Jusqu’au 29 juin, le Théâtre du Châtelet dévoile les attraits de sa plus belle scène, celle créée et dédiée au théâtre musical, en proposant des oeuvres, mythiques ou rares. «The King and I» s’inspire des mémoires d’Anna Leonowens (1834-1915), une préceptrice anglaise partie éduquer les nombreux enfants du roi Mongkut (dit Rama IV) de Siam dans les années 1860.

La romancière américaine Margaret Landon a écrit le roman "Anna and the King of Siam » (1943). Puis le 29 mars 1951, la comédie musicale est jouée au St. James Theatre à Broadway, elle est orchestrée par le célèbre duo formé par le compositeur Richard Rodgers et par le librettiste Oscar Hammerstein II. L’indétrônable Jerome Robbins dessine la chorégraphie. Pour la comédie musicale jouée sur scène et aussi pour le très beau film de Walter Lang (en 1956 - avec Deborah Kerr et Rita Moreno), Yul Brynner est le roi de Siam, pour un nombre de représentations infini jusqu’en 1985.

Au Châtelet, « The King and I » respecte en tout point les codes du genre, les décors sont monumentaux, les costumes sont flamboyants, les airs, tous plus mélodieux les uns que les autres, sont soutenus par le très brillant chœur du Châtelet, et les tableaux s’enchaînent avec rythme. Tout est ici réuni pour divertir un très large public. Sur la scène du Théâtre du Châtelet, « The King and I » prend une dimension nouvelle. Très consciencieuse à la contemporanéité politique du propos, l’histoire de ce roi résolu à moderniser son royaume de Siam tout en souhaitant s’affranchir de l’impérialisme anglais, illustre aussi le conflit entre les deux sexes que tout oppose dans ces sociétés orientales. La tâche est rude et longue, et, ces thèmes fondamentaux sont encore d’actualité. 

Cette production se distingue par le très grand raffinement du jeu de ces interprètes, à la fois comédien et chanteur, Susan Graham et Lambert Wilson révèlent un travail d’une grande qualité. Rien n’est laissé au hasard, le divertissement s’emploie à en découdre aussi bien avec la comédie qu’avec le chant avec une attention tenue par une juste mesure. La cantatrice Susan Graham virevolte, de l’enseignante à la femme amoureuse, avec un charme irrésistible, souveraine, la merveilleuse mezzo-soprano chante comme elle respire. Son partenaire, de sa belle voix et de son indiscutable présence, Lambert Wilson, échappe à l’ombre de Yul Brynner, il incarne un roi aux accents profonds, drôle, dramatique et parfois romantique. Admirablement bien entourés, notamment par Mesdemoiselles Je Ni Kim et Lisa Milne, les deux artistes dirigent les émotions et les éclats du rire du public avec précision.

Susan Graham et Lambert Wilson forment un duo d’artistes de haut vol, tout semble si simple et si facile pour eux, l’excellence de leur art pour servir cette œuvre est une véritable source de bonheur. « The King and I » poursuit le dessein de Jean-Luc Choplin, le directeur du Châtelet prouve une nouvelle fois que la comédie musicale est un genre qui est bien loin d’avoir dit son dernier mot, sous réserve qu’elle soit amenée avec autant d’intelligence et d'élégance et cætera, et cætera, et cætera...

Laurence Caron-Spokojny

"The King and I » -  du 13 au 29 juin au théâtre du Châtelet. Susan Graham et Christine Buffle interprètent en alternance le rôle d’Anna Leonowens. En version originale anglaise sur-titrée.

A suivre avec la plus grande attention :
du 22 novembre 2014 au 4 janvier 2015, An American in Paris

"Un Américain à Paris", produit par Arthur Freed et réalisé par Vincente Minnelli, fut montré pour la première fois à Londres en 1951 ; un an plus tard, orné de six Oscars, le film avec Gene Kelly, Leslie Caron, Oscar Levant et Georges Guétary est sur les grands écrans en France.

En 2014, Jean-Luc Choplin, le directeur du Théâtre du Châtelet, et les producteurs de Broadway, Van Kaplan et Stuart Oken, proposent la comédie musicale sur scène,
pour la première fois au monde.

Généralement c’est l’inverse, la version cinématographique est créée après la version scénique, mais il est aisé de comprendre à quel point ce projet d'adaptation a du être extrêmement tentant, pour des producteurs de Broadway, et pour le directeur du Théâtre le plus musical de Paris. A la tentation s’ajoute naturellement le risque, celui d’égratigner un chef-d’œuvre du cinéma ou bien d’en offrir un pâle plagiat scénique… L’inverse là aussi s’est produit. La coproduction franco-américaine de « Un Américain à Paris » sur la scène du Théâtre du Châtelet est un bijou.

Très logiquement inspirée par le film et ses interprètes, et surtout très justement initiée par la musique de Gershwin, cet « Américain à Paris » n’est pas l’adaptation scénique d’un film, il s’agit d’une création à part entière. Jamais de pause et jamais de noir, aucun flottement et aucun vide, rien n’échappe au parti pris scénographique qui s’empare du Châtelet dans un très grand raffinement esthétique. Ce qui aurait pu faire naître quelques craintes, légitimes, lorsqu’il est question de faire référence à un chef-d’œuvre, n’a pas lieu d’être.

