Le nom de l'auteure de la pièce, « Le Quai de Ouistreham » qui se joue actuellement au Théâtre 14, n’est étranger à personne. La journaliste Florence Aubenas a couvert le Procès d’Outreau pour le journal Libération en 2004, elle avait fait part de ses doutes sur la réelle culpabilité des prévenus. L’année suivante, à chaque entrée du journal télévisé pendant plusieurs mois, le nom de Florence Aubenas a été répété, le sien et celui de son fixeur Hussein Hanoun al-Saadi. Otage en Irak pour 157 jours de détention, elle a été enlevée alors qu’elle était en reportage sur les réfugiés de Falloujah.

Quatre ans plus tard, en 2009, Florence Aubenas quitte pour quelques mois le microcosme ouaté des rédactions des grands journaux pour réaliser un reportage en totale immersion au cœur de « la crise ». Elle choisit la ville de Caen, elle loue un meublé, fait l’acquisition d’une voiture d’occasion qu’elle nomme « son tracteur », et se met en quête d’un travail. A cette époque où Pôle emploi s’apelle encore l’ANPE, elle se présente avec un bac littéraire en poche, déclare être divorcée et ne pas avoir travaillé pendant vingt ans, son ex-mari subvenant à ses besoins pendant toutes ces années. Cette expérience durera près de six mois et sera l’origine d’un succès littéraire paru en 2010 aux éditions de l’Olivier. Transformé en cinq épisodes radiophoniques sur France Culture, le récit est projeté sur les planches, dans une mise en scène de Louise Vignaud au Théâtre des Clochards Célestes à Lyon en 2018, et aujourd'hui au Théâtre 14 à Paris jusqu’au 14 mars 2020.  

Son objectif est d'obtenir un CDI, elle dit qu’elle s’arrêtera juste avant la signature du contrat, pour ne pas risquer d’occuper un emploi utile à une autre. Quand Florence Aubenas se glisse dans le personnage qu’elle a créé, la journaliste choisi d’enquêter dans les conditions du réel par le prisme de l’expérience. Florence Aubenas accumule les petits boulots avant de décrocher un emploi de technicienne de surface sur les ferries entre Caen et Portsmouth. L’auteure-actrice brosse les visages de ces héroïnes qui travaillent avant le lever du soleil ou juste après qu’il se soit couché. De ses os et de ses muscles rompus aux rudes taches du ménage, de la longueur disproportionnée des transports, de la fatigue psychologique et ce manque de reconnaissance assaisonné d'un salaire minable jusqu’à la fierté du travail bien fait, tout s’imprime dans la chair de l’auteure avant qu’il soit recraché sur le papier. A l’ANPE et à l'agence d’interim, elle a été prévenue, cette profession exigera bientôt « une formation très spécifique », elle a de « la chance » car son profil est « à haut risque » (celui de ne jamais trouver du travail)…

A aucun moment, la journaliste-enquêtrice ne verse dans le misérabilisme. Pas de pathos. Juste la vérité. C’est une succession de portraits de femmes transcendées par la précarité de l’emploi et sublimées par la pénibilité de leur travail. Débusquant la crasse, soulevant la poussière, frottant les tâches et ramassant les détritus de ceux qui les dédaignent - ceux qu’elles ne jugent même pas - ces femmes et ces quelques hommes (il y en a peu pour ce travail), dépassent leur dégout pour attacher beaucoup d’importance au bon accomplissement de leur mission. Elles se challengent, s’encouragent, se défient parfois et se soutiennent toujours. La journaliste s’applique à se tenir au plus près de la réalité en adoptant un style d’une grande sobriété, pourtant ce dépouillement de toutes méthodes fictionnelles n’empêche pas l’expression d’une magnifique humanité, souvent tendre.

