Le Théâtre est une histoire d’amour qui ne cesse de se renouveler, entre les artistes et le public et bien en amont entre des théâtres et des artistes. Il faut beaucoup d’amour, de fougue, d’espoir et de passion, pour ouvrir la scène d’un théâtre à des artistes, surtout depuis que l’ère des mécènes de l’Antiquité n’est plus, un certain goût du risque en somme !

De l’amour donc et qui dure depuis 23 ans pour le Théâtre Le Funambule, la petite salle Montmartroise assume une programmation «coups de cœur» où  «… le théâtre contemporain, où le divertissement côtoie les pièces littéraires, où la fantaisie peut se marier au drame, où la parole ne fait pas obstacle au visuel ». Et cette fois-ci, le cœur de la scène du Funambule s’est ouvert à Rémi Larrousse. Le jeune artiste a déjà éprouvé son art (« Le script ») plus de 150 fois entre Paris (Théâtre Trévise) et Avignon.

Lorsqu’un comédien découvre une marionnette ancienne lui ressemblant étrangement, il comprend que cet objet lui était destiné. Il va alors explorer avec les spectateurs les étonnants pouvoirs qu'elle donne à celui qui la manipule : virtuosité soudaine, prédictions de l'avenir, lecture de pensée, calculs prodigieux. Mais à qui appartenait-elle ? Quel est le secret qu'elle cache lorsque son cœur se met à battre ? Nous embarquons dans ce voyage qui nous fera voir le monde de manière un peu moins rationnelle.

A la fois prestidigitateur, conteur et mentaliste, Rémi Larrousse est un équilibriste, inspiré par le théâtre forain, il abolit définitivement les codes qui conditionnent trop souvent les disciplines artistiques.
Entouré par Benjamin Boudou (mise en scène et co-écriture) et Sarah Bazennerye (décors), ce saltimbanque savant met en scène un mode inventif de jeu avec le public et additionne les évènements merveilleux sur un ton très proche de la commedia dell’arte.

Habile magicien, mais pas seulement, Rémi Larrousse emmène son public dans un voyage sentimental et poétique, un voyage que l’on souhaiterait sans fin. On peut alors observer, lorsque le spectacle prend fin, enfants et adultes s’avançant d’un pas aérien vers la sortie, silencieux, ils flottent, peut-être ont-ils appris à voler...
Merci de tout coeur Rémi Larrousse, je vous souhaite un très long voyage. 

Laurence Caron-Spokojny

Michael Patterson-Carver, Joanie and Lisa, 2013 (détail)

Né à Chicago en 1958, Michael Patterson-Carver est un artiste autodidacte, qui a commencé par montrer ses dessins dans la rue. Durant son enfance, il est profondément marqué par des manifestations liées au Mouvement des Droits Civiques, et ces souvenirs influenceront plus tard aussi bien son engagement politique que sa démarche artistique.

D'apparence naïve, ses dessins portent un regard franc et direct sur l'actualité, et dépeignent des protestations et des mises en scène de la vie politique internationale dans une approche à la fois comique, ironique, et profondément humaine. Les sujets abordés retracent l'activisme de l'artiste pour des causes aussi diverses que la protection de l'environnement, l'injustice sociale ou la lutte contre la corruption.

Son travail a récemment été exposé à : The Museum of Everything, Paris (2012), Atlanta Contemporary Art Center (2011) ; Sorry We're Closed, Bruxelles (2011), Biennale de Belleville (2010). En 2008, il est nommé lauréat de « Altoids Award » et expose au New Museum de New York.

Galerie Laurent Godin 5, rue du grenier Saint-Lazare 75003 Paris 

Il fait froid, c'est l'hiver. Roote, Gibbs, Cutts, Lush, Lamb et Tubb sont les cadres d'une institution vouée au repos et au bien être de leurs patients. 
Mais aujourd'hui, le jour de Noël, la neige s'est changée en boue... Le matricule 6457 est mort, et le 6459 vient d'accoucher d'un fils... Ça n'était jamais arrivé. L'institution est en danger.

Les comédiens, Fanny Decoust, Benjamin Bernard et Grégory Corre, retenez bien ces trois noms là, forment le collectif AA ; ajoutez Valéry Forestier, le metteur en scène, et, la musique d’Erwan Laurent : voici un décapant HOT HOUSE au toujours très novateur Théâtre du Lucernaire.

HOT HOUSE a été créée le 24 avril 1980 au Hampstead Theatre de Londres dans une mise en scène de son auteur Harold Pinter, puis en France au Théâtre de l'Atelier en 1986 dans une mise en scène de Robert Dhéry. 
Enfant légitime du Théâtre de l’absurde ou du Théâtre de la Catastrophe (mouvements 1950-1970), HOT HOUSE met en exergue la dérive des relations humaines dans un espace clôt (une maison de repos), radicalement déraisonnable, une forme de schizophrénie s’empare du personnel administratif du lieu, une folie malsaine…

Pourtant, devant la gravité d’un tel propos, cherchant à dénoncer sans relâche l’incohérence du monde, si important pour son auteur - Harold Pinter fut un ardent défenseur des droits de l’Homme - les artistes du collectif AA déroulent l’ensemble avec une légèreté formidable. La frontière physique qui sépare la scène et le public est effacée, les comédiens s’adressent au public, en vrai. Le ton est donné, il sera hystérique du début à la fin, dingue. L’absurdité régnante et la sophistication extrême de la plume d’Harold Pinter ne constituent pas un obstacle, le décor se monte et se démonte, il glisse, les comédiens aussi, rythme, élégance, fluidité, presque un ballet, et le tout tenu par une tension qui ne flanche pas, la performance des acteurs est époustouflante. Hier soir, c’était la première représentation, quelques nuances ont manqué (on devient très exigent devant la qualité) : infimes articulations. Mais l’ensemble est admirable, moderne, voici enfin de jeunes artistes qui vont puiser dans ce qu’il y a de mieux dans notre histoire théâtrale, Peter Sellars et Bob Wilson ne peuvent les renier, sous l'oeil bienveillant de Samuel Beckett...

Précipitez vous sans attendre une seconde, réservez vos places, il s’agit sans nul doute d’une des meilleures pièces  de cette saison !

Le théâtre du Lucernaire demeure ainsi une source de talents intarissable. A explorer encore et encore…

Laurence Caron-Spokojny

HOT HOUSE de PINTER du 13 novembre au 11 janvier 2014, du mardi au samedi à 21H00. 

