Deux jumeaux, Zanetto et Tonino, sont séparés à leur naissance : Zanetto est élevé dans la montagne, Tonino à Venise. Le premier est un crétin, le second un habile homme. Vingt ans après, le hasard les fait arriver en même temps à Vérone pour retrouver leurs dulcinées : chacun des deux ignore que son frère se trouve dans la ville, ce qui va créer une succession de quiproquos, de situations invraisemblables et loufoques propres à semer le désordre dans les esprits et le désarroi dans les cœurs. Duels, amours et désamours, fuites éplorées, intervention de la police, retrouvailles, emprisonnement…

En 1707, l’auteur dramatique italien Carlo Goldoni nait à Venise, pourtant on le placerait volontiers juste entre les auteurs bien français Molière et Marivaux. Avec cette folie rythmée si particulière à la commedia dell’arte et ce goût pour un réalisme infiniment moderne, la pièce « Les jumeaux vénitiens » au Théâtre Hébertot décape le Boulevard des Batignolles jusqu’au 31 décembre.

Comme Goldoni, Maxime d’Aboville a commencé par étudier le droit puis c’est le théâtre qui l’a absorbé toute entier. Sur la scène d'Hébertot, il est en tête du peloton et joue deux rôles à la fois. La performance est inscrite dans l’ADN du comédien. En 2015, je crois l’avoir vu franchir le Boulevard du Montparnasse pour enchaîner le rôle de Charly Chaplin au Théâtre Montparnasse, juste après celui de The servant (Molière du comédien) au Poche-Montparnasse, à moins que ce ne soit pour Une leçon d’Histoire de France toujours au Poche-Montparnasse cette même année… Cette carrière menée à vive allure se fait cependant dans la justesse, Maxime d’Aboville distingue très précisément ses personnages. Les nuances des attitudes, postures et autres étranges accents de ces jumeaux vénitiens sont un régal pour le public, autant dans le comportement physique que psychologique. Le comédien joue avec une aisance rare, plus le public exprime sa joie, plus Maxime d’Aboville lui offre de quoi rassasier sa gourmandise, une véritable débauche de jeux. Et puis, il y a Olivier Sitruk, il campe un Pancrace cynique, entre Tartuffe sournois et vampire ténébreux : excellent ! La troupe qui noue et verrouille les rouages de la farce tout autour d'eux est bien choisie et maintient l’intrigue burlesque jusqu’au bout sans faillir. Les costumes de Frédéric Olivier sont souples et chatoyants, la mise en scène de Jean Louis Benoît est vive et efficace. La fin n’est pas tout à fait celle que l’on imaginait, bâclée, tirée par les cheveux, je ne sais pas bien… A vous de voir, sans tarder.

Laurence Caron

Sans en avoir l’air : nous montrons du doigt, sans y prêter attention : nous nommons, et, souvent sans en prendre garde : nous dénonçons. Les mots lancés comme «communautarisme» ou «ségrégationnisme» répondent en choeur aux mots «racisme», «antisémitisme», et, de la façon la plus terrifiante qui soit, au mot : «terrorisme». Dans notre Monde chacun à de plus en plus de mal à trouver sa place, pour y parvenir la plupart d’entre nous commencent par observer la place des autres, c’est une façon de se situer, une sorte de point de vue, pas le meilleur. Car, par mauvais temps la malveillance prend ses aises, plus ou moins avouée, plus ou moins ressentie, pour parfois dépasser les limites, l’Humanité s’en trouve esquintée, on appelle cela «l’horreur» et plus grave encore il est question de "crime contre l'humanité". Ce fut le cas lors du massacre de Charlie Hebdo et de l’épicerie cacher de Vincennes ; à cela, les foules se sont levées, elles ont marché. Des écriteaux noirs comme des faire-parts de décès se sont dressés « je suis Charlie », il y a eu très peu de « je suis juif ». Pourquoi ? A cette question millénaire, je n’ai pas de réponse.
En revanche, je peux vous recommander vivement d’assister à la pièce «Le mariage de M. Weissmann» au Théâtre La Bruyère, la plume de l’auteur Karin Tuil  se charge d'éveiller les esprits et elle peut être aussi un baume souverain...

« Je m'appelle Saül Weissmann mais ne vous fiez pas à mon nom qui est juif, en dépit des apparences. J'ai été, pendant soixante-dix ans, un imposteur pour les autres et pour moi-même ». 
Ainsi commence la confession du narrateur qui apprend de la bouche d'un rabbin qu'il n'est pas juif selon la loi de Moïse.

L’identité est un «caractère permanent et fondamental de quelqu’un, d’un groupe qui fait de son individualité, sa singularité», selon le Larousse. Alors lorsque cette «identité», qu'elle soit en partie religieuse, sociale, ethnique, culturelle, professionnelle ou autre, est remise en cause, de quelle façon notre existence s’en trouve t’elle bouleversée ou même menacée ? Tout en cherchant à jauger l’influence de notre « identité » sur notre existence, par son propre regard intérieur ou bien par celui que porte les autres sur nous-mêmes, l’auteur Karine Tuil -aussi lorsqu’il s’agit de citer des sujets aussi graves que les camps d’extermination orchestrés par les nazis pendant la seconde guerre mondiale- traite un sujet souvent esquivé dans les conversations courantes (Interdit, Plon 2001, puis en Livre de Poche). Avec déférence et dans une véritable liberté d'expression, Karine Tuil fonce, rien n’échappe à cette chevalière des temps modernes dans sa quête de vérité. 

Pour donner une existence scénique au roman "Interdit", et sur un ton résolument burlesque, Salomé Lelouch s’est intelligemment attelée à  l’adaptation et à la mise en scène. Délicatement, avec ce je ne sais quoi « d’éternel féminin » qui lie les mots aux mouvements comme pour un ballet contemporain, le propos se concentre sur l’essentiel. Dans un décor aux lignes pures, un rien minimaliste, trois comédiens formidables se partagent un seul rôle : Jacques Bourgaux, Bertrand Combe et Mikaël Chirinian. Intarissables d’inventions, ils expriment un jeu plein de complicité soutenu par un rythme sans faille réglé au cordeau. Habité de souvenirs terribles et d’anecdotes savoureuses, un univers vaste se déploie : une vie entière pour un seul homme, cela prend de la place…

Et, comme pour tromper l’ennemi tortueux à l'insatisfaite question existentielle que chacun se pose : "qui suis-je ?" , le drame adopte le vocabulaire du bonheur à grand renfort d’autodérision, l’humour juif fixe un point d’honneur à se faire entendre et c’est un régal. La tendresse et la politesse du désespoir rivalisent d’élégance, les intentions de Salomé Lelouch sont souvent ludiques et les comédiens semblent s’y sentir parfaitement à l’aise. L'exercice est adroit, le résultat parfait.
Toujours dans le rire, sans prétention, et, dans une rare franchise de ton, « Le Mariage de M. Weissmann » passe en un éclair (de génie), il reste un sentiment de paix, une sorte de compréhension immédiate, un apaisement… nécessaire.