Sur scène, la comédienne Magali Bonnat interprète le rôle de Florence Aubenas et à la fois toute une galerie de personnages attachants rencontrés au cours de cette expérience. Son jeu est tenu, essentiel et sec, comme la plume de l’auteure. Dans un espace presque vide, la comédienne déplace sa fine stature entre une chaise et un tableau blanc, les deux éléments semblent entretenir un dialogue de sourd. La chaise semble incarner une solitude infinie, comme abandonnée au bord d'une route. Le paperboard, illisible, support insensé, énonce la vie telle qu’elle doit être : indiquant des directions à prendre pour ceux qui ne savent plus où aller, soulignant par deux fois des injonctions pour ceux qui ne savent plus quoi penser, et encerclant des mots pour ceux qui ne savent plus quoi dire… Au rythme de l’avancée du récit, le corps de la comédienne, d’abord conquérant, décidé à en découdre avec « la crise », semble se courber peu à peu, très légèrement, un corps accablé dont les membres paraissent se dessécher. Ce changement d’attitude est délicat, extrêmement mesuré, on devine la fine perception de la metteure en scène Louise Vignaud.

Cet admirable théâtre-politique est donc né de trois femmes. Des femmes qui ne s’embarrassent pas de jugements sans retenus en d’improbables tribunaux pour délier la parole de celles qui n’ont pas droit au chapitre. Militantes peut-être sans le savoir mais certainement conscientes que leurs métiers et leurs talents sont de formidables vecteurs de transmission, elles permettent de faire entendre ces voix ignorées avec un exceptionnel souci de justesse. A la croisée de l’enquête journalistique et de l’œuvre artistique, « Le Quai de Ouistreham » au Théâtre 14 est un moment rare de dignité et d’humanité, plus que nécessaire.

Une adaptation cinématographique éponyme signée Emmanuel Carrère est attendue cette année, avec Juliette Binoche dans le rôle-titre, et une pléiade de comédiens non-professionnels. A suivre.

Laurence Caron

Photo  Rémi Blasquez

Un seul acte, efficace et foudroyant.

Huis clos écrit par Jean-Paul Sartre en 1943 est une claque, née de l’existentialisme sartrien, qui atteint sa cible avec une exactitude bouleversante et une puissance indiscutable, raisons pour lesquelles cette pièce est celle la plus jouée de toute l’œuvre théâtrale de Sartre.

« Vivre les yeux ouverts » Sous une lumière crue et implacable, Inès, Estelle et Garcin, sont enfermés dans un espace triangulaire scindé par des parois abruptes, les bords semblent tranchants… enfin, rien de tel en vérité, c’est l'effet que j'ai conservé en mémoire. Pour découvrir les éléments du décor, principalement trois canapés démodés et ordinaires, des bâches de plastique froissé sont soulevées, de celles qu’on utilise pour abriter le bois de la pluie ou pour déplacer un corps. L’imagination galope et l’attention saisit avec avidité et une infinie concentration chacun des mots projetés par la pensée philosophique de Sartre. Au centre, une porte rouge évoque un ailleurs, inconnu. Aucune échappatoire possible, pas de livre, pas de nuit, pas de miroir, même les paupières des protagonistes aux destins violents ne peuvent se fermer. Les trois êtres se révèlent monstres, somme toute des monstres terriblement humains.

Parce que « L’enfer, c’est les autres » Les regards et voix du trio, à tour de rôle, deviennent bourreaux, juges, accusateurs, à moins qu’ils soient les échos de consciences... Enfin, comprenons-nous bien, il n’y a rien de compliqué, l’intelligence de Sartre est d’une clarté et d’une lucidité fulgurante. En l’occurrence, ce Huis clos est si bien interprété et si bien mis en scène que tout transparait, clair comme de l’eau de roche. A cet effet, Jean-Louis Benoît, le metteur en scène a formidablement bien saisi la dimension intemporelle et le tranchant radical de la pensée de Sartre. Il fait vivre ces personnages avec un naturel déconcertant et il a le chic pour valoriser ses interprètes autant que le texte. Un texte dont Marianne Basler, Mathilde Charbonneaux et Maxime d’Aboville livrent une version infiniment respectueuse, aucun mot, aucune virgule, aucun silence n’échappent à la vigilance du public, conquis et passionné, totalement abandonné à son sort.

