C'est une avalanche étourdissante. Michel Polnareff, Guy Bedos, Claude Sautet, Michel Piccoli, Romy Schneider, Yves Robert, Serge Reggiani, Régine, Claude Pinoteau, Mireille Matthieu, Claude François, Barbara, Julien Clerc, Johnny Hallyday, Jean-Paul Rappeneau, Jean Becker, Michel Sardou, Yves Montand, Dalida, Barbara, Jacques Dutronc, Johnny Hallyday, Isabelle Boulay – et j’en oublie - ont tous été traversés et souvent propulsés par la plume de Jean-Loup Dabadie. Des mots précieux, fragiles et  puissants, agiles comme des acrobates, mélancoliques ou comiques, en apparence légers et pourtant profonds.

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Depuis sa première représentation en 1951, « La leçon », une des premières pièces d’Eugène Ionesco, est jouée sans jamais s’interrompre -juste après La cantatrice chauve- au Théâtre de la Huchette depuis 1957 ! Cette fois-ci les mots d’Ionesco, totalement sarcastiques et absurdes, se transforment en une comédie dansée sous l’impulsion des chorégraphes et metteurs en scène Marie-Claude Pietragalla et Julien Derouault, sur les planches du Théâtre de la Madeleine.

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A la gare de Saint Pancras, le regard de Georgie, une extravagante américaine de 40 ans, croise celui du très discret Alex, de 30 ans son ainé. Une curieuse rencontre entre ces deux personnages que tout oppose... 

Magnétique. Il suffit à Laura Smet d’envoyer sa paire d’yeux bleus dans les projecteurs pour emmener tout et tous à sa suite, elle a un truc qui relève de l’instinct et qu’on n’explique pas. C’est sa toute première fois au théâtre. Est-ce que cela a réellement de l’importance pour celle dont le prénom a été chanté tant de fois sur les plus grandes scènes et applaudit par le plus grand public que l’on puisse imaginer ? Peut-être… pour excuser un certain ton monocorde de sa voix qui ne sait pas toujours comment se placer pour emplir le vaste Théâtre Montparnasse ou pour cette façon de jouer tendue qui menace de couper son souffle et qui s’apprête à libérer ce trac terrible, cette bête prête à bondir, à attaquer ? Peut-être… Pourtant, sans choisir la facilité, la comédienne s’est avalée une sacrée tartine de texte, un texte difficile pour lequel Jean-Pierre Darroussin réplique souvent par de longs et profonds silences dont lui seul a le secret. De sa magistrale tenue de jeu, Darroussin couve sa protégée, il la guide, la laissant s’accrocher à son implacable maitrise des situations et à son phénoménale talent  pour occuper l’espace tout entier. Ainsi inspirée, dans une sorte de pudeur fragile qu'elle balaye d'un sourire, Laura Smet transforme l'essai en une performance troublante.

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Dans un couloir d’hôpital, une mère attend, une nuit durant. Elle espère, désespère, espère de nouveau que son enfant née quelques heures auparavant parviendra à respirer seule. Derrière la vitre qui les sépare, la mère parle à sa fille, pour tenter comme elle peut de l’attirer vers le monde des vivants. Une nuit durant, dans un couloir d’hôpital, une mère attend et vacille entre la rage et la supplique, en animal doutant de ses forces.
Respire Sophie Maurer (éditions Koinè, 2020).

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En 1916, l'accord Sykes-Picot divise les territoires ottomans entre la France et le Royaume-Uni. L'écrivain Thomas Edward Lawrence, officier de liaison auprès des forces arabes, s'engage dans la révolte arabe (1916-1918) contre l'occupant Turc, l'Empire Ottoman. Fin stratège, Lawrence dessine le projet d'un empire arabe sous influence britannique. De ce périple dans la péninsule arabique, Thomas Edward Lawrence livre un récit autobiographique Les Sept Piliers de la sagesse.