Parfois quelques mouvements chorégraphiques créés par Gene Kelly ressurgissent dans l’écriture fine du chorégraphe Christopher Wheeldon, comme des attentions appuyées, analysées, le chorégraphe a su extraire la substantifique moelle… C’est une chorégraphie pleine de grâce, résolument contemporaine par son inventivité, et aussi très inscrite dans l’esthétisme des années 50 par sa joie de vivre et son optimisme d’après-guerre.

Le couple formé par Leanne Cope (Royal Ballet) et Robert Fairchild (New York City Ballet) est terriblement à la hauteur de ses aînés, Gene Kelly et Leslie Caron. Et puis, il y a le jeu exact de Veanne Cox, la somptueuse Jill Paice, la formidable personnalité de Brandi Uranowitz, et la très belle voix de Max Von Essen, ils dansent, chantent et jouent la comédie, entourés d'une formidable troupe de danseurs, ils sont sans faille, du début à la fin. Sur un rythme parfait, l’élégance et l’harmonie sont de mises, l'ensemble de l'oeuvre s'inscrit dans la justesse.

Les courants artistiques de l’époque ne sont pas en reste -comme pour le film qui rendait hommage aux peintres tels Dufy, Toulouse-Laurec ou Renoir- les décors, costumes et intentions chorégraphiques du Châtelet transportent la romance dans le Paris de l’après-guerre mais tissent aussi des liens avec le Paris -totalement indémodable- des années 30. C’est en 1928 que George Gershwin a composé « Un Américain à Paris », à l’origine un poème symphonique d’une vingtaine de minutes. Après avoir été très chaleureusement accueilli par les compositeurs français comme Debussy, Ravel ou Milhaud, le critique Isaac Goldberg avait qualifié cette composition comme étant "L'après-midi d'un faune américain". Il est certain que pour cette production, les célèbres fantômes qui hantent les cintres du Théâtre du Châtelet, comme Diaghilev et Nijinsky, seront au premier rang de Corbeille pour chaque représentation.
Cet « Américain à Paris » devait se créer au Théâtre du Châtelet et nulle part ailleurs.

Laurence Caron-Spokojny

Le spectacle sera à Broadway au Palace Theater en mars 2015. 
Production :
 Théâtre du Châtelet
 et Pittsburgh CLO 
en accord avec Elephant Eye Theatrical.

A découvrir, ce très joli webdoc diffusé sur Arte "De l'élève à l'artiste" (avec l'Ecole de danse de l'Opéra de Paris) en complément de la série documentaire "Graines d'étoiles" (disponible en VOD et DVD). En association avec le CNDP.

Le festival des Etés de la Danse accueille pour 18 représentations, du 10 au 26 juillet, au Théâtre du Châtelet, le San Francisco Ballet, dirigé par Helgi Tomasson.
Cette très célèbre compagnie américaine, qui a participé à la première édition des Etés de la Danse en 2005, nous fait l'immense plaisir de revenir danser dans la capitale pour célébrer avec nous, avec vous, la 10ème édition du festival. Chacune des représentations proposera un programme différent et présentera aux spectateurs présents cet été à Paris 18 ballets uniques dont 9 premières en France.

Pas si tôt  : le rendez-vous est fixé à 11h au Théâtre du Châtelet ce dimanche 9 octobre 2011.

Pour une première approche de la musique contemporaine pour mes enfants, de 7 et 10 ans, je vais tenter l'aventure avec Georges Aperghis et Jean-Pierre Drouet.

 

Il est dit, sur le site du Châtelet : "Jean-Luc Choplin vous propose de suivre le percussionniste et compositeur Jean-Pierre Drouet dans un labyrinthe sonore, composé par Georges Aperghis pour les drôles de machines créées par Claudine Brahem. Ce parcours, labyrinthe musical, animé par Jean-Pierre Drouet vous feront découvrir la musique de façon ludique. Le concert est précédé d'un Atelier Famille animé par Scott Alan Prouty." 

 

La musique de film de John Williams, le 12 février 2012, date notée illico presto sur l'agenda, mais aussi Les Viennoiseries de Brahms à Vienne, Les Lauréats du Concours Reine Elizabeth de Belgique, Zazi de Queneau en comédie musicale, .. enfin toute la programmation de ces concerts "tôt" semble alléchante ! Pour s'y intéresser plus en avant, je vous suggère une visite sur la page "jeune public" du site du Châtelet.

Atelier chant choral : Avant ce concert, il est possible d'assister à l'atelier (dans la limite des places disponibles). L'atelier rassemble parents et enfants autour de la pratique du chant choral, de manière ludique et en lien avec le programme du concert. Il est animé par Scott Alan Prouty, chef de chœur bien connu pour son travail liant voix et expression corporelle, avec son complice le pianiste Richard Davis.
© LCS

A noter les tarifs raisonnables : 5 euros pour les enfants et 10 euros pour les adultes, et gratuit pour les enfants dans le cadre de la Carte Famille. 

   

Le Théâtre du Châtelet a toujours ouvert sa saison avec faste, ce mois de septembre est différent. 