La porte rouge ne sera pas franchie, par personne, même quand il sera possible de l’ouvrir : à jamais les personnages (mais peut-être aussi le public) sont coincés en enfer, parce qu’au final il est quand même mieux de demeurer ensemble. Ce Pandémonium dont Sartre se délecte, il le décrit sans feu, ni tortures physiques, bien ironiquement d’ailleurs, presque avec humour, il prend un malin plaisir à noter la température élevée de l’atmosphère... La vérité et la liberté sont bien embarrassantes, elles nous apprennent l’importance de l’autre sans qui peu de choses sont possibles. A un moment de notre histoire où apprendre à vivre ensemble n’a jamais été aussi difficile, Huis clos au Théâtre de l’Atelier marque un arrêt indispensable !

Laurence Caron

En un élan, le public se soulève, les gradins de Chaillot grondent, des cris, bravos et hourras, s’ajoutent aux applaudissements. Enfin ! Enfin ! Du neuf !

Comme son titre l’évoque, il est question de planète, la Terre et les matières minérales qui la composent, palpables, le quartz, l’argile ou le calcaire. Les entrailles de cette Terre dont nous nous extirpons pour naître, et dans laquelle on nous enterre ou bien on y mêle nos cendres pour disparaître. Une terre sombre et brillante, douce et rugueuse, créatrice et destructrice, inspirante et expirante. L’esthétique créatif du plasticien Kohei Nawa et la puissante chorégraphie de Damien Jalet se fondent en un seul et même désir. Énergique, radical, il est question de spectacle véritable comme on en voit peu. La formidable musique de Tim Hecker, électronique et humaine, infuse un liant qui va de soi entre visible et invisible. Les corps se tordent, se plient, chahutés par les caprices du temps celui du ciel ou des horloges.

Les interprètes athlétiques, sculpturaux, ne se laissent pas impressionner, ces hommes et femmes du genre humain pourraient aussi incarner des dieux et déesses de l’Olympe. La performance est impressionnante, les artistes révèlent une danse intense qui fait oublier totalement les contraintes anguleuses du corps pour rejoindre les courbes naturelles et élémentaires de la nature. Qu’il s’agisse du déferlement des vagues ou de la course des nuages, la vie s’inscrit dans un mouvement constant. Notre galaxie navigue à plus de 2 millions de kilomètres par heure, une vitesse et une force qui puisent très certainement ses ressources dans les mêmes origines que l’art, c’est en tout cas ce qui est prouvé ce soir-là à Chaillot.

Il est aujourd’hui temps de retrouver la définition même du spectacle : un monde qui va au-delà, la vie en somme mais en mieux. Un moment où il ne faut pas chercher à percer les mystères, mais où il est recommandé d’éveiller les sens, afin, à coup sûr, d’inscrire dans tout son corps et dans ce qui l’anime, un souvenir pour la vie. Cette création mondiale est un événement immanquable, installée jusqu'au 30 septembre à Chaillot, puis en tournée.

Laurence Caron

En tournée : Amsterdam, International Theater Amsterdam 7 et 8 octobre 2021  ; Rouen, Opéra de Rouen Normandie 13 octobre 2021 ; Sankt Pölten, Festspielhaus St. Pölten 4 décembre 2021 -; Cannes, Palais des Festivals et des Congrès 11 décembre 2021 ; Rennes, Théâtre National de Bretagne 12 au 15 janvier 2022; Taipei, National Performing Arts Center - National Theater and Concert 25 au 27 mars 2022 ; Kyoto, ROHM Theatre 28 et 29 avril 2022  ; Tokyo, Tokyo Metropolitan Theatre 4 au 6 mai 2022  ; Hong Kong, Kwai Tsaing Theatre 27 et 28 mai 2022.