Quarante années ce sont écoulées, les aventures historiques de Lawrence enthousiasment David Lean, le réalisateur britannique vient de réaliser Le Pont de la rivière Kwaï. En 1962 sur grand écran, Peter O'Toole est à jamais Lawrence d'Arabie, le film chef d'oeuvre épique est sept fois oscarisé, notamment récompensé comme meilleur film et meilleur réalisateur. L'histoire ne s'arrête pas là. Jusqu'au 8 mai, au Théâtre du Gymnase, Eric Bouvron emporte à sa suite une troupe de comédiens décidés à faire glisser le sable du désert jusqu'au coeur de Paris...

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La danse est très certainement née d’une manifestation des sentiments, une trajectoire des émotions s’est extériorisée jusqu’à s’exprimer en mouvements : quand on est heureux, on danse, n’est-ce pas ? Cet adage, parfois oublié dans les arcanes de la danse et de ses initiés, est assurément celui de la compagnie de Carlos Acosta.

Cuba. L’ile caribéenne écrasée par le soleil subit une histoire politico-sociale plus que mouvementée, cependant la musique et la danse ont toujours fait acte de résistance. Avec ses cabarets et ses grands orchestres, des styles musicaux puissants se sont créés et se sont répandus sur toute la planète, comme le Son, la Rumba, le Bolero, le Mambo, le Cha Cha Cha. Seulement, cette créativité s’est mise en sommeil dès 1959 lors de l'arrivée au pouvoir de Fidel Castro. Les cabarets de la Havane ont fermé, l’industrie touristique s’est éteinte et de nombreux artistes ont fui vers les États-Unis. Pour autant, la musique ne s’est pas complètement tue et la danse, même si elle s’est faite à pas feutrés, est resté dans les jambes, les hanches, les bras et les épaules. Avec les artistes, la danse et la musique ont voyagé, elles se sont enrichies d’influences portoricaines et d'intentions jazz et rock venues du fin fond des boîtes Newyorkaises jusqu’aux années 1990. Enfin, sur le territoire, malgré la chape de plomb posée sur la culture cubaine, la culture populaire a poursuivi son chemin, elle s’est étoffée et la salsa est née.

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La production de spectacles musicaux au Théâtre de Paris est une tradition lointaine, presque oubliée, et assurément regrettée. Des années 70 avec les opéras bouffe d'Offenbach mis en scène par  Maurice Lehmann comme La Périchole ou Barbe-Bleue, jusqu’à Cats et Starmania à la fin des années 80, l’espace scénique du Théâtre de Paris a plusieurs fois prouvé être un écrin parfait pour accueillir chanteurs, musiciens et danseurs. D’ailleurs, Alexis Michalik, l’auteur et metteur en scène, spécialiste des succès à la pelle - comme Le porteur d’histoires, Le cercle des illusionnistes, Edmond ou plus récemment d’Une histoire d’amour - ne s’y est pas trompé et le public, habitué à sillonner ce petit Broadway parisien formé par le Théâtre Mogador, Le Casino de Paris, et le Théâtre de Paris, s’est engouffré à sa suite pour aller applaudir Les Producteurs.

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" Les folies sont les seules choses que l'on ne regrette jamais". Oscar Wilde.

Une fois dépassé les goulots embouteillés des grands boulevards qui se déversent sur la place de Clichy, les petites rues du 9^ème arrondissement de Paris font les crâneuses avec leurs frontons de Théâtres qui affichent « complet » tandis que les terrasses débordent joyeusement sur les trottoirs. Rue Fontaine, La Nouvelle Eve « est l'un des plus anciens et des plus élégants théâtres de revue de Paris », c’est la promesse qui est faite. A l’entrée, un cerbère barre le passage avant de vérifier, avec un sourire aimable accompagné d’une petite blague, si le pass vaccinal de chacun est à jour ; dans ces salles de spectacles parisiennes, on ne rigole pas avec les restrictions sanitaires, l’addition est trop chère payée. Avant même de prendre place, les quelques 200 personnes du public de La Nouvelle Eve sont accueillies par des artistes poudrés aux regards pailletés, leurs boucles de cheveux brillantes et des cascades de strass couvrent des épaules robustes qui surplombent des robes ajustées au millimètre. Grandes, presque aériennes tant les talons des escarpins, de couleur or ou argent, sont d’une hauteur vertigineuse, ces divas de la nuit à la voix grave offrent des sourires généreux, des sourires pointés là sur vous, armes irrésistibles, pas de quartier il est ici question de s’amuser !