La création chorégraphique et musicale la plus remarquable, et la plus scandaleuse, fut Le Sacre du Printemps en 1913 au Théâtre des Champs Elysées par les Ballets Russes de Diaghilev. La musique à jamais moderne de Stravinski, et, l’inventivité chorégraphique si contemporaine de Nijinski sont à l’origine d’une véritable révolution artistique et culturelle. La place est prête, les écrivains, grands couturiers, industriels, designers et artistes de toutes sortes vont modifier l’histoire et les codes de l’esthétisme.

La revue nègre menée par Joséphine Baker fait battre le cœur de Paris sur un rythme endiablé, l’Afrique et son art, de la ligne et de la courbe, résolument moderne s’impose. En peinture le Cubisme, en pleine explosion, offre ces lignes épurées et savantes aux architectes, décorateurs et designers de mobiliers ou de voitures…

1925, l'époque est à la reconstruction.
L'exposition universelle projette l’Art Déco comme ambassadeur légitime du monde moderne. Intiment lié au développement automobile et aéronautique, l'Art Déco se transporte, hors frontières, et par delà les océans sur d’impérieux navires où le style et l’élégance célèbrent une nouvelle façon de vivre, d’envisager le quotidien. Aussi, le luxe descend dans la rue pour façonner les grands magasins, ambassades, habitations et hôtels. Une sorte d’affranchissement en somme, qu’il soit intellectuel, artistique ou humaniste ; les femmes se libèrent, fument, conduisent, volent dans les airs et abandonnent toutes formes d’entraves vestimentaires surannées… pour certaines. 

Maquettes, affiches, objets, meubles, films, colloques... L'exposition se tient à la Cité de l'architecture jusqu'au 17 février 2014. Les ateliers et espaces réservés aux enfants sont particulièrement bien conçus, et, la proposition est si diversifiée, si riche, que l'intérêt reste en alerte, définitivement séduit !
Risque notable de manifester l'envie de refaire la décoration de votre sweet-home, à vous de voir...

Laurence Caron-Spokojny

Avant c’était la « Jeune Peinture », mais ça c’était avant, jusqu’en 1999 ; puis ce fût « Jeune Création » parce que dans l’art contemporain, il n’y a pas que la peinture, il y aussi le collage, la photographie, l’installation, la performance, la mise en scène, en forme et en perspective, enfin il y a surtout des artistes, qui à peine sortis des écoles d’art ou exercés à l’école de la vie, éprouvent un besoin vital de faire connaître et reconnaître leur travail. C’est la mission à laquelle s’est attelée « Jeune création », sous la présidence de Jérémy Chabaud et parrainée cette année par Renaud Auguste-Dormeuil, il est question de montrer, éveiller la curiosité, l’intérêt ou la critique, exister tout simplement.

Dégagée de toutes ambitions politiques, et, libérée de toutes formes de polémiques, l’association Jeune Création date de 1965 et elle est composée très justement d’artistes.  Des artistes qui offrent à de jeunes artistes leur « premier rendez-vous »  avec le public, et c’est suffisamment rare pour être remarqué.

Il y a une énergie folle qui émane du CentQuatre, les sourires timides des artistes, qui traînent leurs pieds autour de leur espace réservé, engagent à la conversation. Certaines œuvres bousculent, d’autres s’admirent, certaines s’ignorent ou s’évitent, chacun y trouve de quoi abreuver sa soif. Le voyage est varié, les arts plastiques sont protéiformes, les artistes flirtent avec les limites de l’abstraction pour illustrer des sujets inscrits dans notre réalité, à la fois concernés, philosophes ou fatalistes, sophistiqués ou bruts, l’interrogation sur le monde est constante et demeure très intéressante. Pour cette édition l'accent est mis sur la danse, l'art du mouvement en somme. Les arts se veulent transversaux, ils se répondent et ces 56 propositions artistiques, triées parmi 3000 dossiers, seront aussi l'objet de célébrations, rencontres et prix, afin que la manifestation soit autant enrichissante que festive. 

A vous de faire votre choix, à vous d’éprouver votre sensibilité, et à vous de faire vos pronostics sur ceux qui régneront sur les plus grandes galeries du monde. 

Si vous souhaitez faire un voyage dans le réel, respirer un air frais, et rencontrer les véritables artistes d’aujourd’hui, je vous recommande vivement de vous rendre dès demain, 9 novembre, au CentQuatre, 5 rue Curial dans le 19 à Paris, vous avez jusqu’au 17 novembre , organisez-vous le programme est vaste.

 Laurence Caron-Spokojny

Notez tout particulièrement (difficile de ne pas citer quelques noms) les œuvres de : Aurélien Grèzes, Elizaveta Konovalova, Julien des Monstiers, Julien Saudubray, Aurélie Pétrel, Pierre Daniel, Arnaud Lesage,  et tant d’autres…

Voir article sur l'édition 2011 Jeune Création

 A l’heure où les oeuvres sur papier tentent à être de plus en plus retranscrites et diffusées en numérique, de jeunes artistes utilisent internet comme support de création à part entière : une façon de rester connecter à leur environnement en temps réel et librement. 
Dans ce vivier foisonnant de talents, le tri n’est pas toujours facile à faire, que ce soit pour la musique, l’écrit, les arts plastiques ou bien l’image. A la croisée des chemins, des rencontres sont possibles, il s’agit souvent d’artistes protéiformes, des artistes émerveillés qui puisent leur inspiration dans un quotidien où les arts se mêlent adroitement, et, où la frontière entre le culturel et le social n’existe pas. Et ce quotidien se renouvelle chaque matin… 

C’est le cas pour Zaven Najjar.

Depuis 2010, Zaven Najjar, diplômé de l’Ecole Nationale des Arts Décoratifs, flirte avec les limites de l’univers pictural, qu’elles soient animées ou mobiles il jongle avec tout ce qui peut se faire en matière d’images. Directeur artistique, photographe, matte-painter ou bien encore réalisateur de courts métrages et de clips, Zaven Najjar parvient à traduire son imaginaire avec justesse. 

Comme on relève un défi, pour canaliser son inspiration ou bien encore sous la forme d’un exercice de style, Zaven Najjar décide, un matin, de créer 100 affiches sur 100 jours en hommage au rap sur Tumblr.

Chaque jour Zaven Najjar illustre des lyrics choisis du rap au hip-hop. Les accents et sons rythmés de Kanye West, Oxmo Puccino, IAM ou Gil Scott Heron sont perçus graphiquement, la musique s’écrit autrement. Pour certains morceaux musicaux, français ou américains, Zaven n’était pas encore né, peu importe la musique n’a pas d’âge : pas de message délivré, pas de chronologie établie, pas de manifeste non plus, l’intention de Zavan Najjar n’est pas de retracer une histoire exhaustive du rap, il s’agit de ressenti, une déclaration d’amour radicale, sensible.