Et Hen prend vie… Dans une ambiance un peu eighties, jamais poupée de chiffons n’a semblé si en chairs, on sent presque le tambourinement du rythme cardiaque et le sang se précipiter dans les veines au rythme des émotions qui traversent l’être articulé, et qui nous traversent. Car s’il est question de témoigner, révéler et dénoncer même, le spectacle continue en plumes et paillettes, en cuir et dentelles, musiques et effets magiques. La révolte, souvent provocatrice pour mieux se faire entendre et pour mieux se faire comprendre, use de l’humour à en perdre haleine et flirte avec une poésie infiniment tendre à faire fondre les cœurs les plus durs, on l’espère. Pourtant à la puissance du sujet défendu et à l’importance du message politique, l’impression qui demeure est celle d’un spectacle total où musiques, costumes, lumières et créations plastiques créent un univers fantastique. Pour rejoindre l’universel, il est recommandé de se débarrasser des étiquettes. Ainsi, avant tout, la créature chimérique Hen livre une véritable leçon de tolérance et des pistes nécessaires pour atteindre la liberté. Un spectacle à voir vite, un remède indispensable - hélas toujours d'actualité - avant le 27 mai.

Laurence Caron

* HEN a reçu le Prix Spécial du Syndicat National de la Critique 2019.

Lors de cette satané crise de la COVID-19 en 2020, les artistes ont cherché des moyens d’expression, combler le vide laissé par la fermeture des salles de spectacle a été une question de survie, essentielle. Parmi eux, le chorégraphe Mehdi Kerkouche avec ses vidéos « On danse chez vous » a réuni 70 danseurs pour le plus grand plaisir des abonnés aux réseaux sociaux, tout en destinant  son action au soutien du personnel soignant. Artiste fermement ancré dans son époque, Mehdi Kerkouche passe du cinéma à la publicité, fait des allers et retours entre la mode et la musique (Angèle, Christine and The Queens, ...), enseigne la vision de son art du mouvement, va jusqu'à créer une pièce chorégraphique  (« Et si ») pour le Ballet de l’opéra national de Paris,  et lance sa compagnie de danse EMKA en 2017. Désormais installé au Centre Chorégraphique de Créteil et du Val-de-Marne, l’objectif à la fois artistique et sociale de Kerkouche est d’ouvrir la danse au plus grand nombre et de créer des interactions entre les genres.

La danse, langage universel et ouverture au monde

Jusqu’au 5 novembre 2023, dans la toujours très innovante Scala, la création 2023 de Kerkouche offre à neuf danseur.se.s de donner vie à « Portrait ». Un « Portrait » de famille, celle que l’on ne choisit pas, celle qui rassemble ou éloigne, celle que l’on fuit ou qui étouffe, enfin celle que l’on aime ou que l’on craint.

Sous la douceur du regard d’Amy Swanson, successeuse d'une centaine de chorégraphies d’Isadora Duncan, l’instant est intense, aussi poétique qu’extrêmement énergisant. La mixologie des générations et des genres est une évidence, un paysage naturel dont on ne pourra plus jamais se passer. Dans un élan commun, la musique synthétique de Lucie Antunes accueille des intentions hip hop, envolées contemporaines, déhanchés Streets-jazz, acrobaties ou tours vertigineux à la façon des derviches tourneurs. Le groupe d’un gris changeant et lumineux, aux déplacements savamment mesurés dans un cadre imaginaire, n’efface à aucun moment les individualités, l’humain est au centre du sujet fouillé par Kerkouche. A La Scala ce soir-là, la scène apparaît comme un espace de transmission, la danse dessine des émotions, des relations humaines, des fusions évidemment artistiques mais aussi sociales et spirituelles. La chanson nostalgique d’Elton John (Curtains) émeut toujours autant avant de laisser la place à un final où la joie de danser de EMKA est si contagieuse qu’il est impossible d’y résister, le public semble hésiter à quitter le noir de la salle pour rejoindre les artistes sur scène. Et pourquoi pas ? N’est-il pas, plus que jamais, le temps de rappeler que We are Family *?

LC

• We Are Family -  Siester Sledge, 1979 USA.
• Photo Julien Benhamou.

Avant de lire quoique ce soit, je préfère voir et entendre, avec toujours le secret espoir d’être surprise. Il y a des théâtres pour lesquels on se trompe rarement ou les programmations sont justes, respirant l’air du temps, parfois audacieuses, et où un niveau de qualité demeure, c’est le cas du Théâtre 14. Anne Kessler ouvre la saison, le théâtre de la Porte de Vanves peut se vanter d’avoir fait venir une Sociétaire de la Comédie française jusqu’à lui.