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Un seul acte, efficace et foudroyant.

Huis clos écrit par Jean-Paul Sartre en 1943 est une claque, née de l’existentialisme sartrien, qui atteint sa cible avec une exactitude bouleversante et une puissance indiscutable, raisons pour lesquelles cette pièce est celle la plus jouée de toute l’œuvre théâtrale de Sartre.

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Dans la création artistique qu’il s’agisse de théâtre ou de cinéma c’est quand même plus sympa d’être à deux ! Impossible de ne pas penser au duo lumineux et culte formé par Jean-Pierre Bacri et Agnès Jaoui. Le « tandem Jabac » selon l'expression inventée par Alain Resnais a créé notamment de formidables passerelles du théâtre au cinéma, comme pour Cuisine et Dépendances au Théâtre Montparnasse (1992), un triomphe qui a été projeté deux ans plus tard au cinéma, ou un Un air de famille au Théâtre de la Renaissance (1994) qui a suivi la même voie.  Comme leurs aînés, presque vingt plus tard, les complices Alexandre de La Patellière et Matthieu Delaporte avancent eux aussi en duo. En 2010, ils ont fait un carton plein avec Le Prénom (mise en scène de Bernard Murat) au Théâtre Edouard VII, fait rare à Paris la pièce a été jouée près de 250 fois. Puis, ce succès théâtral a été prolongé dans sa version cinématographique pour être célébré en 2013 par les Césars des meilleur(e)s acteurs-trices pour Valérie Benguigui et Guillaume de Tonquédec.  « 1h22 avant la fin » qui se joue actuellement est leur nouvelle création, le texte est de Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière l'a rejoint pour la mise en scène. Sur le boulevard de Strasbourg, Mélanie et Frédéric Biessy les ont conviés sous le toit de La Scala, un abri éclectique reconnu comme rassembleur de talents. Il est aisé de comprendre à quel point l’attente du public est grande… c’est la rançon du succès.

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En 2019, Crystal Pite crée Body and Soul pour le Ballet de l’Opéra de Paris, cette même année Angelin Preljocaj imagine Winterreise Voyage d’hiver initialement pour le Ballet de La Scala de Milan puis avec sa compagnie lors du Montpellier Danse. En ce début d’année 2022, attendu avec ferveur, le premier est repris à l’Opéra Garnier jusqu’au 20 février tandis que le second vient de triompher pour quatre représentations exceptionnelles au Théâtre des Champs-Élysées.

Winterreise voyage d'hiver Ballet Préljocaj  (photo Jean-Claude Carbonne)

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Un comédien talentueux, désormais dévoré par le trac, s’oublie dans l’alcool tandis que son frère, désabusé par une vie sans saveur, fantasme sur la carrière du premier. En traits d’union, une jeune femme et un jeune homme, dont les démarrages dans la vie ont été difficiles, tentent d’échapper à leurs sorts en s’inventant un nouveau monde. Le tableau semble tragique, pourtant ces ingrédients sont idéals pour faire de ce moment une comédie juste, joyeuse, douce et émouvante. Times square au Théâtre Montparnasse fait scintiller le savoir-faire du théâtre de boulevard moderne pour illuminer et réchauffer merveilleusement ce morne hiver parisien. Cerise sur le gâteau, la joie de jouer de la petite troupe est terriblement communicative, le public se love dans le confort des fauteuils de velours du Théâtre Montparnasse, abandonné et passionné...