Laurence Caron-Spokojny

lundi à 20h30 et dimanche à 15h30. Réservez sans attendre. 

C’est un syndrome très français qui a la peau dure : quand un comédien ou une comédienne commence à plaire au public, les salles de spectacle et les médias en usent et en abusent. Il en est de même pour les auteurs. Florian Zeller est en tête de liste ces dernières années, sans compter ses pièces en tournée, l’auteur cumule les affiches à Paris avec Le mensonge au Théâtre Edouard VII, L’Autre au Poche-Montparnasse et L’Envers du décor au Théâtre de Paris.

Daniel Auteuil et Valérie Bonneton tiennent les rôles principaux de L’Envers du décor. Le premier est le grand comédien que nous connaissons, aussi bien pour ces prestations cinématographiques que théâtrales, et l’autre est une comédienne dont la carrière au cinéma depuis 20 ans additionne un joli palmarès, et dont la popularité est à son comble, depuis bientôt dix ans, avec son rôle dans la série télévisée : « Fais pas ci, fais pas ça ». 

Cette fois-ci, le ‘spectacle vivant’ aurait mieux fait de conserver sa magie plutôt que de nous dévoiler L’envers du décor. Ce n'est vraiment pas folichon. L’auteur se penche, à nouveau, sur les complications quotidiennes d’une petite bourgeoisie française pas très attrayante : une histoire de couples et d’amis, dont l’un a quitté sa femme pour une jeune et jolie blonde…

L’écriture de Florian Zeller est toujours aussi riche et au rythme enlevé : le parti pris est à la rigolade, à en croire les réparties -parfois vulgaires- du personnage de Daniel Auteuil. Mais cet humour facile a du mal à trouver de l’élan sur un terrain aussi mou. Les pensées dites à haute voix par les comédiens sont infiniment longues, et ne valent certainement pas autant d’efforts d’articulations, et autres gesticulations de jeu, de la part des interprètes. Et puis pour faire rire, il faut d’abord émouvoir, ce qui ne semble pas avoir effleuré l’auteur. L’intensité de la plume de Florian Zeller, d'habitude si intelligente et si sensible -notamment dans la pièce Le Père- semble s’être égarée quelque part… 

Valérie Bonneton décape la scène, affutée et précise, alors que son partenaire se démène en oscillant entre une interprétation mi-boulevard, mi-classique, sans parvenir à faire un choix pour donner un véritable sens à son jeu. Daniel Auteuil est aussi le metteur en scène de L’envers du décor, ce grand écart entre son rôle de comédien et son regard sur la pièce explique peut-être ce manque d’implication dans son interprétation. 

L’ami enviable, François-Eric Gendron, et la jolie petite amie, Pauline Lefèvre, font ce qu’ils peuvent pour exister, leurs rôles sont un peu escamotés, autant dans l’écriture que dans la mise en scène… 

Une aussi belle scène de Théâtre, une aussi talentueuse distribution pour un auteur aussi reconnu, et avec une aussi importante couverture médiatique, ne font pas forcément une bonne pièce. L’envers du décor doit rester dans l’ombre. 

 L.Caron-Spokojny

Philippe Lelièvre porte bien son nom, il est un homme pressé. A la radio, à la télévision, au cinéma, il écrit, il anime, il joue, il dirige, il est un touche-à-tout intrépide et curieux. Et puis, il y a la scène, sûrement la source de ce renouvellement artistique dont cet artiste fait preuve. Pour Le Crime de l’Orpheline, Philippe Lelièvre est à la mise en scène, la pièce se joue dans la salle boisée du Théâtre le Ranelagh depuis le 1^er avril, et - comme sa date l’indique - il s’agit d’une farce.  

Sous la grisaille de la ville, une orpheline loge dans une petite chambre toute triste. La jeune femme, sous l’emprise de sa tutrice, découvre les affres de son cœur et ses premiers émois… 

Dans un décor étonnant, dont le vocabulaire appartient au registre du merveilleux, et qui n'a absolument rien à envier aux plus grands scènes, deux artistes, comédiens-chanteurs-danseurs, et un pianiste, tiennent 1h20 de spectacle. 
Seulement, le décor, de Casilda Desazars, penche, et, les personnages, vêtus des ravissants costumes d'Eymeric François, penchent eux aussi. Il y a comme un souffle, étrange, un peu à la façon de Tim Burton. L’atmosphère frisonne. Dangereusement, l’amour - parabole poétique d’une innocente Colombine et d’un aérien Pierrot - glisse pour se transformer en une aventure burlesque, complètement fêlée et savoureusement sanguinolente.
La scène du Ranelagh est à la fête ! Les artistes chantent, pas comme il est courant de l’entendre dans le genre, souvent très effrité, de la comédie musicale sur nos scènes parisiennes - ici, on chante bien et pour de vrai. Il y a un brin d'air d'Opérette qui raisonne, à ses plus belles heures, de celles dont Camille Saint-Saëns disait : "l'opérette est une fille de l'opéra-comique ayant mal tourné, mais les filles qui tournent mal ne sont pas toujours sans agrément". Kurt Weill ou Franz Léhar veillent au grain et inspirent très largement le phrasé musical dont les deux chanteurs lyriques servent une interprétation exquise. L'élégant Flannan Obé, à l’image du bouleversant  Baptiste (Jean-Louis Barrault dans Les enfants du Paradis), et, la piquante Florence Andrieu, digne héritière de Louise Brooks et Clara Bow, offrent un jeu tout en finesse et une interprétation forte, ils sont accompagnés au piano très justement par Philippe Brocard. 

L’envoûtement est délicieusement vintage, il a la saveur de la mythique de l'attraction qui comblait l'entracte du cinéma de nos parents, et l’accent est radicalement punk, les fantômes du Grand-Guignol de la rue Chaptal ou du Boulevard du Crime sont certainement cachés entre les plis du rideau rouge du Ranelagh. Bourré de références cinématographiques réinventées, Le crime de l’orpheline est aussi un hommage puissant au cinéma muet. Charmante et grinçante, drôle et sensible, l’histoire est chantée puis rythmée par des interprétations muettes, des mimes savants, de très précises respirations romanesques bousculées par la fantaisie périlleuse de Philippe Lelièvre.
C’est une vraie réussite. La prouesse et la qualité artistique du Crime de l’Orpheline en font un spectacle musical d’une rare richesse et un instant terriblement amusant ! 

A recommander très vivement pour TOUS !

Laurence Caron-Spokojny

RESERVER ICI

 Patrick Dupond est sans conteste le plus grand danseur de sa génération.
Cela le monde entier en est convaincu, sauf lui...

Il est une star absolue. Au delà du travail et des tortures disciplinaires imposés par l'art de la danse, il a été touché par la grâce. Présence, charisme, charme et humour le caractérisent, et toujours avec cette générosité dont lui seul possède les codes. Personne n'oserait remettre en question l'insolence du talent de Patrick Dupond, il n‘est pas un homme comme les autres, il est différent du commun des mortels. Pourtant, il semble que le danseur lui même tenterait d'ébranler ces certitudes. 