A seulement 26 ans, Zaven Najjar déroule un parcours déjà bien fourni, il semblerait qu’après le rap ce soit la pop culture qui lui fasse des appels du pied, un tout autre registre… à suivre avec la plus grande attention.

Laurence Caron-Spokojny

Zaven Najjar expose jusqu’au 17 novembre à la BNF dans le cadre de l’exposition :

«Graphisme contemporain et patrimoine(s)» : 

L’exposition présente un choix de travaux de graphistes réalisés dans les années 2000, en France, pour un lieu, une collection, ou une manifestation à caractère patrimonial. 

 Pour en savoir plus http://www.watchout.fr

Le sujet de la pièce choisit par Didier Bénureau traite (en partie) de l’homosexualité, la tâche pourrait s’avérer scabreuse, ce n’est pas le cas.

Il y a dans cette écriture une attention délicate pour le genre humain, une empathie spontanée, et aussi une forme de sagesse qui révèle un auteur toujours aussi sensible. En fait, il ne s’agit pas d’homosexualité mais plutôt d’amour, et cet amour là n’a pas de sexe, ni de forme bien précise, il est universel. Petite leçon d'humanité légère et divertissante...

Sur un rythme endiablé à la façon d’une pièce de boulevard, l’inattendu Michel Aumont campe le beau-père ou plutôt la princesse, enfin c’est à vous de voir, avec une adresse toujours aussi époustouflante. Il y a quelques mois dans le rôle de Richard Strauss à la Madeleine, voici Michel Aumont en retraité, bougon, au comportement bientôt totalement corrompu par l’extravagant Didier Bénureau. Claire Nadeau, compagne de Michel Aumont dans la pièce, nous reçoit chez elle, définitivement cette femme glisse sur les planches avec une connaissance irréprochable du territoire. Quant à Gaëlle Lebert, le rôle est ingrat, imprécis, peut-être bâclé, la comédienne passe les plats…

Le propos, sous une allure comique, est profond, perspicace et souvent poétique lorsque les deux acteurs, Michel Aumont et Didier Bénureau, se confrontent, leurs échanges construits sont admirablement bien envoyés vers un public conquis. Le couple est fantastique, avec élégance Didier Bénureau laisse tout l’espace nécessaire afin que son prestigieux partenaire s’exprime, il lui offre des répliques efficaces, le dia(b)logue est remarquable, on souhaiterait qu’il se poursuive encore, drôle et raffiné. Pourtant, il n’en est pas de même pour l’ensemble où le parti pris scénique laisse  une impression de flottement : le propos s’épuise et puis la fin se disperse, c’est si dommage…  

Le talent de Didier Bénureau, son style, son écriture, et son univers sarcastique s’expriment tout entier, son sens aigu de l’observation et sa tendresse particulière pour le genre humain touchent et remuent. L’ensemble n’est pas parfait mais finalement ce n’est pas très grave. « Mon beau père est une princesse » est une pièce qui rayonne de bonnes intentions et qui a le mérite d’aborder avec grâce un sujet qui a été si malmené ces derniers mois dans nos rues.
Par les temps qui courent "Mon beau-père est une princesse" fait énormément de bien : réservez vos places au Théâtre du Palais Royal et amusez-vous ! 

Laurence Caron-Spokojny

Pour gagner des places pour assister à "Mon beau-père est une princesse", c'est par ICI.

Pour "aimer" la page facebook de "Ce qui est remarquable", c'est par ici

« Taxidermisés, empaillés, embaumés, quoi qu’il en soit, vrais ou faux, morts ou vifs, clairs ou obscurs, d’hier ou d’aujourd’hui, en noirs ou en couleurs, impressionnés sur un cliché, j’expose au muséum national d’histoire naturelle mes récits pas très naturels du minéral, du végétal et de l’animal. »

Sarah Moon

renseignements ici 

Pour ceux qui ont loupé l'évènement incontournable de l'art contemporain sous toutes ses formes (ô rage, ô désespoir...), je vous recommande vivement de cliquer sur cette image pour une visite virtuelle des allées de la Fiac.

Enjoy !

Ai Weiwei, Iron Tree, 2013
Stand FIAC 2013 : neugerriemschneider
© Marc Domage

Le département des livres et manuscrits a le plaisir d’annoncer la vente, le 6 novembre prochain, d’un important ensemble de manuscrits provenant de la collection personnelle de René Gimpel (1881-1945).

René Gimpel fut  l’un des grands marchands de tableaux de l’entre-deux-guerres. Durant sa carrière, il rencontra de nombreux artistes dont Monet, Renoir, Mary Cassatt, Braque, Picasso mais aussi des écrivains qui deviendront ses amis comme Marcel Proust, rencontré à Cabourg, et dont la passion pour Vermeer les lia d’une profonde amitié. René Gimpel appréciait la littérature et s’est vite passionné pour les manuscrits et autographes d’écrivains français. Bibliophile averti, il réunit une importante collection dont plusieurs pièces majeures seront présentées.

Parmi elles, les amateurs découvriront un précieux manuscrit autographe de Paul Verlaine, D’auculnes, comportant 17 poèmes libres composés entre 1888 et 1890. Neuf d’entre eux ont été publiés sous le manteau à Bruxelles, en 1890, dans le recueil Femmes. Parmi les huit autres, parus dans divers autres recueils, certains étaient primitivement destinés à une nouvelle édition de Parallèlement dont le poète souhaitait accroître le caractère érotique. Ces poèmes, très abondamment corrigés et raturés, ont, pour la plupart, été rédigés sur des feuillets tirés de registres de l’Administration générale de l’assistance publique. Rappelons que Verlaine fit, en cette année 1890, plusieurs séjours à l’hôpital Broussais (estimation : 180.000 et 220.000 €).

Du 23 au 28 octobre, pendant les vacances de la Toussaint, One Piece s'associe au musée national de la Marine pour fêter les 10 ans de l'incontournable série de Toei Animation.
Une occasion de rencontrer de vrais pirates, une parade avec les personnages de la série sera organisée dans le musée de Paris le 23 octobre à partir de 14 h 00. 

Que peuvent avoir en commun Oscar Wilde, George Bernard Shaw, Paul McCartney, Eddie Izzard, Winston Churchil et même, bien malgré lui, le Prince Philip ? Tous manient un humour très particulier, alliage d'ironie, d'irréverence et de concision.