Le Mexique est à l’honneur avec Cruzar la Cara de la Luna.Il s’agit du tout premier «opéra mariachi» : une rencontre entre la musique populaire et l’école classique de l’Opéra. Le compositeur José «Pepe» Martinez et le groupe Mariachis Vargas de Tecalitlán, dont on dit qu’il est le «meilleur mariachi du monde», ont été sollicités par l’Opéra de Huston, pour être accompagnés par le très renommé librettiste et metteur en scène de Broadway, Leonard Foglia. 

L’histoire est dramatiquement universelle, l’immigration mexicaine aux Etats-Unis, quand la nostalgie des origines vient bousculer les contraintes sociales à travers trois générations. 

Pourtant malgré la noblesse du thème et l’interprétation juste de ses musiciens et chanteurs, Cruzar la Cara de la Luna pâtit d’une mise en scène quasi inexistante, pour une version semi-scénique c’est plutôt embêtant... La musique bat son plein au rythme des trompettes, violons, harpe et vihuela, les rythmes ensoleillés feraient même penser au premiers accents d’une opérette digne de Maurice Lehmann. Seulement, ce n'est pas du tout cela. La découverte de la musique mariachi nous apprend à quel point elle a certainement influencée un grand nombre de compositions, mais en ces murs et sur cette scène cet attrait semble insuffisant. 
Tout de même, il s’agit du Théâtre du Châtelet, il est dommage de laisser ainsi ces musiciens seuls, statiques, en fond de décors, alors qu’un formidable espace est prêt à vibrer sous leurs pieds...  Entre dimension politique ou folklorisme consensuel, on ne sait pas trop, il y a un manque de parti pris évident. L'idée est originale et audacieuse, mais il s'agit juste de l'idée. Je suis sortie du spectacle en fredonnant, quand on m'a demandé ce que je pensais du spectacle,  j'ai soupiré, en fait je crois que je n'avais pas trop envie d'avouer ma déception.

Laurence Caron-Spokojny

La plupart du temps consacré à des thèmes religieux, un oratorio n’existe que par la musique. Une musique aussi pure soit-elle qui ne s’encombre ni de mise en scène, ni de costume, ni de décor, ni d’aucun autre support scénique qui pourrait détourner l’œuvre lyrique de sa fonction première : l'écoute. Cette austérité se voit bousculer par nos artistes contemporains dont le metteur en scène australien Barrie Kosky, directeur artistique du Komische Oper de Berlin depuis 2012.

Saül est un drame biblique inspiré du livre de Samuel, il a été composé en 1739 par Haendel sur une livret de Charles Jennens et produit la même année au King’s Theatre de Londres. Cet oratorio de Haendel, maître du genre, est à l’origine une production du Festival de Glyndebourne (2015), objet d’une création d’un esthétisme foudroyant, Saül est aujourd’hui sur la scène du Théâtre du Châtelet.

La perspective de la très profonde scène du Châtelet est démultipliée par une inclinaison vertigineuse du plateau, les interprètes glissent sur une terre sombre et mouvante. La sobriété de cette matière brute est contrastée par les costumes de Katrin Lea Tag, tous d’un blanc immaculé, et ponctués d’étoffes colorées. De doux rayons dorés, projetés par Joachim Klein, viennent sublimer l’atmosphère avant que le chatoiement mystérieux d’un éclairage à la bougie fasse craindre des départs de feu. Enfin, les coiffures et maquillages des artistes, chœur, solistes et danseurs, font penser à l’extravagance fellinienne qui illustre si bien l’univers baroque. L’ensemble est d’une beauté ravageuse.

La partition, passionnément tenue par Laurence Cummings, est parsemée de commentaires et de cris des chanteurs, comme pour traduire au mieux les sentiments déployés. Cette liberté révèle parfois du tragique, parfois de la drôlerie et finit toujours par offrir un supplément d’âme (soul - en anglais), un vent de folie qui rappelle étrangement les cascades de rire de l’Amadeus de Milos Forman. Car c’est à un exercice cinématographique que l’œuvre scénique semble s’approcher ; les trois actes se découpent en trois tableaux, une fresque qui évolue et s’assombrit au fur et à mesure de la montée des angoisses du roi Saül. Torturé et enfin terrassé par la jalousie extrême provoquée par les exploits de David, son futur successeur, Saül s’isole peu à peu du monde enfermé par ses tourments…

Joyeusement décalée, la chorégraphie signée Otto Pichler pour six danseurs a de quoi amuser l’assistance et souligne avec dérision cette folle atmosphère. L’exceptionnel chœur, rassemblé pour l’occasion par la production de Glyndebourne, ne lâche à aucun instant la tension dramatique et il est soutenu très brillamment par l’orchestre Les talens Lyriques.

Les solistes se prêtent aux inventions scéniques avec grâce. Ils ne diminuent à aucun moment l’énergie qu’ils doivent destiner à leur art au profit du jeu, l’équilibre est parfait. Entourés par d’admirables artistes lyriques comme le ténor John Graham-Hall qui compose une formidable sorcière, le baryton britannique Christopher Purves est un Saül ardent, complétement déchainé, il occupe la scène avec le très sensible contre-ténor Christopher Ainslie dans le rôle de David. Désormais la dimension théâtrale de ce Saül créée par Barrie Kosky va difficilement pouvoir se concevoir autrement.