(Fusion avec Leila da Rocha)
Le voici sur la scène de l’Institut du Monde Arabe aux côtés de Leila Da Rocha, danseuse orientale de Soisson...

Le propos de FUSION est une sorte de passerelle entre le jeune danseur adulé et un danseur (moins jeune) oublié et meurtri, c’est en tout cas ce qu’il veut nous faire croire. La rencontre avec Leila da Rocha le «ressuscite» et est symbolisée par un croisement entre la danse orientale et la danse occidentale.
Pour la rencontre de l’orient et de l’occident, on pense tout de suite à Maurice Béjart qui s'est influencé du répertoire chorégraphique persan. Le maître a reconnu lui-même que cette démarche fut déterminante pour l’ensemble de sa carrière, et, participant ainsi à créer les fondations d’un nouveau genre : la danse contemporaine.
Bien loin, il s’agit plutôt ici de danse du ventre et de gracieux mouvements de poignets. La performance est agréable, le visage de la belle est envoûtant. A ces côtés, Dupond saute, s’élance, tourne, s’escrime, traverse la scène les bras tendus, il tente d’attraper quelque chose ou de le retenir. Les pas sont résolument élégants, le port est altier, la grâce est là intacte, mais il y a comme un doute, quelque chose de malhabile, un manque de confiance. Cette fragilité, Leila Da Rocha propose de la canaliser en l’emmenant sur son territoire...
Seulement cette terre n’est pas assez vaste. Patrick Dupond est à l’étroit. Il est une étoile, il y a quelque chose d’universel et d’intemporel dans cette «fonction». Dupond est fait pour s’exprimer sur des plateaux de bois précieux, se couler dans des costumes de soie imaginés par les plus grands couturiers, être guidé par les chorégraphes les plus innovants. Alors bien sur, sa danse n’a plus la même effronterie, la vie et les années se sont chargées de lui infliger des souffrances autant physiques que psychologiques. Il a changé, il a vieilli.
Et alors ?
Il est un artiste. Il est le seul à porter ce nom «Patrick Dupond» ; la star, longtemps unique à être connue outre atlantique et outre tous les océans d’ailleurs.

(Salomé de Béjart)

Trêve de nostalgie. Il faut avancer. Ses épreuves tragiques doivent se transformer en énergie créatrice, le grand interprète qu’il est doit s’en nourrir. On peut entrevoir même une nouvelle dimension à son travail... Tragique ou comique, Dupond est avant tout un comédien et on ne peut ignorer cet avantage. Le merveilleux Salomé de Béjart ne sera peut-être plus jamais dansé par Dupond : c’est ainsi.
Et alors ?
Continuons. Tournons la page et écrivons la page suivante. Vite. Il faut reprendre le fil de l’histoire.
Quel chorégraphe contemporain pourrait lui écrire un rôle, un solo ?  Qui oserait guider les pas de Patrick Dupond afin qu’il soit rendu au public ? Qui aurait le talent d’inscrire Patrick Dupond dans la danse d’aujourd’hui et non pas uniquement dans un passé qui a le goût trop amer des regrets ?
Maîtres chorégraphes, un peu d'audace s'il vous plaît, à vous de jouer ! 

Laurence Caron-Spokojny

Institut du Monde Arabe 

L’auteur américain Thomas Lanier Williams, dit Tennessee Willliams, n’a pas eu une enfance facile. L’un des plus grands dramaturges du 20ème siècle a certainement puisé son inspiration dans cette famille malheureuse et chaotique.

Saint-Louis. Au sud des Etats-Unis, un père alcoolique, absent la plupart du temps, une mère désabusée, et, une sœur fragile, perturbée, sont les personnages principaux de La Ménagerie de verre, une des premières pièces de Tennessee Williams écrite en 1944. Une résonance douloureusement autobiographique.

 "La pièce se passe dans la mémoire et n'est donc pas réaliste …" *

Pour nous faire rencontrer la violence de ces sentiments, Tennessee Williams à la délicatesse de « se » raconter par la voix d’un narrateur, Tom le fils. Comme une projection de lui-même, un jeune garçon étouffé par sa mère, et, des responsabilités qu’il n’a pas choisies. Une vision distancée par le temps, transformée par les souvenirs. 

"Car le temps est la plus longue distance entre deux endroits…"*

Aux situations dramatiques, l’auteur ajoute des notes d’humour, désespérées certes mais savoureuses. La pilule passe mieux et évite les ornières du pathos. L’écriture élégante, fluide, bouleversante, si bien menée qu’elle vient soulever les personnages, comme dans un songe, un état de semi-conscience.

Un souvenir sans concession mais qui ne porte pas de jugement. 

Sur une étagère dont elle ne peut s’échapper, la scintillante Ménagerie de verre avec laquelle les protagonistes (et le public) tissent de poétiques paraboles entre cette famille et les animaux translucides, apporte un peu d’éclat au petit appartement dessiné par Jean-Michel Adam. Le décor de ces tristes vies se fond en teintes orangées comme à cette heure tardive où le soleil hésite à se coucher. François Loiseau y apporte quelques bougies, petites flammes à la lumière vacillante... Une dualité s’installe, entre rêve et réalisme, symbolisme et sincérité, amour et haine. Charlotte Rondelez est aux manettes d’une mise en scène habilement dépouillée, sobre, en ombres suggérées et à quelques effets vidéo près. Désespérés, les personnages tentent de repousser les murs d’un espace qui semble se refermer sur eux. L’atmosphère se sature de regrets, fantasmes et faux espoirs. En mode survie, l’issue en sera la fuite, pour le personnage principal comme pour l’auteur…

Courtisée par un essaim de « galants », coquette et impertinente, allant se réfugier (ou s’y faisant piéger) entre les pages du roman fleuve de Margaret Mitchell Autant en Emporte le vent, Amanda joue à « on fait comme si j’étais » Scarlett O’Hahara… Cherchant à échapper à cette caricature de femme d’intérieur des années 30, Amanda demeure cette mère louve interprétée par Cristiana Reali qui a en trop aimer ses enfants serait capable de les bouffer. Puissante, furieuse, Cristiana Reali a l’immense tâche d’interpréter un rôle aux accents universels. Un peu toutes les mères à la fois, un monstre d’amour aussi envahissant que faillible. L’interprétation de la comédienne atteint des sommets. Tendue comme un arc, la très belle comédienne bascule avec maîtrise dans un abandon, abyssal. Malgré ce vertige : pas un seul faux pas. Entière, divine, magnifique !

Et puis, il y a les autres. Tous formidables ! Ophelia Kolb, la sœur égarée, est attendrissante et aérienne. Charles Templon est un jeune Tennessee que l’on est près à suivre dans sa carrière, de comédien pour l’un, et d’auteur pour l’autre tant son emploi semble réel. Et, Félix Beaupérin est un « galant » fantaisiste qui passe de la lumière à l’ombre de son personnage avec précision. 