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Alabama, bus de 14h30, 2 mars 1955. Claudette Colvin, du haut de ses quinze ans, refuse de céder sa place à un passager blanc. Condamnée à la prison, elle plaide non coupable et attaque la ville. Claudette Colvin écrit le début de l’histoire dont Rosa Parks sera un peu plus tard la Mère du mouvement des droits civiques. Son nom, il faut l’avouer personne ne le connaît, mais soixante ans plus tard en 2015, aux éditions Grasset, l’écrivaine, Tania de Montaigne veille au grain et rétablit les oublis de l’histoire, Claudette Colvin est sur le papier. Cet écrit est récompensé par le prix Simone Veil 2015 et est finaliste du Grand prix des lectrices de ELLE 2016. 

Naviguant entre incarnation, témoignage et plaidoyer, Tania de Montaigne, aussi comédienne, dépasse l’écriture pour porter Claudette Colvin sur scène, en chair et en os, c’est au Théâtre du Rond-Point des Champs-Élysées.

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En un élan, le public se soulève, les gradins de Chaillot grondent, des cris, bravos et hourras, s’ajoutent aux applaudissements. Enfin ! Enfin ! Du neuf !

Comme son titre l’évoque, il est question de planète, la Terre et les matières minérales qui la composent, palpables, le quartz, l’argile ou le calcaire. Les entrailles de cette Terre dont nous nous extirpons pour naître, et dans laquelle on nous enterre ou bien on y mêle nos cendres pour disparaître. Une terre sombre et brillante, douce et rugueuse, créatrice et destructrice, inspirante et expirante. L’esthétique créatif du plasticien Kohei Nawa et la puissante chorégraphie de Damien Jalet se fondent en un seul et même désir. Énergique, radical, il est question de spectacle véritable comme on en voit peu. La formidable musique de Tim Hecker, électronique et humaine, infuse un liant qui va de soi entre visible et invisible. Les corps se tordent, se plient, chahutés par les caprices du temps celui du ciel ou des horloges.

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C'est un texte mythique. Créée en février 1987, au Théâtre des Amandiers dans une mise en scène de Patrice Chéreau, avec Laurent Mallet et Isaach de Bankolé, la pièce Dans la solitude des champs de coton de Bernard-Marie Koltès (1985) est entrée dans le répertoire du théâtre contemporain.

En ce très chaud mois de juin, sur les planches du Théâtre 14, dans un monde crépusculaire, terriblement proche, des monologues se cousent  entre un dealer et son client. Empêtrés dans leurs désirs et empêchés par leurs angoisses, le flot de propos est remuant, perturbant, heureusement interrompu par de longs silences, nécessaires – sophistication extrême - pour laisser le temps aux spectateurs vaincus de se remettre des séries d’uppercuts envoyées par l’auteur. Les verbes forts de Koltès, puissamment jetés en pâture à nos esprits avides de savoir, révèlent ce qui ne peut-être dit qu’ici, sur ces planches, à moins que cela soit lu. Alors que la situation appartient au registre du quotidien, presque anodine, nos interrogations muettes sont criées, hautes et fortes, nos hontes, nos désarrois, nos peurs, dévoilés. Koltès est un traducteur de l’époque, du monde, des gens, et tant pis si ça fait mal c'est ça qui est beau.

Copyright : Nicolas Martinez - Scène nationale Châteauvallon

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Oum Kalthoum, Warda al-Djazaïria, Asmahan, Fayrouz, Laila Mourad, Samia Gamal, Souad Hosni, Sabah et Dalida, entre autres, ont laissé une empreinte artistique impressionnante au cours du 20^èmesiècle dans les domaines de la chanson, de la photographie, de la danse, de la mode jusqu’au cinéma, mais pas uniquement. Parce que l’époque le voulait et parce qu’elles avaient une indépendance d’esprit et des tempéraments hors du commun, ces femmes extraordinaires ont repoussé les murs des sociétés patriarcales, devenant des marqueurs historiques forts dans l’évolution politique et sociale des pays du monde arabe.