Laurence Caron

Photo Patrick-Berger

"Passionné de cinéma, François, dont le rêve est de devenir réalisateur participe à un concours réservé aux adolescents. Les trois meilleurs films auront le privilège d’être projetés dans le cadre d’un prestigieux festival. Il choisit de raconter la résistance des Amérindiens face à l’invasion des colons blancs durant la seconde moitié du XIXe siècle.
Un projet bien ambitieux pour un garçon de quinze ans…"

Pour découvrir le CREA, rendez-vous ici.

La première fois que j’ai entendu et vu le CRÉA d’Aulnay à l’œuvre, c’était déjà dans l’idée d’une collaboration éventuelle… Quelle claque ! Ils savent tout faire, danser, chanter, jouer la comédie, inventer, improviser. Des gamins, des ados, filles, garçons dans la même dynamique, fonctionnant comme une vraie troupe, wow ! C’est du sérieux ! Ma première réaction a été de me demander si je saurais écrire pour ces exigeants petits maestros. Didier Grojsman - magicien de ce miracle - sait se montrer extrêmement convaincant… et patient ! Il aura fallu cinq ans pour que nos calendriers concordent ! J’ai accepté ce challenge avec une petite boule au ventre de trac parce que je sais qu’intéresser les adultes est une chose, intéresser et accrocher les enfants et les adolescents c’en est une autre !

Et puis je ne savais pas trop par quel bout commencer cette écriture jusqu’à ce que je comprenne qu’il fallait que je fasse comme pour moi : des chansons et un prétexte ! J’ai adoré mettre des notes sur les mots de Christian Eymery parce qu’il a un sens du rythme incroyable ! À la lecture de ses vers, déjà on entend rouler la musique. Avec la complicité de Franck Steckar, qui a relu, harmonisé parfois, arrangé souvent, ces chansons ont fini par former un tout, un prétexte : une histoire de cowboys, d’indiens et de cinéma ! Et hop ! Finalement, avec une bonne équipe c’est toujours plus simple que prévu !

Juliette

Du 2 au 4 avril au Théâtre du  Châtelet, par les artistes du CREA

C'était en mars 2015 au Châtelet et c'est à nouveau à l'affiche jusqu'au 15 janvier 2016 : attention chef-d'oeuvre !

Le magicien - Ma première fois c’était en 1993 au Grand Théâtre de Bordeaux pour Les Noces de Figaro. William Christie dirigeait la musique, et, Robert Carsen architecturait l’espace. Ce soir là, je découvrais qu’il était donc possible de faire traverser la lumière du jour jusqu’à la scène d’un théâtre ? Une autre dimension s’ouvrait… Ce fut un éblouissement, à tel point que mon regard sur les choses de l’éphémère changea définitivement.

Robert Carsen, le metteur en scène canadien, est capable de ça et de bien d’autres choses. Que ce soit pour Disneyland (Buffalo Bill’s Wild West Show), pour les plus grands opéras, le théâtre ou pour des scénographies d’expositions (L’Impressionnisme et la Mode, Musée d’Orsay 2012), Robert Carsen est un illusionniste.

La fonction d’un metteur en scène est de façonner un monde dans un espace déterminé, comme un géant qui se jouerait des êtres et des éléments, il les déplace à sa guise, et fait valser ce qui est établi au profit  de son propre ressenti. Le public ne parvient pas toujours à suivre et à comprendre les intentions et les liens qui animent les interprètes, les décors et les costumes, dans cet espace apprivoisé qu'est l'espace scénique. Robert Carsen, lui, n’égare personne, attentif, il va à l’essentiel, il y a une évidence, comme une vérité. Et puis, c’est beau. Toujours beau. 

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Le magicien

Ma première fois c’était en 1993 au Grand Théâtre de Bordeaux pour Les Noces de Figaro. William Christie dirigeait la musique, et, Robert Carsen architecturait l’espace. Ce soir là, je découvrais qu’il était donc possible de faire traverser la lumière du jour jusqu’à la scène d’un théâtre ? Une autre dimension s’ouvrait… Ce fut un éblouissement, à tel point que mon regard sur les choses de l’éphémère changea définitivement.
Robert Carsen, le metteur en scène canadien, est capable de ça et de bien d’autres choses. Que ce soit pour Disneyland (Buffalo Bill’s Wild West Show), pour les plus grands opéras, le théâtre ou pour des scénographies d’expositions (L’Impressionnisme et la Mode, Musée d’Orsay 2012), Robert Carsen est un illusionniste.

La fonction du metteur en scène est de façonner un monde dans un espace déterminé, comme un géant qui se jouerait des êtres et des éléments, il les déplace à sa guise, et fait valser ce qui est établi au profit  de son propre ressenti. Le public ne parvient pas toujours à suivre et à comprendre les intentions et les liens qui animent les interprètes, les décors et les costumes, dans cet espace apprivoisé qu'est l'espace scénique. Robert Carsen, lui, n’égare personne, attentif, il va à l’essentiel, il y a une évidence, comme une vérité. Et puis, c’est beau. Toujours beau. 