Anne Kessler est seule en scène, enfin pas tout à fait, elle a invité sur les planches Armande, Arsinoé, Célimène, Elvire, et autres figures féminines créées par Molière. Étonnement, Anne Kessler n’a joué aucune de ces femmes au cours de sa carrière, elle les aborde donc avec une fraicheur incontestable et une précision de jeu endémique à ceux et celles issus de l’illustre maison de la place Colette. Artiste complète, Anne Kessler fait aussi la mise en scène, ce n'est pas son coup d’essai, je me souviens parfaitement Des fleurs pour Algernon au Théâtre Hébertot, ce fut un moment de grâce incomparable… Pour « Ex-traits de femmes » qu’elle présente avec une simplicité presque enfantine, la comédienne s’est composée un écrin à l’aide de ses dessins projetés en fond de décor, de fleurs parsemées, d’un costume aérien et d’accessoires choisis. L’ensemble est un ravissement, poétique, drôle et souvent incisif, une ode à la féminité et au génie de Molière décidément increvable et moderne à jamais. Anne Kessler est une acrobate, elle virevolte d’un rôle à l’autre avec une parfaite aisance, ajoutant à son jeu des inventions malicieuses, elle a le génie du clown et la passion de la tragédienne. Ces « Ex-traits de femmes » ont le parfum d’un été sans fin, en une heure de temps, les femmes de Molière sont brossées là avec la même vivacité que le coup de crayon des esquisses réalisées par Anne Kessler, on en voudrait encore, encore et encore !

LC

(Crédit photo Christophe Raynaud de Lage)

Néoclassique. C’est le terme utilisé pour définir la danse du chorégraphe tchèque Jiří Kylián, pourtant ce qualificatif semble réducteur pour décrire le don particulier du Maître à réduire l’espace entre le rêve et la réalité. Créant le succès de l’une des plus grandes compagnies de danse contemporaine du monde, le Nederlands Dans Theater à la Haye - pendant plus de vingt ans - Jiří Kylián a conservé un attachement particulier à la France, à nouveau sur la scène de l’Opéra Garnier, il démontre, à 76 ans, une éternelle jeunesse grâce à l’incontestable renouvellement de son génie créatif.

Dans ce nouveau programme, le Ballet de l’Opéra de Paris est au meilleur de sa forme, les quatre pièces chorégraphiques choisis sont à la hauteur de la grande Maison et offrent aux danseurs l’espace d’expression nécessaire à leur travail et à leurs talents. Lumières soignées, costumes élégants, théâtralisation du récit, effets de décors spectaculaires, justesse de la création et des choix musicaux, la sophistication est extrême, aucun détail n’échappe à la vison de l’artiste, comme pour cette danse qui dessine chacune des intentions avec une vertigineuse délicatesse.

Pour une fois, on ne fera pas la moue en découvrant que le musique est enregistrée, inscrite dans son ADN elle demeure essentielle pour Kylián, et les danseurs de l’Opéra de Paris s’y accordent avec virtuosité. Une vague de beauté submerge Garnier, l’émotion est palpable, des soupirs d’émerveillement se font entendre, tout cela n’avait pas été ressenti ici depuis longtemps…

John Cage et Anton Webern se côtoient sans nullement se gêner dans Stepping Stones déjà entrée au répertoire du Ballet en 2001, puis ce sont trois pièces qui entrent au répertoire : la poétique Petite Mort (création en 1991), la puissante Gods and Dogs (création en 2008), et l’hilarante et adorable Sechs Tänze (création en 1991). Pour ce programme bien construit et joyeux, les distributions des danseurs bougent, cela a peu d’importance, la compagnie de l’Opéra est merveilleuse dans son entier ; pourtant, ce soir-là, on s’arrêtera sur la grâce d’Hannah O’Neill dans Stepping Stones et à l’apparition quasi surnaturelle de Bleuenn Battistoni dans Petite Mort, et puis à l’ensemble des garçons du corps de ballet qui – désolée pour la distinction de genre – affiche une danse puissante et d’une extrême précision. Bref, loin du bruit et de la fureur de notre monde, soyez assurés que la féerie des fêtes de fin d’année a commencé, et c’est à Garnier que les artistes se chargent de la faire partager.