Une remarquable distribution artistique à la hauteur du chef d’œuvre de Tennessee Williams, à voir absolument comme cela est souvent recommandé pour les pièces qui lancent le début de la saison du Poche-Montparnasse. 

Laurence Caron

*phrases extraites de la pièce

Le très britannique Charlie Chaplin disait : «L'obstination est le chemin de la réussite», c’est certainement la devise suivie par ces frères jumeaux. Partis de «rien» et stigmatisés par le mal des sociétés modernes (soit une société qui porte une trop haute opinion d’elle-même), ils sont, cinquante ans plus tard, anoblis par la Reine Elizabeth. Londres est leur territoire de jeux et de conquêtes, groupe de presse ou hôtels de luxe, rien n’échappe à leur soif. Les deux anglais malmenés par l’injustice sociale dès l’enfance prennent ce que l’on ne leur a pas donné, ils se servent largement, profitant d’une vague de capitalisme qui à la fin du 20^ième siècle atteint des sommets. 

Parcourant le monde, de la City à Wall Street, les deux magnats se dissimulent dans des paradis fiscaux et frôlent les murs pour échapper aux tabloïdes. Farouchement indépendants, les frères-amis font l’acquisition d’un île anglo-Normande sur laquelle ils construisent un château élisabéthain totalement délirant, débauche architecturale de marbre, vitraux et mosaïques et d’installations high-tech dernier cri. L’empire a maintenant une terre, presque un pays, pour lequel ils se battent corps et âmes quand ils se font rattraper par l’Histoire, confrontés au Droit Normand. Un droit féodal phallocrate tenu par le seigneur de Serq, ombre de la Reine…. 

Ce conte moderne est inspiré d’une histoire vraie, Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre a enquêté en prélevant des extraits de presse de ces deux vies abracadabrantesques. Avec discernement l’auteur et comédien crée des portraits burlesques et tendres à la fois, dans un monde brutal où la réponse de ceux qui sont oubliés l’est tout autant. Les thématiques sensibles abordées par la pièce sont inscrites dans l’actualité, de la violence des incompris à la condition féminine aux relents moyenâgeux. 

Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre dissèque des corps égoïstes et cyniques avec une empathie singulière. Pourtant, les véritables jumeaux milliardaires se sont plaints de l’outrecuidance de ce jeune auteur pour s’être emparé des faits réels pour en broder ce comte. Un procès est en cours, la démarche est étonnante si l’on en croit la volonté des protagonistes de garder le secret sur leurs vies, et bien éloigné de l’humour et du flegme britannique… Espérons que la morale de l'histoire soit que le pouvoir de l'argent ne doit pas prendre le pas sur la liberté de création !

Le rythme est vif, les répliques cinglantes et la pantomime fait naître des fous rires impossibles à contenir. La complicité de jeux de Romain Berger et d’Hédi Tillette de Clermont Tonnerre tient un équilibre d’une rare élégance même lorsqu’il est bousculé par quelques acrobaties et danses loufoques. Dans une mise en scène très créative de Vincent Debost, les deux comédiens envahissent l’espace qu’il s’agisse de la scène, des rangs de spectateurs jusqu’au hall du Poche-Montparnasse. Le public est sous le charme et heureux par tant de partage. Le Théâtre est une fête même lorsqu’il s’agit de sujets graves et sensibles, nous en avons déjà convenu entre ces lignes, le Théâtre est la vie mais en mieux. Merci les artistes ! 

Laurence Caron 

De Hédi TILLETTE DE CLERMONT-TONNERRE. Mise en scène Vincent DEBOST et Hédi TILLETTE DE CLERMONT-TONNERRE

Jusqu’au 17 mars 2019 - Du mardi au samedi à 19h, dimanche 15h

Pour les chanceux qui iront ce jour là ! Débat proposé à l’issue de la représentation du 13 février sur le Droit normand, animé par Sophie Poirey, Maître de Conférences en Droit normand à l’Université de Caen-Normandie.

Pour Bells and Spells la scène du Théâtre de l'Atelier déborde. Ce sont des masques extraordinaires, des habits aux couleurs du temps, des danses folles, des étoffes scintillantes, des êtres surnaturels qui s’animent, des chapeaux ou des abats jours ravissants, des peintures qui prennent vie et des décors qui glissent comme sur l’eau.  L’univers de Bells and Spells d’Aurélia Thierrée, dessiné par sa mère Victoria Thierrée-Chaplin, est complètement dingue. Une folie douce au demeurant car c’est toujours d’amour dont il s’agit.

Après L'Oratorio d’Aurélia et Murmures des murs, dans Bells and Spells Aurélia Thierrée est cleptomane d’objets de toutes sortes ; rebelles et orgueilleux, bijoux et breloques finiront par prendre possession de la naïveté de leur ravisseuse. 

Accompagnés par des artistes aux mines déconcertantes, Aurélia Thierrée et Jaime Martinez forment quelques pas de deux sous lesquels naissent des mondes oniriques et drôles. Du fond de ses grands yeux bleus étonnés et de son sourire confiant, Aurélia Thierrée s’émerveille du monde et s’applique à transmettre avec une grande justesse tout cet enchantement au public.
Des spectateurs suspendus, médusés, transportés ailleurs. 

Avec l’insolence d’une fée, elle transforme les choses les plus simples, autant que les sentiments les plus humbles, en trésors inestimables, cela n’est pas s’en rappeler le talent de son illustre aïeul. Lissé par un sens du surréalisme audacieux, les époques se mélangent des années 30 au Moyen-âge, un rétropédalage sur une machine fantasque faite de portes manteaux grinçants qui pourrait sembler un brin mélancolique mais qui fait appel surtout à un vocabulaire artistique original se moquant bien de l’espace et du temps. 

En écho à son frère James Thierrée qui mène tambour battant son « Raoul » à la Scala de Paris, l’alchimie créée par la mère et la fille Thierrée-Chaplin assemble imagination et ingéniosité pour un spectacle à la beauté sincère et pure.

Laurence Caron

photo ©Richard_Haughton

L’éclairage est savant, impossible de ne pas penser aux scènes sur lesquelles Barbara a régné, de l’Olympia au Théâtre du Châtelet. Une marque indélébile. Le plateau, chaleureux et baroque, est couvert de bouquets de fleurs. L’univers créé par Thomas Jolly est magique, l’atmosphère est d'une intimité troublante. On sent bien que le moment va être exceptionnel.

Ce sont des apparitions fugaces, son allure, les accents de sa voix, Barbara chante et laisse s’échapper quelques confidences. Dissimulée derrière ses lunettes noires, celle qui rêvait d’être pianiste a une prédilection pour la chanson populaire, notamment celle des années 30. La reprise de "Elle vendait des p'tits gâteaux" de Vincent Scotto par L. est un instant formidable ! Puis la chanteuse devient auteur-compositrice, elle évoque surtout les méandres de l’âme et de l’amour.  