Cet ouvrage, qui rassemble des citations et des histoires drôles, forme, avec une sélection de devinettes et de courts poèmes, une véritable anthologie de l'humour britannique moderne. Icing on the cake (cerise sur le gâteau), chaque plaisanterie est présentée en VO avec sa traduction et de courts commentaires de langue ou de civilisation. 

Ce concours concerne les 15-25 ans, ils sont invités à réaliser une courte vidéos (2 minutes) sur le VIH à partir de leur téléphone portable. Seuls ou en groupe, les jeunes réalisateurs peuvent déposer leur vidéo jusqu'au 31 janvier 2014 sur www.sidaction.org

Un jury, composé de professionnels de l'audiovisuel, de la communication et de la lutte contre le sida, sélectionnera les vidéos gagnantes à l'occasion du Sidaction 2014.

Sinbad le Marin était originaire d’Oman ; il n’est pas question d’en douter, les contes des Mille et une Nuits ont puisé ici leur inspiration, bercés par le souffle du vent dans les voiles cousues de fibre de coco de ces bateaux de bois précieux, ces cuivres rosés, ces soieries chatoyantes et ces courageux omanais à la fois pêcheurs et aventuriers.

Serti par l’Océan Indien au sud et par le Golfe arabique au nord, le sultanat d’Oman est un bijou dont l’éclat a été particulièrement étincelant dès le VIIème siècle avec l’ouverture de la route de la soie qui s’est avancée dans le sillage de la route des épices, du cuivre et de l’encens.
Il est aujourd’hui possible de faire ce voyage en descendant au métro Trocadéro à Paris, le Musée National de la Marine propose jusqu’au 5 janvier 2014, l’exposition «Oman et la mer». L’exposition est un peu petite, c’est dommage. Le sujet est fascinant et ces voyages proposés par ces intrépides marins omanais mériteraient que l’on s’y attarde plus longtemps …

Cette exposition temporaire est pourtant un très bon prétexte pour parcourir à nouveau les salles impressionnantes du musée. Ici, l’archi-minuscule des maquettes rivalise avec l’archi-grandiose des sculptures, représentations et peintures. La collection exceptionnelle de peintures de marine, les paquebots, les sous-marins, les cuirassés, les voiliers et les bateaux à vapeur, les poupes et autres ornements nous rappellent que la présence humaine sur les fleuves et océans continue à nourrir nos désirs de conquête et à écrire l’histoire.

Aussi pour échapper à la grisaille qui s’installe peu à peu, le vent du large est à prendre au Musée National de la Marine, la houle est bonne et le dépaysement est assuré pour les grands et les petits. Bon vent !

Laurence Caron-Spokojny

Dans son appartement de la rue de Montpensier, Jean Cocteau perçoit les 3 coups du brigadier qui annoncent le lever de rideau sur la scène du Théâtre du Palais Royal, aussitôt il déclare « Mes enfants, taisez-vous, la vie commence ».

Naturellement cette voisine a de la mémoire, c’est donc la scène du Palais Royal qui a invité, hier soir, Didier Sandre et le pianiste François Chaplin, afin de rendre hommage à Jean Cocteau, une initiative remarquable du Centre des Monuments Nationaux  (#MOTSNUS). 

Par l’interprétation distinguée de Didier Sandre, et, par la virtuosité délicate de François Chaplin, Jean Cocteau occupe très vite l’espace par ses mots, puis par son être tout entier, au point d’effacer un temps ses talentueux serviteurs.
De Maisons-Laffitte aux Arcades du Palais Royal, la visite des lieux traversés par Cocteau ne s’arrête pas là ; du rire aux larmes, de la comédie au tragique, autant démonstratif qu’introspectif, Cocteau artiste, homme livré en pâture aux critiques ou adulé, Cocteau pirouette et réapparaît flamboyant ! La verve, le bon mot, et toujours cet humour raffiné pour rythmer sa prose, sont ses parades intimes et ultimes pour adoucir les angles de cette auto-analyse, l’enfance, cet amour magnifique qui l’unit à sa mère, la scène qui le torture et qu’il aime, la  poésie qui l’enveloppe et le conduit, ou bien encore, son besoin d’amitié si indispensable à son équilibre. Les textes choisis illustrent l’intense activité littéraire de Jean Cocteau mais aussi le sens, parfois absurde, un rien provocateur, mais toujours juste de ses écrits, reflets infaillibles de la personnalité de l'artiste.

La soirée est belle, bercée par Poulenc, charmée par Ravel ou dansée par Chopin sous le doigté caressant de François Chaplin, Jean Cocteau incarné magistralement par Didier Sandre vient saluer son public ; la séparation sera de courte durée, Jean Cocteau a bien d'autres rendez-vous dans les théâtres parisiens. A jamais présent.

Laurence Caron-Spokojny

Hommage à Jean Cocteau, lundi 14 octobre, 19h Théâtre du Palais Royal

Peut-être est-ce dû à un catalogue d’exposition oublié (1973 au Musée de l’Orangerie), une revue d'art ou bien à quelques traités sur la peinture contemporaine aux illustrations tentantes pour les découpages et créations enfantines, je ne sais, ce dont je me rappelle est que Georges Braque (1882-1963) a été ma première rencontre avec la peinture contemporaine.

Très consciencieusement, j’ai réservé mes entrées afin d’être certaine de ne pas rater ce rendez-vous au Grand Palais. 

Il s’agit de la première rétrospective sur l’œuvre de l’artiste depuis 40 ans. Le parcours offre 200 peintures de l’artiste, des sculptures, de nombreux ouvrages illustrés et photos absolument indispensables pour connaître ou redécouvrir l’étendue artistique de cet humble artiste. En effet, bien moins sulfureux que son compagnon de route de ses débuts et adversaire par la suite, Pablo Picasso, Georges Braque était selon Nicolas de Staël « le plus grand des peintres » ; j’avoue avoir tellement d’admiration pour l’un et pour l’autre qu’il n’est pas envisageable de contrarier cette opinion bien tranchée. 