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En 2020, la crise sanitaire a voulu faire taire les voix des arts, ces lieux protéiformes d’expressions et d’inventions constantes se sont refermés sur eux-mêmes… Seules les lucarnes d’internet, ondes radiophoniques et télévisuelles nous ont un peu éclairées. Seulement, quand on a l’habitude de voir ce qui est vivant, il est très frustrant de n’observer le monde que par le petit bout de la lorgnette. Heureusement, la chorégraphe Carolyn Carlson* - dont on se plait à dire depuis des lustres qu’elle est la plus française* des américaines, jusqu’à adopter la nationalité française en 2019 – a maintenu la tension du fil de sa créativité en parfaite osmose avec le temps qui passe et l’espace qui nous entoure. En "poète visuelle", Carolyn Carlson parle de vous, de nous, du monde.

Dans la maison nationale de la danse, le Théâtre de Chaillot, la Californienne qui a parcouru la Terre entière pour arriver jusqu'à nous est chez elle, notamment pour y avoir été artiste associée jusqu’en 2016. Après les pièces eau (2008), Pneuma et Now (2014), dont la source est née des écrits de Gaston Bachelard (1), sa plus récente création The Tree est le quatrième volet.

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« Crise de nerfs » réunit trois farces d’Anton Tchekhov sur la scène du Théâtre de l’Atelier:  Le chant du cygne ou l’agonie d’un vieil artiste, joué tout en confidences, tendres et ironiques ; Les méfaits du tabac, terriblement burlesque et sarcastique ; et, Une demande en mariage, un tableau hystérique et délicieusement joyeux. Dans les trois, Jacques Weber est génial, et il n'est pas le seul ! 

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La dernière création d’Alexis Michalik «Une histoire d’amour» a vu le jour en janvier 2020 au Théâtre de la Scala, avant de se voir couper les ailes suite à l’injonction du gouvernement conséquente à la crise sanitaire. Obéissante, l’ensemble de la capitale s’est tue, ses habitants et la culture aussi, hormis quelques soubresauts rarement mémorables en d’autres endroits comme les réseaux sociaux. Après ces presque six mois de silence, la plupart des théâtres parisiens ouvrent enfin leurs portes. La fébrilité est de mise, pour les artistes qui se sont torturés pendant tout ce temps, s’interrogeant parfois jusqu’à l’existence même de leur métier, et aussi pour le public qui a découvert qu’un Paris sans salles de spectacles n’a plus beaucoup d’intérêt.

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Une écharpe pendouille autour de son coup, d'un même geste il s'en débarrasse avec son pardessus aux contours indéfinissables, juste quelques secondes après être entré sur la scène du Théâtre de l’Atelier. A la manière d’un professeur de faculté qui se campe face à ses étudiants, il lance quelque traits d’humour pour apprivoiser son auditoire. Il faut en effet un peu de temps pour s’habituer à sa voix et à son rythme : Hector Obalk marmonne, râle un peu et glousse souvent. L’Historien d’Art a l’humeur espiègle et se paye une bonne partie de cabotinage. Il peut se le permettre, la peinture c'est son domaine. Critique d’art et réalisateur du documentaire Grand Art sur Arte, Hector Obalk est aussi Commissaire d’exposition. Comme le titre de son spectacle-conférence l’indique, en moins de deux heures, il a fait le pari de déballer toute l’histoire de la peinture.

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« Théâtre Libre », c’est peut-être plus chic que « Le Comedia », le nom interroge et laisse envisager des perspectives inattendues comme la programmation prochaine en mars des Fourberies de Scapin  - une production hors-les-murs de La Comédie française dont la mise en scène est signée Denis Podalydès. Le Théâtre Libre est sur les bords du Boulevard de Strasbourg, (à moins que ce dernier soit bientôt renommé Boulevard d’Edouard Baer) et fait - malgré les grèves - un carton plein, depuis octobre 2019, avec The Opéra Locos. Illico presto ! A une semaine près je loupais ce délirant spectacle musical, plus que quatre représentations entre le 28 février et le 1er mars...