photo / Stepping Stones de Jiří Kylián (saison 23/24) - Hannah O'Neill, Hugo Marchand© Ann Ray / OnP

Soir de première, la salle est comble, le public semble déjà enthousiaste. Le plateau dépouillé de ses artifices n'a jamais paru aussi grand. Alexis Sequera, comédien-danseur, accueille le public, il apostrophe gentiment les spectateurs, un brin cynique, parfois insolent, ses interventions déboussolent un peu, tous sont venus voir de la danse et pas autre chose, le public français a des codes bien établis. Notre hôte monte sur une chaise très haute, une structure tubulaire de piscine, pour annoncer le thème du show: « une compétition de natation ». Soit. En matière de danse, on en a vu d’autres, on s’attend à tout et si possible à encore plus. La musique de Ravel et son Boléro (culte) entame ses premières notes, difficile de ne pas frémir, le choix est drôlement gonflé ! Et pourtant, les froncements de sourcils s’effacent, le rire et l’étonnement emportent la partie, c’est une réussite. 

« Le grand sot » a franchi Paris, de la Villette (en 2021) jusqu’à La Scala aujourd’hui, Marion Motin a trouvé ici un espace qui lui convient. Pourtant, sa récente création pour le Ballet de l’Opéra de Paris s’était avérée un peu maigrichonne, malgré les effets souhaités et la majesté du corps de Ballet, la sauce n’avait pas pris... A chacun son univers, c’est bien différent à La Scala. Toujours à l’écoute du monde et de ceux qui le font, la salle parisienne drapée de son beau bleu profond a la très bonne idée de ponctuer sa programmation de pièces chorégraphiques en convoquant des artistes inscrits dans l’air du temps (récemment, le somptueux Portrait de Mehdi Kerkouche qui revient en février 2024). C’est le cas de Marion Motin, elle nous prouve à quel point le spectacle est capable de montrer le meilleur de nous-même. Parce que ses danseurs nous ressemblent, ils sont de toutes sortes avec pour point commun une énergie dans leur danse et un réel sens de la comédie. Les mouvements brefs, d’une apparente simplicité -inspirés du hip-hop mais ça on le savait déjà- s’inscrivent dans une géométrie finalement très complexe, les déplacements du groupe sont si puissants qu’ils en deviennent lyriques. Les huit artistes affichent de fortes personnalités tout en se fondant à l’unisson dans l’écriture chorégraphique de Marion Motin. On reconnaît la signature de la chorégraphe sur plusieurs attitudes et intentions, c’est une empreinte forte qui laisse songeur d’ailleurs, la conquête de la danse de Marion Motin -inscritent sur les scènes pop-rock, clips ou films- est allée vite, très vite. En 2015, sur le clip de « Christine and The Queens », cela a été une évidence qui a certainement contribué au succès de la chanteuse, comme cette même année pour la chorégraphie de la comédie musicale « Résiste » au Palais des Sports où les danseurs ont redonné vie à la musique de Michel Berger. Depuis, Marion Motin continue à être au générique des plus grands. En fait, il faut se souvenir de la découverte du clip « Thriller » de Mickael Jackson, retenir cette excitation communicative et cette théâtralité, car il y a un peu de ça dans « Le grand sot ».

La fameuse éloquence des maîtres du barreau ! Ce mélange de passion et de compassion, ce sens de la critique aiguisé et cette capacité de jugement au service du droit, transforment souvent une audience en un véritable spectacle. Inspiré, combatif et engagé, Richard Berry a choisi de faire revivre quatre plaidoiries marquantes de l’histoire du XXe siècle, des thèmes qui s’inscrivent encore très fortement dans l’actualité de ce premier quart du 21^ème siècle. « L‘audience est ouverte » au Théâtre de la Michodière, jusqu’au 14 avril et bientôt en tournée, est un seul en scène mais pas uniquement, Richard Berry est accompagné par une ingénieuse illustration d’images issues d’archives, des choix intelligents mis en scène par Eric Théobald.