Barbara est incarnée par Raphaële Lannadère, enfin pas tout à fait.... Raphaële Lanadière est d'abord "L.", une interprète géniale, à aucun moment il ne s’agit d’imitation mais plutôt d’une très sensible et très juste interprétation. Le musicien Babx accompagne attentivement, presque amoureusement, Barbara ou L.. Tour de passe-passe, on ne sait plus, qui est qui  Entre chansons, extraits d’interviews et lectures de textes, cet hommage rendu à Barbara fait apparaître l’artiste et la femme avec pudeur, dans une très grande élégance.

L'insoutenable légèreté de l'Etre...

Le metteur en scène et comédien, Thomas Jolly, est un trublion déchaîné dont les ardeurs humoristiques secouent les rangs des spectateurs de fous rires auxquels ici personne ne s’attendaient. « Un jardin de silence » est aussi une charge bien sentie au questionnement redondant, quasi surréaliste et toujours d’actualité, des journalistes à l’égard des artistes. 

De Barbara j'avais retenue qu'elle nourrissait une véritable passion pour le jardinage, cela je ne pouvais que le noter, une façon familière de calmer les angoisses et de faire taire les fantômes, un autre « jardin de silence ». Ce soir là, on croit voir les bouquets de lys refermer leurs corolles, les projecteurs s’éteignent, personne ne veut quitter Barbara. A regret, le public retrouve le boulevard de Strasbourg, comme orphelin. Il y a cette drôle d’impression qui flotte, celle laissée par les belles histoires qui semblent toujours trop courtes. Mais que chacun se rassure, sa plus belle histoire d’amour c’est nous...

Laurence Caron

Soirée intense au Théâtre Montparnasse. A la fin des années 50, un grand restaurant New Yorkais souhaite une fresque du peintre Mark Rothko (Niels Arestrup) ; pour répondre à cette commande, Rothko engage un assistant (Alexis Moncorgé).  

Dans l’atelier du peintre, les démons de Rothko se déchaînent, son anxiété du temps qui passe, sa quête de sens artistique et métaphysique et ses révoltes. Son assistant accuse les coups, écoute, apprend et fini par provoquer le maître de l’expressionnisme abstrait pour le pousser dans ses derniers retranchements…  

Niels Arestrup se jette tout entier dans le personnage de Rothko. Irascible, tonitruant, excessif, cruel et égotique. Rothko est à vif. Plongé dans l’œuvre de Nietzsche (La Naissance de la tragédie à partir de l’esprit de la musique, 1872), Rothko appose un sens tragique à chacun de ses actes, de ses pensées et de ses rencontres. Plus qu’un questionnement, c’est un combat rapproché avec l’art, la vie et le monde. Une joute intellectuelle et passionnée dans laquelle Arestrup est parfaitement à son aise. Terriblement humain, terriblement abrupte et à la fois si sensible, si fragile, Arestrup, c’est son habitude, donne tout. Le comédien parvient par l’intelligence du texte de John Logan à projeter le public entre la toile blanche et les aplats de couleur, des fondus enchaînés spatiaux, intemporels. Les territoires des deux artistes semblent les mêmes. A croire qu’un tour de passe-passe aurait permis à Rothko de posséder le corps d’Arestrup. Le public est témoin d’une illusion parfaite, peut-être machiavélique, à laquelle personne ne souhaite changer quoi que ce soit, heureux et parfaitement consentant d’être aussi proche de ce qui fait la création, une alchimie bouillonnante presque palpable.

Dans l’antre de la bête, le jeune comédien Alexis Moncorgé pourrait se faire dévorer en un rien de temps. La confrontation avec Arestrup-Rothko, c’est beaucoup pour un seul homme même s’il est l’un des jeunes comédiens les plus doués de sa génération. Mais, le petit fils de Gabin se défend et trace sa route. A pas feutrés, il impose un jeu subtile et sincère, il esquive les coups de griffes du monstre et lui fait face.

L’ensemble est délicatement mis en valeur par Jérémie Lippman et Jacques Gabel. Dans un jeu aérien les œuvres de Rothko descendent du ciel, dont on ne sait où comme c’est le cas pour toutes les formes de créations. Du Rouge, certes, mais pas seulement. Pour apprendre à regarder autrement, vraiment, et aussi pour ne pas manquer le gros succès de la saison.

Laurence Caron

Rouge - Théâtre Montparnasse - Niels Arestrup, Alexis Moncorgé, Texte de John Logan - Version française de Jean-Marie Besset -Mise en scène Jérémie Lippmann

Initialement créé au Théâtre du Rond-Point en 2019, le collectif A définir dans un futur proche formé par des femmes d’Arts et de Lettres - Elodie Demey, Mélissa Phulpin et Géraldine Sarratia – porte sur scène Sorcières, et rassemble des comédiennes et musiciennes qui se partagent la lecture de ce plaidoyer mordant sur la scène du Théâtre de l’Atelier.

Symbole d'une misogynie ancestrale, l'écrit de Mona Chollet, journaliste franco-suisse née en 1973, intitulé Sorcières, dénonce la violence, jusqu'à l'éradication, réservée aux femmes depuis des siècles sur tous les continents, en soulignant très intelligemment la légèreté du ton employé pour décrire cet obscure massacre.

Chacune à sa manière, à jamais passionnées, les interprètes s'accaparent Sorcières, une enquête riche, truffée de références historiques et aussi (hélas) trop souvent contemporaines.

La puissance invaincue des femmes

Énergiques et conquérantes, désespérées parfois et souvent drôles, sarcastiques et piquantes, les anecdotes citées et les analyses éclairées plongent leurs racines dans une boue collante et nauséabonde dont il est vraiment difficile de se défaire. Comme se fait-il que ce discours paraisse encore tant d’actualité, presque trop familier ?

Franchement, depuis quelques années le « féminisme » - très éloigné de celui défendu et porté haut par ma grand-mère - semble s’être un peu perdu, comme disloqué. Tour après tour, il réduit les femmes en éternelles victimes quand elles ne sont pas des militantes aux seins nus, ou bien il créé des frontières affutées, parfois terrifiantes, entre les différents sexes, des conflits de plus dont on se passerait bien. Difficile de se retrouver dans cet chaos, heureusement Mona Chollet remonte aux origines du mal... La connaissance et l’indépendance d’esprit, le non désir de maternité et même le célibat, le refus de l’esclavagisme domestique ou pire encore un vieillissement physique non dissimulé, ont été des motifs d’accusation et peut-être le demeurent ils encore. Ainsi, quand Mona Chollet évoque la maternité, l’horloge biologique ou simplement le vieillissement de la peau, on ne peut manquer de s’interroger, le véritable terrain de bataille est enfin à découvert. L’essayiste dénonce avec vigueur, rien n’est déguisé et tout est très sérieusement argumenté par des faits historiques. On préfèrera peut-être réléguer ces choses honteuses dans des sociétés très lointaines et très anciennes, forcément, la chasse, sous toutes ces formes, n’est plus une activité très tendance et les sorcières n’existent que dans les contes de fée. Pourtant, « La puissance invaincue des femmes », le prisme révolutionnaire, par lequel Mona Chollet nous intime de rester sur nos gardes, nous insuffle une énergie qui n’est pas prête de s’épuiser ni de renoncer ! L'illustration qui en est faite au Théâtre de l'Atelier est absolument immanquable.