Après avoir parcouru les allées de l'exposition, terriblement encombrées de curieux (je vous conseille vivement de bien choisir votre horaire de visite), l’éblouissement est à son comble. Embrassant tout autant la littérature que la musique, Georges Braque, observateur précis de son époque, laisse un témoignage vibrant. Indépendant et discret, en opposition à bon nombre de ses prestigieux confrères, Georges Braque n'a pas été reconnu en son temps comme initiateur des différents courants picturaux qui ont rythmés le début du XXème, comme c’est le cas pour le cubisme, revendiqué âprement par Picasso et ses admirateurs. Pourtant cette traversée de son œuvre et de sa vie révèle à quel point Georges Braque fût à la fois chercheur, inventeur et novateur. Ma préférence penche vers les papiers collés, à ces gris et bruns savamment ordonnés où toujours un soupçon de bleu vient éveiller et éclairer la composition.
Mais le foisonnement des œuvres orchestrées par la mise en scène intelligente du Grand Palais offre mille feux sur l’inspiration entreprenante de Braque, du fauvisme à la nature morte en passant par l'abstraction, voici une leçon qui résume à elle seule près d'un siècle d'exploration  artistique.

A noter, un petit film en noir et blanc qui montre Marc Chagall, critique d’art d’un instant, découvrant les peintures de Braque et déclarant avec fougue qu’il s’agit bien là d’ «un grand artiste !». Croyez-le. 

Laurence Caron-Spokojny

Le pitch : « Mona est une princesse dont aucune petite fille n’envierait le sort. Depuis la disparition de ses parents, elle vit seule dans un château avec deux personnages sinistres et repoussants, Goomi et Monseigneur. Un jour, le son de ses pleurs fait apparaître une licorne, qui s’appelle U, et qui dit être là pour la réconforter et la protéger tant qu’elle en aura besoin. U devient donc la compagne de Mona, sa petite et sa grande sœur à la fois, sa confidente et son inséparable amie... Et la vie est plus douce. 
Mona grandit et se transforme en une très jolie princesse, alors que s’installe dans la forêt voisine une troupe de Wéwés, des êtres pacifiques, pleins de charme et de fantaisie.
 Ils n’ont aucun pouvoir particulier, et pourtant leur présence va tout changer.
 Et surtout il y a Kulka, un musicien rêveur… » 

Réalisé par Serge Elissalde et Grégoire Solotareff, « U » est un petit bijou d’animation (sortie en 2006), un ovni artistique qui mêle dessin, musique et dialogue avec une intelligence bien trop rare. Les enfants sont émerveillés et les adultes se surprennent à rire aux éclats. Outre les affres de l’adolescence, le film « U » aborde des thèmes aussi variés que la discrimination, l’amour, la famille, la société,… le tout très simplement, et sur un ton si poétique qu’il aurait sans aucun doute charmé Jacques Prévert.

« U » est projeté face aux confortables fauteuils de l’Auditorium du Grand Palais où le film n’a pas à rougir d’être le voisin des salles d’exposition des œuvres de Georges Braque tellement son univers pictural est puissant. Le film dure un peu plus d’une heure, l’entrée est gratuite…  A noter les voix des personnages remarquablement interprétées par Bernard Alane, Guillaume Gallienne, les regrettés Bernadette Lafont et Artus de Penguern, et autres comédiens talentueux, et, la partition musicale  inventive et joyeuse de Sanseverino : soyez certain de quitter la salle de projection en dansant et en chantant ! 
A partager en famille le dimanche à 15h, jusqu’au 29 décembre 2013.

Laurence Caron-Spokojny

A suivre la sortie prochaine de "Loulou l’incroyable secret", en salle  le 18 décembre 2013. 

Quel bonheur de retrouver Jacques Weber sur scène ! Monstre sacré, prodigieux, monumental,… une somme d’adjectifs à consommer sans modération. L’homme est fatigué mais le comédien est plus que jamais au sommet de son art. Très simplement donc, Jacques Weber incarne le rôle du Docteur Wangel, mari amoureux et torturé, auprès d’Anne Brochet qui se fond dans le rôle fantasque de La Dame de la mer, sur la scène du Théâtre Montparnasse.

Cette tragédie idéaliste d’Henrik Ibsen date de 1888, à cette époque les femmes commencent sérieusement à ruer dans les brancards, il est question de droits et de responsabilités...
Très préoccupé par cette injustice, l’auteur norvégien aborde ce sujet avec délicatesse tout en se frottant aux frontières de l’âme et de l’inconscient. Le dilemme amoureux noué et dénoué par le texte n’est finalement qu’un prétexte, il séduit le public et interpelle sur la condition féminine en cette fin du XIXème siècle.

Ellida (La Dame de la mer) a épousé le Docteur Wangel, il est veuf avec deux filles ; malgré son amour pour son mari, Ellida remet en cause son couple, dangereusement, elle fait apparaître un amant qui appartient au passé, un démon tentateur, un marin sorti de l’ombre, presque un alibi à son questionnement. Ellida s’interroge aussi sur ses sentiments pour ces belles-filles, comment les aimer, comment codifier ce qui n'est pas établi ? Et puis cette mer qui l’attire sans cesse, l’enveloppe, cherche à la noyer, une déferlante angoissante.
Anne Brochet glisse peu à peu vers l’inconnu, inquiétante, une folie. Jacques Weber, ou plutôt le docteur Wangel, est attentif, profond, plongé lui aussi en plein désarroi, il tente à grandes brassées d’amour de sauver sa femme, de la retenir. Il combat, franchit les obstacles ; l’amour est une bataille.
Les témoins de cette scène de ménage dramatique ont des rôles très peu remarquables, sauf pour Antoine Quintard qui offre une interprétation funambulesque du jeune sculpteur Lyngstrand absolument exceptionnelle.

Aujourd’hui, les « familles recomposées », les « couples qui durent » ou les « divorces » occupent notre actualité, le message d’Henrik Ibsen est plus que jamais intemporel et vaut pour exemple tous les conseillers conjugaux de la terre ! Il est à regretter la mise en scène bien trop classique, un rien consensuelle, pour un texte qui reflète autant d’élégance et de puissance ; une mise en scène inventive et peut être légèrement extravagante aurait ajouté quelques écailles à cette Dame de la mer.

Laurence Caron-Spokojny

Alors que le Musée du Louvre propose une exposition d’une rare beauté intitulée Le Printemps de la Renaissance, mouvement artistique et culturel, mais aussi politique et scientifique, né à Florence au début du XVème siècle ; le Musée du Luxembourg met l’accent sur la portée spirituelle et souvent fantasmagorique des arts lors de cette période.

A la Renaissance, les incalculables représentations de la Vierge et l’enfant, dieux et déesses de l’Olympe, Saints et anges en pleine action, et bien d’autres personnages bibliques ou mythologiques, font légions. Cette époque est aussi le théâtre de toutes les formes mystiques ou hérétiques (sorcellerie) hérités depuis des siècles, et il semble que ce soit cet héritage là qui marque le début des premières vraies interrogations et recherches sur le psychisme.
Inspiré par cette source intarissable, l’imaginaire « humain » se fait peu à peu sa place dans l’art, construit de son propre vécu et nourri cette fois-ci par son quotidien, cette nouvelle voie délie les talents notamment lorsqu’il s’agit de peinture. Le rêve et ses fantasmes s'expriment sur  un territoire artistique dont les œuvres de cette époque sont finalement assez peu connues et vues.

