermine les choses de la vie dès le départ et qui paralyse le libre arbitre pourtant si essentiel à notre humanité. Le metteur en scène, Bruno Dupuis, orchestre l’ensemble avec une grande simplicité apparente, la part belle est laissée au jeu des comédiens, emportés par la fluidité du texte, les déplacements sur scène scandent des sentiments bourrés de paradoxes… qui raisonnent encore.

La vidéo de Léonard et le décor très cinématographique de Sophie Jacob renforcent l'ambiance de thriller psychologique, la silhouette d'Alfred Hitchcock semble parfois se dessiner et les couloirs de l'hôpital psychiatrique de "Vol au dessus d'un nid de coucou" s'étirent derrière la porte.

Tout d’abord circonspect, puis intrigué, déstabilisé, puis tout à fait bouleversé, il est impossible d’en sortir indemne.

Magnifique, allez-y.  

Laurence Caron-Spokojny

Toutes les infos sont ici

Avec votre carte d'embarquement et votre audio-guide (adapté pour petits et grands), je vous conseille vivement de vous lancer sur les flots à bord de l'élégant Titanic. 

Le voyage débute à la construction de ce géant des mers, puis par son énigmatique naufrage et enfin aux différentes campagnes d'exploration de l'épave et de ses objets. Ce plongeon en 1912 est une page historique à étudier avec la plus grande passion...