La promesse

Alors pour LA comédie musicale, Singin'in the rain, immortalisée à l’écran par Gene Kelly, Debbie Reynolds et Donald O'Connor, il n’y avait pas d’autre choix possible, pour le Théâtre du Châtelet, que celui de Robert Carsen, un des plus grands metteurs en scène du monde. Entre ces mêmes murs, il y a eu, en 2006, Candide de Bernstein puis, en 2012, My Fair Lady de Lerner & Loewe, le genre est familier pour le metteur en scène, et l’assiduité du directeur du Châtelet, Jean-Luc Choplin, a servir ce qu’il se fait de mieux en matière de Comédie musicale, est grande. Grande, et insatiable !
Après l’exceptionnelle création d’Un Américain à Paris, il y a encore à peine trois mois, il semblait que le Théâtre musical avait fait là son coup d’éclat de la saison 2014/2015 pour ce qui appartient au registre des paillettes. Sans perdre haleine, le Châtelet a enchaîné sur sa lancée et offre, aujourd’hui, un Singin'in the rain, très bien inscrit dans la suite chronologique d’Un Américain à Paris.

Le tour

Pour Singin'in the rain, le regard du metteur en scène a embrassé l’oeuvre dans son ensemble pour restituer le film sur les planches dans un collage parfait. L’écran se déroule entre cour et jardin, tandis que les danseurs s’emploient à couvrir le plateau de chorégraphies enthousiastes, une tonalité, en noir et blanc, au grain chic et raffiné, s’éveille parfois de couleurs chatoyantes comme pour un film colorisé. L’esthétisme, rigoureusement dessinée par les décors de Tim Hatley et les costumes d’Anthony Powell, se décuple sur un genre  glamour pour lequel il est impossible de ne pas succomber.

Un charme dingue se libère : les planches de Broadway s’échauffent et les projecteurs glissent sur les plateaux d’Hollywood. Il est probable que le spectateur ne sache plus très bien où il en est, c’est un voyage fantasque et joyeux entre la scène et le cinéma, et cet abandon est délicieux.

Le prestige

Le spectacle est à son comble et atteint les limites d’un gigantesque numéro de prestidigitation. Les personnages franchissent une sorte de barrière invisible, celle qui sépare les images projetées et la réalité de la scène, c’est une sorte d’expérience multi sensorielle aux dimensions infinies. Et c’est aussi un pari osé, extrêmement risqué, qui, lorsqu’il est tenté, est pour la plupart des cas un échec, avec en plus le souvenir désagréable des égratignures laissées sur l’œuvre. Mais pour cette production, le talent du metteur en scène et de ses interprètes défie les lois de l’espace et du temps. A aucun moment il ne s’agit « d’imitation » même si les rôles légendaires sont partagés par des artistes dont les tempéraments sont extrêmement proches de leurs prédécesseurs. Ils savent tout autant danser et chanter, si ce n’est mieux (pour le film les airs chantés par Debbie Reynolds furent en partie doublés), et dans les conditions du direct.

L’Orchestre de chambre de Paris brille sous la baguette de Gareth Valentine, les mélodies s’envolent pour faire fondre l’auditoire, les voix sont belles, puissantes et nuancées, quand et comme il le faut. Les interprètes sont tous exceptionnels, pour les premiers rôles : la prestation d’Emma Kate Nelson (Lina) est d’une drôlerie et d’une force phénoménale, Dan Burton (Don) danse et chante avec une aisance déconcertante, l’inventivité et l’énergie de Daniel Crossley (Cosmo) est sensationnelle, et, Clare Halse (on Kathy) déploie une juste et adorable séduction si nécessaire au rôle. L’ensemble de la troupe est remarquable, à noter la prestation chantée et dansée de Jennie Dale, et, la courte apparition filmée de Lambert Wilson. Génial. Quant aux ensembles dansés, ils créent une énergie contagieuse de celle qui fait fourmiller les jambes et fait battre la mesure des phalanges et des orteils…

Ah ! Se glisser dans un élégant fourreau pour s’élancer dans un pas de deux aérien, danser sous la pluie pour transformer de simples flaques d’eau en d’éclatantes cascades de perles, s’inventer un coucher de soleil hollywoodien pour y enchanter un des plus longs baisers du cinéma, ou bien, se ruer dans un numéro de claquettes époustouflant… au Théâtre du Châtelet, tout est possible. Il serait criminel de ma part de vous en dire plus, la surprise des effets pour chacun des tableaux doit absolument conserver son mystère.
Singin'in the rain est déjà complet pour ce proche printemps, en revanche une reprise est prévue dès la rentrée prochaine… réservez c’est immanquable.

Laurence Caron-Spokojny

Depuis hier soir, et, jusqu’au 13 mai, l’opéra «A flowering tree» se joue sur la scène du Théâtre du Châtelet, afin de poursuivre sa relation assidue avec le compositeur américain John Adams, après : Nixon in China en 2012, et, I was looking at  the ceiling and then I saw the sky en 2013.

En 2006 à Vienne, pour célébrer le 250ème anniversaire de la mort de Mozart, Peter Sellars choisit un conte populaire Indien pour raconter la musique de  

Afficher et partager sa vie sur les réseaux sociaux, musarder de mur en mur, piéger l’information inédite, fournir et influencer la toile à coups de commentaires dont la syntaxe n’est pas toujours dès plus élégantes, user d’ailleurs d’un vocabulaire dédié, et puis aussi transposer sa vie dans un jeu sur des rythmes synthétiques, projeter ses performances, s’imaginer autrement, être un autre. Cet avatar fabriqué de toutes pièces par les envies autant que par les frustrations accompagne désormais le quotidien d’un bon nombre d’entre nous et en particulier les adolescents. Accrochée à ses smartphones et autres tablettes démoniaques, la jeunesse a trouvé un espace de jeux qui la fait se sentir plus libre, en apparence, une sorte d’échappatoire contrôlée où tout semble possible. 