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Le 19 mai 2018, lors du mariage du prince Harry et de Meghan Markle, deux milliards de téléspectateurs, sans compter le gratin international qui y assistait, ont découvert le jeune violoncelliste Sheku Kanneh-Mason, il avait dix-huit ans. Auparavant en 2016, décrochant les BBC Youngs Musicians à Londres, son album «Inspiration» l’avait propulsé au 11^ème rang du Top 20 UK Official Album Chart, dont notamment un bouleversant arrangement de No Woman no cry de Bob Marley qui a réalisé un million de flux le premier mois sur Spotify. Un nouveau record qu'il a lui-même battu avec le tout récent enregistrement du Concerto d’Elgar, avec Sir Simon Rattle et le London Symphony, dans les mythiques studios d’Abbey Road, à piocher dans les bacs depuis le 10 janvier 2020.

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Sur la scène de La Scala, il déboule avec l’allure d’un charmant professeur de faculté, de ceux qui donnent envie de lire tous leurs livres une fois le cours terminé. Grand et fin, d’une élégance un peu gauche, Jos Houben rythme son propos par des confidences, démonstrations burlesques et discours sur la méthode - la méthode pour faire rire. Un sujet choisi comme un prétexte pour parler de l’humain. Fascinant.

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Est-il possible de trop aimer son enfant jusqu’à fantasmer son existence ? C’est la question que l’on se pose en quittant le Poche-Montparnasse. Pendant plus d’une heure, Stéphane Freiss fait revivre la délicatesse des lignes, vives et drôles, de La promesse de l’aube, le roman quasi autobiographique de Romain Gary. Évidemment, les presque 380 pages de l’édition de Gallimard parue en 1960, ne sont pas toutes livrées sur scène. Stéphane Freiss a choisi d’évoquer rapidement les jeunes années polonaises de Romain Gary, né en Lituanie en 1914, puis de s’attacher à son adolescence lors de ces années niçoises (dès 1928) alors que sa mère était gérante de l'Hôtel-Pension Mermonts, jusqu’à son départ à la guerre.

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La plupart du temps consacré à des thèmes religieux, un oratorio n’existe que par la musique. Une musique aussi pure soit-elle qui ne s’encombre ni de mise en scène, ni de costume, ni de décor, ni d’aucun autre support scénique qui pourrait détourner l’œuvre lyrique de sa fonction première : l'écoute. Cette austérité se voit bousculer par nos artistes contemporains dont le metteur en scène australien Barrie Kosky, directeur artistique du Komische Oper de Berlin depuis 2012.

Saül est un drame biblique inspiré du livre de Samuel, il a été composé en 1739 par Haendel sur une livret de Charles Jennens et produit la même année au King’s Theatre de Londres. Cet oratorio de Haendel, maître du genre, est à l’origine une production du Festival de Glyndebourne (2015), objet d’une création d’un esthétisme foudroyant, Saül est aujourd’hui sur la scène du Théâtre du Châtelet.

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Au commencement, François de Brauer s’est filmé, lui tout seul, dans les chambres des hôtels sillonnés par les tournées, entre deux répétitions ou bien chez lui. Une succession d’inspirations, des petites saynètes improvisées comme d’autres esquissent des instants de la vie quotidienne avec un crayon et du papier, pianotent des mélodies, inventent des poèmes ou fredonnent des chansons. Puis, un personnage a fait son apparition, Rémi Goutard. Un mal aimé, un drôle de gars qui attribue à l’Art toutes les raisons de son mal être. François de Brauer tenait son histoire. Alors, il est entré en scène pour donner vie à une vingtaine de personnages. Pour cette fois, il est à Paris à La Scala. 

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La musique, le ballet et les grands textes émeuvent, parfois terriblement : les cils se noient, les creux des joues se mordent, les mains se nouent. On tente du bout des doigts, comme pour repousser une mèche de cheveux, d’empêcher une larme de couler. La rencontre entre l’intention esthétique et une belle histoire transperce le cœur des spectateurs les plus coriaces, heureux vaincus dans un consentement muet. Hormis à l’Opéra ou au cinéma, ces émotions s’expriment sur des territoires limités car souvent il faut qu’une certaine intimité se lient entre les artistes et les spectateurs, l'exercice est difficile et rare. Sur l’immensité du plateau de La Seine Musicale, War Horse remporte ce pari, tout en délicatesse et en émotion.