Les visions apocalyptiques libérées par l’huile sur le bois sont empruntes d’une contemporanéité ahurissante. Les symboles se bousculent pour dévoiler une vérité plutôt sombre, celle qui encombre chaque être. Magnifique et passionnant, les détails raffinés de La Vision Apocalyptique, datant de 1595, dont la construction rappelle l’œuvre guerrière de Picasso, Guernica (1937) sont extrêmement troublants. Les planches verticales de Hieronymus Bosh (Bois-Le-Duc, vers 1453) présentées en quadriptyque emmènent le regard aussi loin qu’il est possible, tandis que La Tentation de Saint-Antoine de Jan Mandjin (1550) résume à elle seule une grande partie de l’histoire de la peinture (contemporaine aussi), par ses choix figuratifs et de par sa construction abstraite, dans ce qu’elle a de plus symbolique. A noter aussi quelques précieuses huiles sur cuivre dont la clarté des couleurs est remarquable !

Près de quatre-vingts œuvres d’artistes illuminent les murs du Musée du Luxembourg, de Jérôme Bosch à Véronèse, Dürer ou Le Corrège, par delà les œuvres et les siècles le questionnement humain se fait entendre et laisse le visiteur songeur…

Laurence Caron-Spokojny

La Renaissance et le Rêve : la bande annonce par Rmn-Grand_Palais

Après « Bulding » lors du Off d’Avignon cet été, Leonore Confino, auteur, et Catherine Shaub, metteur en scène, proposent « Ring » dans la petite salle du Théâtre de la Porte Saint-Martin.

Ce qu’il y a d’intéressant dans le traitement d’un sujet aussi classique que « l’amour », et plus précisément l’étude des relations de couple, est le savoureux constat que les histoires des autres nous rassurent toujours. Pour deux raisons toutes simples : ou bien parce que l’histoire relatée nous rappelle notre vécu ou bien parce que nous ne l’avons pas vécu, peut-être pas encore ou bien jamais... 

Par des effets de miroirs, lissés ou brisés, Leonore Confino renvoie des éclats de vies amoureuses et chacun en prend pour son grade. La recette est bonne, le public est friand : « ça y est, incroyable, on parle de moi !». Les répliques fusent, rythmées par une mise en scène toujours très sobre qui tend à mettre les comédiens en valeur. Sur un fond de décors vidéo (encore ! il faut s’y faire, c’est dans l'air du temps) aux lignes géométriques très pures, qui dénotent une atmosphère résolument urbaine soutenue par une création sonore tout autant contemporaine, les couples se font et se défont selon les mouvements inscrits par la chorégraphe Magali B. Décidément, Monsieur Jean-Claude Camus, directeur à la fois de la Porte Saint-Martin et de la Madeleine, a la volonté ferme de nous montrer un théâtre qui marie systématiquement les arts de la scène entre eux. Et cette fois-ci, l’équilibre est parfait, les apartés chorégraphiques donnent du grain au jeu des comédiens et mettent en relief le propos. 

Le rôle de Camille est joué par Audrey Dana, et l’autre Camille est tenu par Sami Bouajila. L’homme et la femme portent le même prénom, cette astuce d’écriture gomme légèrement les clichés dans lesquels il est difficile de ne pas tomber pour un tel sujet. Mais les comédiens s’y vautrent avec plaisir dans ce jeu proche de la schizophrénie. Un méli-mélo adroit où chacun dévoile sa part de cynisme, de moquerie et parfois de tragique.
Audrey Dana est intenable, trépignante, elle part chercher aux confins de sa féminité les arguments qui font osciller son rôle. La comédienne trace sa route et le choix de cette direction est le bon. Très à l’aise sur les planches, elle frôle l’esprit de Jacqueline Maillan qui veille toujours dans les cintres des bons théâtres, la scène et l’humour lui vont bien, très bien.
Quant à l’autre Camille, son élégance n’a pas d’égal, Sami Bouajila, comme un danseur qui met en valeur sa partenaire lors d’un porté, se fait plus discret, délicat tant par sa présence que par son jeu. Il accompagne, il séduit aussi, il s’est éloigné un temps de son registre habituel mais sa sincérité est tout aussi forte.

L’alchimie de ce couple et l'observation incisive, drôle ou tendre, des situations, nous rappellent à quel point il faut vraiment s’aimer pour supporter nos différences, mais aussi à quel point ce sont ces mêmes différences qui créent le sel d’une relation.

Maintenant, c'est à votre tour de monter sur le ring... et si vous préférez juste assister au combat, c'est ici.

Après avoir observé le monde du travail dans « Bulding », décortiqué les relations amoureuses dans « Ring », le duo artistique Confino-Shaub s’attaquera en janvier 2014 au thème de  la famille, vaste chantier, avec « Les uns sur les autres ».  Cela promet.

Laurence Caron-Spokojny

Après quatre années de travaux (dont on ne voyait plus la fin) le Palais Galliera, temple flamboyant dédié à la mode, ouvre ses portes à la première monographie à Paris consacrée au couturier Azzedine Alaïa, jusqu'au 26 janvier 2014.  Enfin !

Alaïa en réouverture du Palais Galliera 

Arletty avait raison ! Voici un homme qui aime éperdument la beauté, celle des  hanches, épaules, jambes, et taille, celle des courbes et lignes qui font que le corps de la femme symbolise la grâce et l’élégance à part entière. Il ne s’agit pas d’un couturier tout à fait ordinaire (bien que la haute-couture ne le soit jamais), il s’agit tout d’abord d’un sculpteur du corps (il est diplômé des Beaux arts de Tunis en Sculpture), ainsi il moule soie, mousseline, gaze, cuir, laine bouillie et perles directement sur le corps de la femme. Les tissus épousent le corps par de savantes découpes en biais, les matières choisies, souvent novatrices, glissent comme de l'eau afin d'accompagner le mouvement au plus près de sa justesse. (photo de droite : Grace Jones en Azzedine Alaïa par Greg Gorman, 1991)

Récemment Azzedine Alaïa a inventé les costumes de la création chorégraphique «Les Nuits» d’Angelin Preljocaj. Esthète cinématographique, il s’inspire aussi des costumes militaires (sublimes pièces à manches), de l’univers du spectacle, et surtout de ses muses Arletty, Grace Jones, Farida Khelfa, Greta Garbo ou Tina Turner, et bien d'autres pour lesquelles il érige des autels dignes des déesses de la mythologie en leur offrant des robes d’amazone ou d’elfe… Cet homme  aime les gens, infiniment, et il le montre, autant dans ses créations que dans ses attentions privées.