Laurence Caron

Dans les années 70 en Iran cela fait plus de 30 ans que le shah Mohammad Reza Pahlavi fait régner un gouvernement corrompu et aux pratiques violentes. L’opposition se forme portée par des intellectuels laïcs, essentiellement des étudiants et des mouvements populaires, vite récupérés par les religieux. Le shah s’oppose très fermement à cette opposition religieuse jusqu’à faire exiler l’Ayatollah Khomeiny, leader emblématique devenu historique. Exilé hors d’Iran pendant 14 ans (notamment en France, difficile de ne pas se souvenir des images de sa sortie de l’avion Air France…), l’Ayatollah Khomeiny tire les ficelles de la révolution iranienne, il accuse le shah de tyrannie et diffuse sa propagande théologienne qu’il qualifie de «démocratie islamique».

Téhéran, aujourd‘hui. Alors que le Prix Nobel de la paix vient d’être décerné à Narges Mohammadi, militante iranienne emprisonnée à Téhéran, Armita Garavand (16 ans) est dans le coma pour ne pas avoir  porté le foulard hijab dans le métro... juste un an après le décès de la jeune kurde Jina Mahsa Amini (22 ans), arrêtée par la même police des mœurs chargée d'appliquer les règles vestimentaires strictes pour les femmes. Dans ce pays où il est coutume de capturer des étrangers afin de les utiliser comme un levier de chantage diplomatique et financier, les violences à l’égard des femmes se multiplient, elles peuvent-être mariées dès l’âge de 13 ans et sont considérées responsables pénalement dés 9 ans, l'agression sexuelle n'est pas considérée comme un crime et si un homme tue sa femme pour adultère il n’est pas sanctionné, aucune femme n’a accès à des fonctions politiques de haut niveau, ... la liste est longue, infiniment.

Inspirée par ses origines iraniennes, et de toute la complexité et la douleur de cet héritage, l’auteur Aïda Asgharzadeh a écrit « Les Poupées Persanes », elle y joue aussi avec une sincérité bouleversante. La pièce, déjà Moliérisée (Molière de l'auteur francophone vivant, Molière du comédien dans un second rôle pour Kamel Isker) a dépassé la 220ème représentation. La scène du Théâtre de la Pépinière réunit une jeune bande de comédiens et comédiennes (d’origines iraniennes ou pas) particulièrement dynamique et concernée par un sujet qui continue à faire écho à notre actualité. Cependant, ne vous méprenez pas, malgré le sujet traité, la pièce demeure un pur divertissement.

La fine équipe a été rejointe début septembre par l’énergique Juliette Delacroix (Une histoire d’Amour, La Scala), la comédienne a relevé le défi en s'appropriant ses différents rôles, à toute berzingue elle passe du clown au tragique et a appris phonétiquement les répliques et chants venues d’Iran. La recette est adroite. D’abord, il faut dérouler le fil d’un des plus beaux contes amoureux de la culture persane, celui de "Bijan et Manijeh"  (Shâhnâmè ou Livre des Rois) ; ensuite, il faut souffler puissamment l’élan fougueux et courageux de la jeunesse iranienne des années 70, prête à en découdre pour gommer un monde ancien et créer un monde meilleur ; ne pas hésiter à surfer sur une vague théâtrale à l’esprit troupier qui rappelle les exploits drolatiques de l’équipe du Splendid ou même celle des Robins des Bois ; enfin, articuler l’ensemble avec la mise en scène de Régis Vallée, fabuleusement ingénieuse et incroyablement enlevée.  Sur un rythme effréné, six artistes d'un enthousiasme touchant se partagent une trentaine de rôles grâce notamment à d’astucieux jeux de costumes et de mimes qui inventent constamment des accessoires et de nouvelles situations.

"Les Poupées Persanes" est une page d’Histoire qui demeure en mouvement et fait hélas écho à notre plus récente actualité, cette pièce est plus que jamais nécessaire pour l'éclairage qu'elle apporte tout en conservant sa vocation théâtrale, soit un pur moment d’amusement et d’émotion.

LCS

·      A voir l’excellent documentaire « Femme, vie, liberté - Une révolution iranienne » sur Arte : https://www.arte.tv/fr/videos/113185-000-A/femme-vie-liberte-une-revolution-iranienne/

En 1996, c'est une claque ! Pierre Arditi est Vladimir, Marcel Maréchal est Estragon, Robert Hirsch est Pozzo, Jean-Michel Dupuis est Lucky, tous réunis sous la houlette de Patrice Kerbrat au Théâtre du Rond-Point des Champs-Élysées. Samuel Beckett a bondi d’entre les pages de mes lectures, plus vivant que jamais, la mise en scène et les interprétations données par chacun des comédiens restent figées dans ma mémoire pour cette production, impossible à dépasser...

Cependant, depuis la semaine dernière sur le bord du boulevard de Strasbourg, la Scala affiche En attendant Godot.  Beckett reste irrésistible, et puis une mise en scène d’Alain Françon, une des vedettes du théâtre français, ne peut qu’éveiller l’interêt. En attendant Godot à La Scala - créé en juin dernier aux Nuits de Fourvière - promet d’être un événement.

Je sens encore les frissons qui irradiaient autour de Dominique Valadié dans l’intensité de son jeu dans Qui a peur de Virginia Woolf ? (2016), l'air du Théâtre de l'Oeuvre avait changé, magique, la mise en scène était signée Alain Françon… En fait, depuis plus de cinquante ans, le metteur en scène, plusieurs fois récompensé par ses pairs, multiplie les succès à un rythme soutenu.
En amoureux respectueux des auteurs, Alain Françon fait revivre la pièce emblématique en dessinant le cadre et le jeux de ses interprètes avec une très attentive fidélité aux didascalies souhaitées par Beckett. Le goût commun de l'auteur et du metteur en scène pour l'abstraction se rencontrent à la perfection, l'art est dans le détail et ce sens de la précision ultime offre un sentiment de grande liberté qui laisse s’envoler l’imagination des spectateurs.