Créé en 2007 par le prestigieux London National Theater, War Horse a été joué à Londres puis à travers le monde réunissant plus de huit millions de spectateurs. Sur grand écran en 2011, War Horse a inspiré le film éponyme de Spielberg. A Paris, jusqu’au 29 décembre, mis en scène par Marianne Elliott et Tom Morris et présenté par Thierry Suc (TS3/Fimalac Entertainment), War Horse est LE spectacle de La Seine Musicale à ne pas manquer !

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Derrière soi, il faut laisser se renfermer la porte battante du théâtre. Tourner le dos à la foule grise, fatiguée et fulminante d’un Paris qui gronde, l’oublier un temps pour partager un instant poétique baigné d’humanité, de surréalisme et d’humour. Rencontre avec Monsieur X.

Il y a d’abord ses mains, fines et aériennes, des petites ailes virevoltantes qui auraient appris à parler. Et puis, il y a ce corps tout entier, ses haussements d’épaules rigolos et étonnés, ses bras qui balayent l’air à la vitesse d’une vague, sa tête qui s’incline comme lorsqu’on se penche vers un enfant. Au cinéma, on le connaît en funambule exercé aux pitreries, puis infiniment sensible et solitaire dans Petit éloge de la nuit au théâtre, pour cette fois Pierre Richard raconte une histoire sans parole, à nouveau seul en scène. 

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Quadrillé de barres métalliques, le décor graphique de la scène de Chaillot revendique une nouvelle fois toute sa contemporanéité. Ici, la danse avance, vigilante aux mouvances de l’art de la chorégraphie sans jamais ignorer la création made in France, bien au contraire. Thierry Malandain fait partie de ce formidable élan, il vient d’ailleurs d’être nommé à l’Académie des Beaux-Arts, section chorégraphique, aux côtés de Blanca Li et Angelin Prejlocaj. En 2017, le ballet Noé avait reçu le prix de la « meilleure compagnie » par l’Association professionnelle de la critique de théâtre, de musique et de danse. A cette époque La Messa di Gloria de Rossini avait guidé l’inspiration du chorégraphe, pour cette fois Beethoven est le grand inspirateur,  la Symphonie n°6 en fa majeur, opus 68, dite La Pastorale, composée entre 1805 et 1808, est l’occasion de fêter le 250^ème anniversaire de la naissance de l’inventeur du romantisme.

Avant son retour à la Gare du Midi de Biarritz, les 28 et 29 décembre prochains, et la création mondiale à l’Opéra de Bonn le 23 décembre, La Pastorale est en avant-premières exceptionnelles à Chaillot. Les vingt-deux danseurs du Ballet de Biarritz se sont frayés un chemin, dans un Paris pollué, vrombissant et klaxonnant, pour montrer toute l’expressivité esthétique de la nature.

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La profondeur des murs ocres du Théâtre des Bouffes du Nord transporte immédiatement à Venise, on imaginerait presque les reflets ondoyants de l’eau sur les façades des palais... Au 18ème siècle, les fêtes du Carnaval se succèdent sur plusieurs mois, entre Épiphanie et Carême, cette exubérance mondaine tente de dissimuler les conflits qui ensanglantent l’Europe. La Sérénissime qui orne les rives de la mer Adriatique lutte contre le déclin qui s’avance, ses faiblesses commerciales et politiques s’oublient derrière les masques.

En 1761, Carlo Goldoni (cf. Les Jumeaux vénitiens) s’apprête à quitter Venise, Paris le réclame pour la Comédie-Italienne, il écrit une dernière pièce « Une des dernières soirées de Carnaval », une lettre d’adieu, quasi autobiographique, à la cité lacustre.

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