Le bon couturier dévoile les charmes du corps féminin avec une délicate autorité, le corps se fond en armure, la démarche se fait alors plus altière, assurée, les ondulations du corps marquent le rythme, le port de tête est souverain.

L’intention artistique d’Azzedine Alaïa a une dimension politique, la femme s’émancipe, affirme son indépendance, sa différence et sa féminité ne sont plus cachées sous de sinistres tailleurs ou exhibées dans des décolletés obscènes. La révolution prend les armes de l'esthétisme pour se couler dans une revendication féministe audacieuse, une ode à la femme, tout le temps sexy, ludique et drôle aussi, et à jamais conquérante.

Merci Monsieur Alaïa. 

Laurence Caron-Spokojny

* L’exposition est à poursuivre dans la salle Matisse du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

Il fut un temps où l’art épousait le quotidien, la vie de la cité en particulier. Hors les murs conceptuels de nos musées, l’art s’épanouissait aux frontons des églises, aux pieds ou aux sommets des édifices, au sein des hôpitaux et des hospices, aux devantures des confréries, des corporations, artisans et marchands, en ouverture des écoles et manufactures, l’art était partout et Florence fut en son temps la capitale la plus appliquée à montrer ce foisonnement.

La Vierge et l’Enfant de Donato di Nicolo di Betto Bardi (1420-1425),
Collection de sculptures et musée d’art byzantin, musée de Berlin.

Puisant avec soif leur inspiration auprès des maîtres et œuvres magistrales de l’Antiquité classique, les artistes florentins parsemèrent la ville de sculptures et d’œuvres picturales les plus savantes les unes que les autres. Motivés par des concours de création récurrents, les artistes aux talents débridés par les innovations mathématiques (perspective) et galvanisés par les commandes publiques d’œuvres puis par la naissance du Mécénat privé (Médicis) rivalisaient d’invention et ont fait naître de nouveaux thèmes (les petits esprits « spiritelli », monument équestre, portrait en buste, …).

L’exposition "le Printemps de la Renaissance" qui se déroule jusqu'au 6 janvier 2014, composée minutieusement par Marc Bornand, le conservateur en chef du département des Sculptures du Musée du Louvres et Béatrice Paolozzi Strozzi, directrice du musée national du Bargello, est en partenariat avec la Fondation du Palazzo Strozzi qui pour cette fois pique la vedette aux Médicis.
Les oeuvres exposées des sculpteurs, orfèvres et peintres illustrent admirablement cette époque bénie où l’art était en somme le premier vecteur de propagande politique de la Cité : une idée à retenir !

L. Caron-Spokojny

Télécharger l'appli  Le Printemps de la Renaissance – La sculpture et les arts à Florence, 1400-1460

C’est toujours bien de retrouver un artiste « engagé », le phénomène est de plus en plus rare, il est remarquable…

En 1985, Roger Waters quitte les Pink Floyd avec sa vie, son œuvre, « The wall », sous le bras. « The wall » est en effet une œuvre à part entière, musicale et graphique (dessins de Gérald Scarfe, film réalisé par Alan Parker - 1982) : l’histoire d’un petit garçon pour qui il est douloureux de grandir, la mort du père, une vision de la vie qui se voudrait optimiste mais qui n’y parvient pas, une lutte acharnée et polémique contre toutes les formes d’oppression, les dictatures, la guerre, le terrorisme, mais aussi un délire paranoïaque qui vire à la folie. L’œuvre «The Wall» est en cela intemporelle, on le regrette.

Pourtant, ce 20 septembre au centre de ce temple du consumérisme (le stade de France), il est difficile de supporter la vision de ce dictateur délirant qui tire sur le public, ce grossier mélange d’Hitler, Hussein, Khadafi ou Mussolini nous est familier, nous le rencontrons sur nos écrans de télévision, bien réel, à la une de nos journaux, passé ou présent, il est inscrit dans notre quotidien. La caricature se fond avec son modèle. Depuis le concert de 1988 au Château de Versailles, le mur de Berlin est tombé et les parois du World Trade Center aussi, le goût amer du message délivré par « The Wall » s’avère aujourd’hui un peu écoeurant, cela est de trop. Heureusement, l'édifice de briques construit entre le rockeur et son public fini par s’écrouler, la parabole libère et rassure. Pour en arriver là, l’œuvre vidéo s’est étirée sous mille feux avec une ingéniosité artistique incroyable, les musiciens et les effets sonores ont fait vibrer les sens d’un public attentif, dévoué, abandonné à son Maître...

Roger Waters a soixante-dix ans, il a la voix fatiguée mais cela n’a aucune importance, la musique est bonne et elle reste une des dernières traces d’une époque emblématique, révolue, enterrée (pour l'instant peut-être), une époque au cours de laquelle nous pensions tous qu’il était possible de changer le monde à coup de rock’n roll. 

Laurence Caron-Spokojny

Les parents de Ron Mueck étaient des fabricants de poupées de chiffon et de jouets en bois, alors tout naturellement le fils façonne des mannequins pour la mode, la télévision et le cinéma. Puis, quelque peu infidèle aux  marionnettes du Muppet show, l'Australien immigré à Londres produit ses premières œuvres artistiques à part entière dont une sculpture de Pinocchio immédiatement remarquée par Charles Saatchi. La réalité épouse le conte fantastique…

L’artiste s’affirme, se libère et en Gepetto assumé il crée des êtres infiniment grands ou infiniment petits. Toujours dans la démesure, flirtant avec l’ultra-réalisme, les personnages de Ron Mueck se posent en témoins, leurs regards se plongent dans une intériorité que l’on n’ose définir, âme, conscience, peut importe ils sont là, archi-présents. L’intention fait frémir, arrache une émotion indescriptible, un sentiment familier, quelque chose d’instinctif, notre cerveau reconnaît un être humain, un semblable, un compagnon de race, et pourtant… comme un chat qui croit reconnaître un autre chat en passant devant un miroir, Ron Mueck oblige son public à faire le tour du miroir pour bien vérifier de quoi il s'agit ou bien de qui ? Le catalogue de l’expo sous le bras, l’absence de palpitations à la surface de la silicone, les curieux qui se pressent, les dimensions gargantuesques ou lilliputiennes des silhouettes nous rappellent à l’ordre, à la réalité. 