Ce sont de très adroits funambules, Gilles Privat et André Marcon s'expriment comme le ferait un couple de danseur dans le pas de deux d’un ballet poétique. Dans cet environnement froid et inhospitalier, imaginé sur un sol gelé et emmené vers un horizon sombre, les comédiens occupent l’espace tout entier, ils glissent, ils font se rencontrer la chaleur de leur échanges et l’humour de leur propos pour questionner l’invisible avec cette perspicacité, souvent d’une cruelle ironie, typique au registre de Beckett. En deux actes, la complicité de jeux de Gilles Privat et André Marcon, tendre, émouvante et drôle, reflète admirablement cette humanité dont Beckett révèle les profondeurs par des situations tout à fait anecdotiques pour ne pas dire banales. Réinventant ces personnages si attachants, les deux compères s’harmonisent à la perfection, ils sont rejoints par la prestation, presque dansée, elle aussi, et aussi poétique, d’Eric Berger dans le rôle de Lucky. La pièce a été écrite en français en 1948 (Éditions de Minuit, 1952), comme pour « Fin de partie » - un succès prolongé actuellement au Théâtre de l’Atelier – l'œuvre n’a évidemment pas pris une ride, elle est même d’une modernité tout à fait radicale. En fait, il n’y a qu’une vérité : Samuel Beckett demeure un génie ! Hâtez-vous d’aller à sa rencontre !

Laurence Caron

 © photo : Jean-Louis Fernandez

A lire :
Alain Françon, la voie des textes d’Odile Quirot,
éditions Actes Sud - collection le Temps du Théâtre.

La première page d’amour écrite par Philippe Besson pour le Théâtre réunit deux hommes :  ils se sont aimés, peut-être s’aimeront-ils encore ? Au creux de la nuit, au bar d’un palace, au bord d’une mer inconnue, leurs vies se croisent à nouveau.
Les murs noirs du théâtre se sont évanouis pour laisser s’ériger l'architecture d’un hôtel de luxe (pour moi ce sera celui de Mort à Venise, mais vous avez le choix), le beau et le commun, l’amour et la passion, les regrets et les remords partagent une bouteille de vodka. Lui (Jean-Pierre Bouvier) a cinquante ans, il est un auteur célèbre, esthète, l’Autre (Frédéric Nyssen) a trente ans, il est un insouciant, insolent.

Un soldat rentre chez lui et fait la rencontre d'un homme qui se révèle être le Diable, le soldat lui vend son âme incarnée par son violon contre un livre magique, promesse de richesses et de succès. 

Depuis sa création en 1917, « Histoire du Soldat » est une œuvre complète. A la fois dramatique par le jeu de ses trois récitants, musicale par la proposition de sept instrumentistes et enfin chorégraphique. Pour ce qui est de la danse, Cranko, Robbins, Babillé, Kylian -rien que ça- et Gallotta -et d’autres encore- se sont déjà emparés du modèle ; difficile pour Sebastiàn Galeota d’y inscrire sa chorégraphie sur l’étroite scène du Poche-Montparnasse. Mais, l’intention reste juste, l’adroite mise en scène de Stéphan DRUET inscrit les arabesques de Aurélie Loussouarn  sur du papier millimétré.

La musique de Stravinski n’a pas pris une ride -elle n’en prendra jamais- et le livret de Charles-Ferdinand Ramuz suit poétiquement la cadence. Reconnue comme une œuvre incontournable du 20^ème siècle, cette variation du mythe de Faust est adoptée avec brio par le jeune et terriblement doué Orchestre-Atelier Ostinato

Claude Aufaure est le Lecteur, un véritable rôle d’orfèvre qu’il tient de sa voix chaude à la perfection, Licinio Da Silva est un Diable créatif, extravagant et dépravé juste comme il faut, enfin Fabian Wolfrom est un soldat passionné et d'une authenticité désarmante. Le jeune acteur a une carrière qu’il mène déjà tambour battant, avec son tempérament de «jeune premier » -à la beauté du diable- au regard profond et lointain façon Gérard Philippe. 

En deux mots ALLEZ-Y, cette œuvre théâtrale et musicale est d’une grande qualité. Je vous recommande avec insistance « Histoire du Soldat » aussi pour les enfants, Stravinski est assurément le meilleur guide.

Laurence Caron

« Les amoureux de Marivaux » soupirent entre les murs du Théâtre Poche Montparnasse jusqu’au 14 mars. Les troubles de l’amour, si habilement piégés par la plume de Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux, se dévoilent ici sous la forme d’un conte fantasque, d’un cabaret burlesque ou bien encore d’une revue déjantée, c’est comme il vous plaira, tant que vous vous amusez !

Quatre comédiens se partagent une quinzaine de rôles, entre saynètes légères, esquisses baroques et intermèdes musicaux, l’intention artistique est étonnante, surprenante même. Mais la qualité de jeu des interprètes, l’originalité du ton et l’énergie déployée par ces « Mauvais Elèves » conquièrent le public, il y a comme un exercice de séduction, quelque chose se passe… Du charme, Bérénice Coudy et Elisa Benizio, les deux interprètes féminines, n’en manquent pas, le regard acier un peu étrange de Bérénice Coudy perce le rayon du projecteur, pendant qu’Elisa Benizio, clown et dramaturge sans limite, fait preuve d’un répertoire incroyablement vaste, de l’éberluée excentrique à la séductrice impitoyable, rien ne semble i

Format : Beau livre
Genre : Reportage
ISBN :978-2732460970
Éditeur : Editions de Lamartinière

L’image, d’un danseur en pleine expression de son art, reproduite par la photographie, exige une précision encore plus importante que pour celle d'un acteur, l'exercice est millimétré, presque scientifique. Chaque détail compte, le pied, la main, la cambrure ou l’arabesque doivent se présenter sous leurs meilleurs angles afin de supporter d’être figés sur le papier ; comme s’il était possible d’arrêter le mouvement ? Cet art là, cette indéfinissable maîtrise du temps, la photographe Francette Levieux en fait son affaire.

Pendant plusieurs années, photographe de l’Opéra national de Paris, Francette Levieux a suivi, pas à pas, des trajectoires célestes comme celles de Roland Petit, Maurice Béjart, Noëlla Pontois, Patrick Dupond, Alvin Ailey, Luis Falco, Claude de Vulpian ou encore Vladimir Vassiliev… Discrète comme une petite souris lorsqu’elle se faufilait dans les coulisses de l’Opéra Garnier, Francette Levieux aimait être tout près des danseurs, juste sur la scène. Lorsque Rudolf Noureev dansait, il renvoyait la photographe se placer dans la sal

C’est un personnage fragile et puissant, celui de Michaël enfermé dans un asile de fous, qui marque les premiers pas sur scène de Jean-Baptiste Maunier (très jeune star à l’issue du filmles Choristes de Christophe Barratier en 2004). Exercé au jeu par l’école de Lee Strasberg de New-York, Jean-Baptiste Maunier, du haut de ses 22 printemps, livre une démonstration qui semble puiser au plus profond de lui-même, il ne s’épargne rien, les tourments de son personnage vibrent, douloureusement, méthodiquement il décortique, analyse, digère et donne. Intense et physique, il y a quelque chose de Brando dans ce grand gamin là mais aussi quelque chose de Jean-Louis Barrault, une poésie discrète, un genre de s'excuser... Lire l'article

La fameuse, incontournable et somptueuse, expo Edward Hopper au Grand Palais restera rêvée. Après avoir fait la queue pendant 1h30, un dimanche matin, pour finalement renoncer car il y avait encore 1h00 d'attente - nous nous sommes rendus à quelques enjambées de là au Palais de La Découverte.