L’Affaire Dreyfus ouvre le spectacle, impossible de ne pas commencer par rappeler l'évènement qui a bouleversé la société française lors de son saut du 19^ème au 20^ème  siècle. Le capitaine et polytechnicien Alfred Dreyfus est accusé d’avoir livré aux Allemands des documents secrets, il est condamné au bagne à perpétuité pour trahison. Scandalisé, le 13 janvier 1898, Émile Zola publie, en une de l’Aurore, une lettre ouverte au Président Félix Faure. Titré « J’Accuse ! », l’article cite ceux qui ont comploté contre Dreyfus. La fureur de l’écrivain créé un bruit assourdissant, la France se divise, l’ignominie de l’antisémitisme se montre… Aussitôt une plainte pour diffamation envers l’autorité publique est déposée, Maître Fernand Labori (interprété par Richard Berry) prend la défense de Zola dont l’acte dit-il est «  révolutionnaire » !

Autre affaire dont le retentissement se faire encore (et aussi) entendre, puisque le projet de loi sur la fin de vie sera débattue dès le 27 mai prochain au Parlement, Richard Berry est Maître Dupin, avocat du docteur Bonnemaison. C’était il y a dix ans aux Assises de Pau, l’accusé encourt la prison à perpétuité. En 2011, il a administré du curare à sept personnes âgées au Centre hospitalier de Bayonne. Maître Dupin invoque l’humanité dont a fait preuve le docteur Bonnemaison et fait valoir la loi Claeys-Leonetti qui renforce le droit d’accès aux soins palliatifs. Le débat est poignant, sans contexte Bonnemaison fait figure de héros…

Le 27 janvier 1998, lors du concours international de plaidoiries, le texte de Félix Molteni éveille la réflexion. Le délit de solidarité vise à condamner les passeurs et trafiquants d’êtres humains, ou comment la loi - croyant bien faire - engage des poursuites contre ceux qui sont venus en aide à des personnes étrangères en situation irrégulière en France. Sincère, souvent drôle car le moment et le lieu le permettent, Félix Molteni par la voix de Richard Berry défriche un terrain sensible, là où la loi perd tout son sens et va jusqu’à écraser ce dont notre monde n’a jamais eu autant besoin : l’altruisme et ce nouvel apprentissage tant nécessaire à la survie de notre espèce "le vivre ensemble".

« Je revendique à cette barre d’être l’Avocat de la Défense, de l’Histoire et de la Mémoire, de la Vérité, de l’Avenir » Maître Jakubowicz.

1987, à la cour d’Assises du Rhône, c’est le procès de Klaus Barbie, dans la salle des pas perdus du palais de justice de Lyon, parmi les 39 avocats de la partie civile, Maître Jakubowicz participe à faire accuser le nazi pour ses crimes contre l’humanité. Richard Berry redonne corps et voix à Maitre Jakubowicz dans ce moment historique d’une intensité remarquable. Parmi les faits abominables dont Klaus Barbie est responsable, il y a la rafle des enfants d’Izieu, le 6 avril 1944. Ce jour-là, 44 enfants juifs, réfugiés dans une colonie de vacances dans l’Ain, sont déportés et exterminés à Auschwitz… 
Le public au théâtre n’est pas toujours très discipliné, il y en a toujours un qui oublie d’éteindre son portable, se dandine sur son fauteuil pour y trouver la meilleure place, hésite à garder son manteau ou à le retirer, un autre très agaçant dépiaute le papier d’un chewing-gum et celui d’à côté pianote sur le carton du programme du spectacle, tandis qu’on perçoit les toux étouffées de ceux qui ont eu du mal à soigner les sales rhumes de cet hiver trop doux. Pourtant, au moment où Richard Berry endosse la robe noire de Maître Jakubowicz, plus personne ne respire. Les trois plaidoiries précédentes ont suffi pour aplatir au fond de leur fauteuil les plus dissipés, le moment qui arrive est extrêmement douloureux. La colère est la même, toujours aussi neuve et le choc est d’une violence toujours aussi inouïe même quand on connaît déjà bien l’Histoire. Les regards des victimes rescapées, le maintien de leurs épaules droites et dignes, les voix claires qui s’élèvent dans le silence, ces questionnements qui resteront sans réponses, les images des archives du procès tirent les larmes, tant de cruauté et tant d’horreur.