L’Australien est un homme tranquille, de son élégante et haute stature il sait prendre son temps, un recul méditatif, et le film « Still life » de Gautier Deblonde, projeté lors de l'exposition, nous le fait découvrir. Chaque seconde du temps de travail de Ron Mueck est utilisée pour immortaliser un instant de vie humaine, une sorte de photographie étirée sur plusieurs dimensions afin de laisser entrevoir toute une vie dans les plis du creux d’un coude, l’affaissement d’un mollet sur le sol ou dans l’angle délicat d’une nuque inclinée, admirable.

L’oeuvre de Ron Mueck est une déclaration d’amour à l’humanité toute entière, pleine de compassion et d’attirance, une certaine forme d’érotisme se fait sentir tant la peau de ces êtres semble proche et familière. Est-il raisonnable de désigner cette exposition comme étant la plus belle… une des plus belles choses qui m'a été donnée à voir ? A cet instant, fascinée, je l’affirme.

Laurence Caron-Spokojny

nb : exposition particulièrement recommandée aux enfants, gratuite jusqu'à 13 ans.

Visiter l'expo au Centre Georges Pompidou de Metz, ici.

« The Elephant Song » de Nicolas Billon a vu le jour au sein d’un atelier d’écriture à Montréal, puis joué au Festival Stratford du Canada, l’élégant texte est pour la première fois présenté en France sur les planches toujours aussi novatrices du Petit Montparnasse.

C’est un personnage fragile et puissant, celui de Michaël, enfermé dans un asile de fous, qui marque les premiers pas sur scène de Jean-Baptiste Maunier (très jeune star à l’issue du film les Choristes de Christophe Barratier en 2004). Exercé au jeu par l’école de Lee Strasberg de New-York, Jean-Baptiste Maunier, du haut de ses 22 printemps, livre une démonstration qui semble puiser au plus profond de lui-même, il ne s’épargne rien, les tourments de son personnage vibrent, douloureusement, méthodiquement il décortique, analyse, digère et donne. Intense et physique, il y a quelque chose de Brando dans ce grand gamin là mais aussi quelque chose de Jean-Louis Barrault, une poésie discrète, un genre de s'excuser...

En face, Pierre Cassignard donne une leçon différente au jeune acteur, d’un jeu plus classique mais tout aussi fervent, maîtrisé, il est ce psychiatre aussi directeur de son établissement ; sa performance est remarquable. Tandis que Christine Bonnard rythme les scènes par ses apparitions sincères et délicates dans le rôle de l’Infirmière Peterson.

La différence d’âge des deux acteurs, leur façon de jouer, et, l’écriture fine de chacun des rôles, opposent les deux protagonistes pour apporter toute sa justesse au propos. D’Amour il est évidemment question mais il s’agit de celui qui se cache, celui qui asservit, le pervers, celui qui ordonne et détermine les choses de la vie dès le départ et qui paralyse le libre arbitre pourtant si essentiel à notre humanité. Le metteur en scène, Bruno Dupuis, orchestre l’ensemble avec une grande simplicité apparente, la part belle est laissée au jeu des comédiens, emportés par la fluidité du texte, les déplacements sur scène scandent des sentiments bourrés de paradoxes… qui raisonnent encore.

La vidéo de Léonard et le décor très cinématographique de Sophie Jacob renforcent l'ambiance de thriller psychologique, la silhouette d'Alfred Hitchcock semble parfois se dessiner et les couloirs de l'hôpital psychiatrique de "Vol au dessus d'un nid de coucou" s'étirent derrière la porte.

Tout d’abord circonspect, puis intrigué, déstabilisé, puis tout à fait bouleversé, il est impossible d’en sortir indemne.

Magnifique, allez-y.  

Laurence Caron-Spokojny

Toutes les infos sont ici

Avec votre carte d'embarquement et votre audio-guide (adapté pour petits et grands), je vous conseille vivement de vous lancer sur les flots à bord de l'élégant Titanic. 

Le voyage débute à la construction de ce géant des mers, puis par son énigmatique naufrage et enfin aux différentes campagnes d'exploration de l'épave et de ses objets. Ce plongeon en 1912 est une page historique à étudier avec la plus grande passion...

Chronique littéraire du magazine "Opérette, théâtre Musical" (août 2013) sur "Mishima n’était pas un héros" de Laurence Caron



Le public du Lyrique connaît bien le ténor Michel Caron, disparu en 2001, dont le nom a brillé au fronton des théâtres, des années 60 à la fin des années 80. Il a été une des vedettes du Châtelet, des grandes scènes de province et de l’étranger, du théâtre de Paris et de l’ORTF.
On a vu Michel Caron au cinéma et dans des publicités. L’objet du livre de Laurence Caron, sa fille, n’est pas de retracer une carrière. On aurait d’ailleurs aimé que l’auteur nous fasse partager autant les moments de gloire que les périodes plus difficiles, où les contrats se font plus rares. Laurence Caron écrit un beau livre sur la finitude et la violence du suicide. Car son père, Michel Caron, s’est donné la mort il y a dix ans, sans livrer d’explications sur son geste. Sa fille ne s’en remet pas. Elle inscrit son témoignage dans la quotidienneté d’une famille unie, inclut ascendance et descendance, et scrute à la lumière de ces évocations tout ce qui aurait pu expliquer l’irrémédiable. Vainement. A l’exception de quelques bribes.
Mais ni Mishima, ni Banville n’apaisent la douleur. La revanche (sur quoi ?) est dans cette vie, qui force les destins, qui arrache malgré tout de bons moments (en vrac, les vacances, Arletty, Offenbach…). Le livre évoque dans des pages pudiques, mais d’une telle justesse, les ravages de la maladie d’Alzheimer de la Grand-mère, ou encore maints détails sociologiques sur le vécu du métier, si particulier, de chanteur lyrique. Les parades tombent les unes après les autres. 

« Désormais, pour être à la hauteur de cette noblesse de sentiment, je m’emploie pour que son absence soit aussi importante que sa vie », conclut Laurence Caron. Le livre, peuplé de cette absence, bâtit une sorte de temple au disparu. Et si la conscience de la finitude était le meilleur rempart contre les formes imprévisibles, cruelles, que prend l’inéluctable départ, toujours injuste, toujours sans réponse ? Un très beau témoignage.

Didier Roumilhac (pour le magazine "Opérette", août 2013)

Laurence Caron, « Mishima n’était pas un héros », Publibook, 2013, 16 euros.