Le Palais de La Découverte est tout de même sinistre. Ce temple scientifique a vraiment besoin d'un coup de jeune, ne serait-ce qu'un bon coup de peinture, pourtant cet espace est toujours aussi intelligemment bien distribué pour enfants curieux et parents attentifs. Les innombrables expos, et leurs machines inventives sur lesquels les enfants de tous âges défoulent leur soif de savoir, sont évidemment à parcourir, si vous ne les connaissez pas déjà.

L'exposition du moment "Bêtes de sexe, la séduction dans le monde animal" est à voir absolument, elle est à la fois drôle et imaginative. La richesse documentaire, en références et en expériences, a les attraits pour passionner adultes et enfants.
Le must, sans contexte, est la diffusion de ces pastilles admirables "Green Porno" inventées par Isabella Rossellini qui dépasse son rôle de comédienne pour devenir plasticienne et nous initier aux pratiques sexuelles des animaux et insectes. L'univers burlesque et déjanté d'Isabella Rossellini dans "Green Porno" (produit en 2008) est remarquablement intelligent, le rythme de ces petites fenêtres psychédéliques enrichi considérablement l'exposition qui sans cela resterait définitivement attristée par l'ambiance pesante du lieu. 

Laurence Caron-Spokojny

Toutes les infos ICI.

Autour de lui, il y a André Breton, Paul Eluard, Salvador Dali ou bien encore Kandinsky et Picasso, il y a sa passion immodérée pour les arts forains, les saltimbanques et les artistes, et puis il y a aussi sa fascination pour le mystérieux, le monde de l’étrange, comme un brouillard qui enveloppe la ville et dissimule les frasques et les amours de ses habitants…    

Brassaï a le coup d’oeil infaillible, il ne rate rien. Il est un des premiers à remarquer l’importance des graffitis sur les murs de Paris, en les saisissant sur argentique il les fait entrer au panthéon de l’art primitif.
Observateur des tendances, l’élégance des parisiens et des parisiennes ne lui échappe pas, tout autant que l’allure élancée de la tour Eiffel sur un ciel voilé. La nuit, arpentant les rues de Paris,  il piège dans sa boîte le reflet du clair de la lune sur les pavés de granit, la courbe savante d'un pont de la Seine et la drôle de rencontre avec un gavroche à l'accent des faubourgs.
Le poète-photographe abolit les frontières sociales entre les hommes, il fige sur la pellicule la grande bourgeoisie et la canaille avec le même regard, la même tension affective, presque sentimentale aussi bien lorsqu'il choisit de photographier les filles de joie offertes au coeur des maisons closes ou les voyous qui magouillent au fond des ruelles.

Champion toutes catégories du clair obscur, Brassaï est d’une exigence folle, chaque portrait, chaque paysage, chaque nature morte, chaque extrait de vie livrent un instant d’une force inouïe ; il n’y a pas une photo qui soit meilleure que l’autre, pas une photo qui éteigne le ton de sa voisine, l’exposition BRASSAÏ du salon Saint-Jean de l’Hôtel de Ville de Paris est une déclaration d'amour absolue d’un homme arrivé à Paris en 1924. Brassaï, de son vrai nom Gyula Halasz, était né en Transylvanie...

Laurence Caron-Spokojny

Le catalogue de l'exposition est complet et magnifique mais il faut avant tout se procurer, le très passionnant et très précis, petit catalogue "Brassaï, la maison que j'habite" (aux éditions Somogy, éditions d'art - catalogue de l'exposition du musée des Beaux Arts de Nantes et du Musée des Beaux Arts de Nancy en 2009 et 2010) - en vente à la sortie de l'exposition (8euros).

Pour "aimer" la page facebook de "Ce qui est remarquable", c'est par ici

À travers plus de 400 pièces et documents originaux, planches de bande dessinée, esquisses et croquis préparatoires, films d’animation, entretiens filmés et autres photographies et documents d’archives, l’exposition se propose d’envisager le phénomène migratoire dans la bande dessinée.

Aujourd’hui, la bande dessinée a définitivement acquis le statut de 9ème art et n’a jamais été autant exposée dans de grands musées. Plusieurs expositions récentes ont dressé des passerelles entre la bande dessinée et d’autres formes artistiques (Archi et BD, la ville dessinée ; Vraoum, trésors de la bande dessinée et art contemporain), entre bande dessinée et culture (de Superman au chat du rabbin) ou encore entre bande dessinée et histoire (Tardi et la Grande Guerre, Mobilisation générale : 14-18 dans la bande dessinée, Traits résistants). Cette exposition apporte sa pierre à l’édifice en convoquant pour la première fois toutes les formes associées du 9ème art pour raconter l’immigration autrement.

Albums est une exposition d’histoires. Histoires de ces auteurs d’origine italienne, sénégalaise, algérienne, portugaise ou vietnamienne venus vivre et travailler en France mais aussi histoires de ces émigrés ou fils d'immigrés européens partis au début du siècle aux États-Unis tels que Georges McManus ou plus tard Goscinny qui ont contribué à créer un 9ème art.

Albums ce sont aussi les récits de vie réels ou imaginaires d’Aya de Yopougon, d’Abdulah, Petit Polio, Bouzid, Jiggs, Igor, Malamine, Bilel, Louis le Portugais… Tous ces récits, histoires de personnes et de personnages, se croisent pour écrire une autre Histoire de la bande dessinée depuis un siècle.

Science-fiction, récit historique, humour ou reportage, quel que soit le genre, chaque auteur enrichit son art, de son expérience personnelle mais aussi des collaborations qu’il a pu nouer au gré de ses pérégrinations, de ses références visuelles ou langagières, des techniques qu’il a apprises. L’exposition s’attarde ainsi sur la "fabrique de la bande dessinée". À l’instar de toutes formes de langage, la bande dessinée, depuis ses débuts, construit des images et archétypes de la figure de l’émigré. Les commissaires relèvent, analysent, questionnent les œuvres au prisme des migrations, sur l’existence d’une écriture graphique construite sur des représentations communes.

Brassaï a le coup d’oeil infaillible, il ne rate rien. Il est un des premiers à remarquer l’importance des graffitis sur les murs de Paris, en les saisissant sur argentique il les fait entrer au panthéon de l’art primitif. 
Observateur des tendances, l’élégance des parisiens et des parisiennes ne lui échappe pas, tout autant que l’allure élancée de la tour Eiffel sur un ciel voilé. La nuit, arpentant les rues de Paris,  il piège dans sa boîte le reflet du clair de la lune sur les pavés de granit, la courbe savante d'un pont de la Seine et la drôle de rencontre avec un gavroche à l'accent des faubourgs. Lire la suite ici