Lewis Caroll avait inventé un de ces mondes rêvés dans son livre « Alice's Adventures in Wonderland», le compositeur pop-rock britannique Damon Albarn l’a formidablement ré-enchanté sur la scène du Théâtre du Châtelet dans "wonder.land".

Complètement déjantée, wonder.land est une comédie musicale qui s’inscrit dans un présent inévitable, si terriblement proche, si terriblement familier. Le contexte est sombre, cette Angleterre esquintée socialement ne semble pas s’éloigner des romans de Charles Dickens. Mais c’est sans compter sur la vague pop de la fin des années 60, qui des Beatles à Bowie, transmet toute son inspiration à Wonder.land.

En 2007, il y avait eu Monkey, Journey to the west, le retour de Damon Albarn au Théâtre du Châtelet offre une partition étonnante : des éclats quasi-symphoniques, des rifs rock, du swing jazzy, des mélodies sucrées, de l’électro eighties… Le registre du chanteur, pianiste et compositeur notamment des groupes Blur et Gorillaz, est infini et totalement débridé.

Les images vidéos issues d’une imagination boostée aux hallucinogènes, les costumes extravagants ou étriqués dont Vivienne Westwood pourrait revendiquer la filiation, sont mis en scène sur une musique radicalement pop aussi planante que les substances fumées par le chat d’Alice, aussi dévergondée que le lapin après lequel il faut courir et délirante comme cette chenille psychédélique totalement barjot !  

Chaussures à plateformes, torses gonflés et biscottos façon super-héros de comics, tulles aériens, strass et paillettes, personnages surdimensionnés, l’univers pop a des allures baroques sous acides. Et, pour servir cette œuvre, destinée à tous les publics, la scène du Châtelet est tenue par une véritable troupe dont les interprètes sont bourrés de talents, les voix sont parfaites et les jeux inventifs…  It’s amazing ! Fantastic ! I love "wonder.land", I wish to live with you ❤️❤️❤️ !

Laurence Caron-Spokojny

L’expression consacrée « Broadway est à Paris ! » s’est ringardisée avec la création des comédies musicales telles que Singin’ in the rain en 2015 ou peu de temps auparavant Un Américain à Paris en 2014, aujourd'hui il est coutume de dire : « Châtelet is in Broadway !»...
Pendant que les prestigieuses productions du Théâtre du Châtelet s’exportent outre-Atlantique, une toute nouvelle création de 42nd Street va réchauffer l'ambiance  des prochaines soirées parisiennes.

Five, six, seven and one ! Le lourd rideau de velours pourpre frangé d’or se lève délicatement sur une armée déchainée de chevilles souples et de mollets galbés : c'est ce genre de scène époustouflante qui fait monter les larmes et donne des fourmis dans les pieds. Déterminés à faire entendre leurs steps, de jeunes danseurs passent une ultime audition pour la prochaine comédie musicale de Broadway « Pretty lady »… L’histoire plonge le spectateur juste après la crise de 29 aux Etats-Unis, un producteur tente de monter une revue malgré le manque d’argent et les susceptibilités de sa star. 42nd Street comme Chorus line, Singin’ in the rain ou A star is born est une œuvre musicale qui montre l’envers du décor au public, ce thème des back stage musicaux est une tradition, dans les films Hollywoodiens ou comédies de Broadway, pour laquelle les Américains ont un sacré talent. 

Cette production sucrée et drôle ne doit pas être comparée avec la poésie d’Un Américain à Paris insufflée par Christopher Wheeldon, ni avec l’inventivité de Robert Carsen dans Singin’ in the rain, l’intention de cette nouvelle production du Châtelet est bien différente. Les paillettes, les mousselines vaporeuses, les chaussures dorées, les drapés flottants et  les lamés éblouissants des robes, les costumes roses, violets ou bleu, épaulés et cintrés façon Tex Avery, ... ces effets sophistiqués sont autant d’hommages quasi amoureux au genre kitch qui subliment la comédie musicale lorsqu’elle est bien conçue – et, c’est le cas. 

Ils distribuent des sourires aussi imperturbables que les mèches de leurs cheveux gominés, elles prennent des postures qui ondulent façon Ziegfejd Follies, elles ont l’œil qui frise et la moue aguicheuse, les danseurs recréent le charme pétillant des années 30 avec une énergie formidable : la crise est repoussée, oubliée, ici on danse, on danse tout le temps. Le metteur en scène et chorégraphe, Stephen Mear, revisite les numéros de claquettes, ajoute encore plus de technique et transforme les tableaux en véritable tape dance Battle ! La profonde scène du Châtelet chauffe, il est même étonnant de ne pas voir filer des étincelles sous les fers des chaussures des danseurs. Si l’esprit de troupe domine, comme il est d’usage pour ce genre de spectacle, il y a des interprètes qui apparaissent très brillamment : Dan Burton, Emma Kate Nelson et Jennie Dale découverts à Paris dans Singin’ in the rain, sont de cette trempe, toujours aussi remarquables ! Alors que l'ardent tempérament de Ria Jones vient se confronter à l’intrépide Monique Young, la danse se fond à la chanson ou bien l’inverse dans un équilibre dosé.

C'est un véritable cadeau de Noël, juste avant de rendre les clefs, Jean-Luc Choplin offre 42nd Street à la scène du Châtelet. La scène unique du Châtelet s'épanouie encore une fois et montre à son public tout ce dont elle est capable avant sa fermeture pour travaux, prévue en février 2017. La mission est accomplie et c'est un triomphe, ces dernières années le Châtelet a définitivement renoué avec son rôle de scène à grands spectacles, à très grands spectacles, et personne n'a envie que cela change. 

Laurence Caron

nb : Pour la réouverture, je soumets l'idée de la reprise de Black and Blue, pour ceux qui voudront bien me lire...;-)

Veille de première. Il y a un sacré remue-ménage au Châtelet, un public bavard se presse devant les portes de la salle. C’est un soir de répétition, l’ultime, la générale celle où amis, familles, personnels artistiques et partenaires du spectacle sont invités. Des jeunes gens s’agitent, terriblement jeunes. « Il faut patienter », annonce un ouvreur, « Il y a encore des réglages » confit-il à une de ses collègues en levant les yeux au ciel.

Un peu plus tôt, Le Figaro a révélé ce qui semble inquiéter les mines de l’équipe de production que l’on aperçoit cavaler sur la moquette rouge des couloirs entre la salle et les coulisses. Le Châtelet fait du bruit, trop de bruit, les voisins se sont plaint. Erwan Castex dit Rone a branché ses machines sur les enceintes du Châtelet pour diffuser son prochain album (sortie attendue le 24 avril) accordé à la création éponyme Room with a view, spectacle chorégraphique du Ballet National de Marseille dessiné par (La) Horde, Chimère a trois têtes radicalement multimédia-tique.

Ce soir là, le ressenti du son va donc être mesuré, on nomme cela «une étude d’émergences». Les infrabasses des sons électro gênent le quartier, notamment les pensionnaires de l’Hôtel du coin de la rue, même s’il est difficile de croire que le calme soit le but recherché en s’établissant proche d'une des places les plus embouteillées de Paris. Il est donc question de diminuer l’intensité des basslines et les fréquences intersidérales de Rone. Sacrilège possible. Polémique à coup sûr. Le lieu révèle encore un esprit de chasse gardée qu'il n'a pourtant jamais souhaité être en alternant spectacles populaires, classiques ou avant-gardistes. Mais le (snobisme) parisien aime se vautrer dans la critique, ça fait causer.

Sur proposition d’Anne Hidalgo, le duo Mackenzie-Prevost tire les ficelles depuis la réouverture du Châtelet. L’objectif fixé est de rajeunir le public. Une obsession récurrente infusée par les politiques culturelles depuis la nuit des temps, plus élégamment d’autres évoquent un potentiel renouvellement du public. Avec l’ombre menaçante de mes très proches cinquante piges, je m’interroge un temps sur la catégorie dans laquelle les chefs du marketing culturel rangeraient mes sneakers… Impatiente de découvrir la création associative de Rone et (La) Horde, je me cale dans un fauteuil au rebord boisé et clouté que j’affectionne tant. Dans cette salle de spectacle où je suis presque née, je me sens mieux qu’à la maison - bien mieux que trente ans plus tôt quand je tentais, à cette même place, de comprendre les compositions dodécaphoniques de Pierre Boulez… aux origines de l’électro.

Le spectacle commence dès l’entrée du public. La scène s’ouvre sur un espace blanc, une impressionnante construction graphique volontairement usée, dégradée, est déjà occupée par quelques très énergiques danseurs. Rone est aux platines, plutôt aux machines, le dj virtuose goupille les jacks, triture les fiches et fait glisser les faders. L’établi du bricolo acoustique d’où pendouillent d’impressionnants imbroglios de câbles n’a certes pas le brillant des bois anciens et des cuivres dorés des orchestres habituellement invités en ces lieux. Pourtant, hypnotisé, le public ne bronche pas, c’est à peine s’il ose marquer le rythme d’un mouvement de la tête tellement le propos est intense. Voyage initiatique, pamphlet révolutionnaire ou expérience sensorielle, c’est comme il vous plaira, le fait est que le spectacle est génial !   

La fresque parait se détacher en deux actes. Le premier illustre un monde décadent qui s'écroule et part en vrille, et le deuxième est un cri révolutionnaire. Entre les deux, une averse de poissons tombées du ciel place le curseur de l’alerte écologique au plus haut. Cette allusion à ce phénomène à la fois biblique et météorologique - rarement scientifiquement traduit - est souvent fantasmé mais a le mérite d’être explicite. Le spectacle du monde bascule. Entre violences et excès de tous genres, une destruction radicale est programmée. Le propos est contestataire, la vision est réaliste. Je pense aux images télévisées retransmettant les premières destructions des barres HLM de la cité des 4000 à La Courneuve, à une époque où les artistes qui composent le collectif de (La) Horde n’étaient peut-être pas nés ou encore des bébés…

Il n’ y a pas de répit pour les braves, l’attention est tenue, la scène est un formidable terrain de réflexion, tout fonctionne. Le Ballet National de Marseille se déchaîne dans une chorégraphie créative, différente, née du déplacement plus que du mouvement, narrative et précise. (La)Horde pioche dans les arts du cirque et plus précisément ceux de l’acrobatie pour apporter une force et un rendu extrêmement spectaculaire. La musique de Rone s’immisce dans le moindre interstice, en sons sourds, envolées oniriques et rythmes impeccablement contagieux. Room with a view est désormais addictive, une sorte de transe envoûtante. Une immense sincérité rayonne, les artistes aux tempéraments bien trempés partagent une perception du monde qui se lit comme une invitation à danser autour d’un feu dans une tribu lointaine.

Dans un même élan, une standing ovation fait basculer les fauteuils. Puis, chacun s’extirpe, heureux, à regrets même, la fête était belle, tous secoués par l’émotion mais éveillés par un enthousiasme nouveau. Si le monde d’aujourd’hui est entre les mains de cette génération, il n’y peut-être pas tant de souci à se faire. Ces artistes là ont une parfaite écoute du monde.

Laurence Caron

Photos : DA-Alice-Gavin_PH-Boris-Camaca

« J’ai rêvé d’un compagnonnage d’artistes et d’un collectif de créateurs parce que la danse est disséminée partout. [...] Un projet autour de la danse et de tout ce qu’elle peut représenter aujourd’hui. » C’est ainsi que Benjamin Millepied s’exprimait au moment de lancer ce L.A. Dance Project, né de son amour de Los Angeles, scène artistique au bouillonnement incessant.

Le danseur et chorégraphe français, produit d’une éducation chorégraphique parfaitement classique, nourri de Balanchine et de Robbins, veut créer un modèle original, donner une nouvelle définition de la collaboration artistique. Nommé directeur de la danse de l’opéra de Paris, il aspire cependant à rester proche de cette expérience féconde. déjà présent en 2013 au Châtelet, le groupe proposait des œuvres de Merce Cunningham, William Forsythe et Benjamin Millepied, ce dernier signant aussi une création mondiale. L.A. Dance Project offre cette fois de mettre en valeur des œuvres de chorégraphes délibérément hors des sentiers battus.

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Il y a des artistes dont les ondes, les images et les écrits s’emparent et ne se séparent pas. Les médias français et le système artistique fonctionnent ainsi : on aime passionnément, on utilise frénétiquement et on use avec acharnement. C’est comme ça, lorsqu’un artiste plaît, il est partout ; et même, lorsqu’il disparaît de la scène pendant des années, le sentiment de le voir et de l’entendre demeure.

Muriel Robin est de cette trempe, son absence de la scène pendant 8 années est passée à la vitesse de l’éclair. Théâtre, cinéma, télévision, la comédienne était bien là, finalement  seul le « one-woman show » avait été mis de côté. Puis en 2013, elle triomphe, à nouveau seule en scène, dans « Muriel Robin revient…Tsoin Tsoin » jusqu’en 2014, et enfin pour la dernière, ce lundi 22 décembre au Théâtre du Châtelet…

Rockstar, Muriel Robin en a l’allure et le charisme, c’est d’ailleurs de la musique qu’elle aurait aimé faire. Selon les règles de l’art dramatique,

L’Opéra national de Paris a démarré ce mois de mars sur les chapeaux de roues. Une nouvelle étoile, Amandine Albisson, a été nommée, ce mercredi 5 mars par Brigitte Lefèvre, à l’issue de la représentation du ballet Onéguine (chorégraphié  en 1965 par John Cranko). Ce même soir, le futur directeur de la danse, Benjamin Millepied, qui succède dès la saison prochaine à Brigitte Lefèvre, proposait, au Théâtre du Châtelet, sa toute récente création L.A. Dance Project 2. Puis, ce vendredi 7 mars, l’AROP (l’Association pour le Rayonnement de l’Opéra de Paris) est venue -soutenue par l’équipe artistique de l’Opéra (Brigitte Lefèvre pour la danse, et, Christophe Ghristi pour le lyrique et les concerts)- présenter la saison à ses adhérents, autrement dit aux Amis de l’Opéra ; ce soir là, j’en faisais partie…

L’AROP soutien l’Opéra national de Paris, en termes de mécénat, depuis plus de trente ans avec un réel investissement et une grande énergie. Cet engagement, sans cesse renouvelé, concerne aussi un programme pédagogique remarquable : Dix mois d’Ecole et d’Opéra. Selon le Président de l’AROP, Monsieur Jean-Louis Beffa : « Il est essentiel que l'Opéra ne s'adresse pas qu'à une élite. D'où les actions en direction des enfants défavorisés, à priori éloignés de cette offre culturelle. Élargir l'Opéra au grand public est une de nos actions prioritaires ». Et, cette action est devenue essentielle. Destiné à offrir aux élèves (des Académies de Paris, Versailles et Créteil) une égalité de chance dans des lieux où l’éducation a un rôle plus que salvateur, ce programme permet de donner accès à l’Art et à la culture sur de nouveaux  territoires. Par la pratique d’une discipline artistique, la rencontre, ou tout simplement par le simple fait d’assister à un spectacle, l’action engagée permet d'étendre l'horizon, et de libérer «la possibilité de» si nécessaire à la compréhension du monde. Pour l’heure, la volonté est d’inscrire cette action dans un contexte national par un partenariat avec les Opéras et Académies de Nancy et de Reims, un nouveau festival est attendu en 2015, à suivre…

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