Comme Richard Caillat, le directeur du Théâtre de la Michodière, le dit «  on ne sort pas indemne ». Entouré par une équipe de talents, de la scénographie à la lumière, la prestation de Richard Berry est formidable, son jeu sobre, juste, au phrasé impeccable et vibrant de passion, cependant j’ai du mal à joindre mes mains pour démarrer les applaudissements. Bouleversée. Et puis tout ce mélange, perplexe, contrariée, les questions sur la justice, les droits de l’Homme, l’antisémitisme, l’égalité,… d’infinis sujets maltraités, parfois oubliés et si difficiles. Notre monde est abreuvé d’exemples assez médiocres, heureusement un spectacle comme « L’audience est ouverte » nous rappelle qu’il y a aussi des esprits brillants et passionnés qui mettent leur intelligence au service du bien, une oxygénation de l'intellect plus que nécessaire pour traverser l'époque que nous partageons.
A voir absolument par tous.

Laurence Caron

Mise en scène : Eric Théobald
Scénographie : Antoine LE COINTE
Sound Designer : Aurélien BIANCO
Mapping Vidéo : Caroline GRASTILLEUR
Lumières : Thomas HARDMEIER
Voix Off : Pascale Louange

cd photo. Jean Moral Séance de prise de vues sur le pont du paquebot Normandie pour Harper's Bazaar, 1935 Planche contact © Brigitte Moral-Planté / Collection Nicéphore Niépce

Au pays des bons vins, du Comté, de la saucisse et des authentiques Marchés de Noël, l’enceinte du Château des ducs de Wurtemberg abrite de délicates expositions artistiques.
Sur un espace de 500 m², 150 tirages photographiques originaux et la découverte de documents d’époque, revues et magazines historiques, issus des Collections Roger-Viollet et du musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône, jalonnent une décennie de bouleversements sociaux, politiques et artistiques.

 cd.photo. Voilà n°106, 1er avril 1933 Héliogravure Collection musée Nicéphore Niépce

Les dates 1925-1935 servent de marqueur, un tournant dans l’histoire de la photographie, une accélération pétaradante entre l’exigence de la photo noir et blanc, ses ambiances claires et obscures, et la spontanéité de l’instantané, entre lamés et paillettes, et aussi parce qu’un compte rond cela fait tout de suite très « art déco ».

 "… tout ce qui travaille au développement de la culture travaille aussi contre la guerre." Lettre de Sigmund Freud à Albert Einstein, Vienne 1932. 

A Paris en 1925, l’Exposition Internationale des Arts décoratifs et industriels modernes donne le ton. L’époque sera esthétisante ou ne sera pas. Le mouvement démarré avant la Première Guerre et inspiré des arts (cubisme) inscrit ces années un peu folles dans une ère ou l’image est au centre des préoccupations, dans la rue, les transports, la mode, les habitations. A leur tour, la presse écrite et le traitement de l’information se transforment et se cristallisent autour de l’image.

cd photo. VU n°226 Boris Lipnitzki 13 juillet 1932 Héliogravure Collection musée Nicéphore Niépce

De nouvelles techniques apparaissent, dont notamment l'héliogravure (procédé de transfert d'une image sur une plaque de cuivre grâce à une gélatine photosensible) qui permet au fondateur de Vu, Lucien Vogel, d’attirer des photographes comme Brassaï, Man Ray, ou Robert Capa.

Le premier numéro de Vu voit le jour le 21 mars 1928. A cette époque les premières agences de photographes se créent, elles ont pour vocation de faire connaître, de vendre et de défendre (droits d’auteurs) le travail des photographes. Le grand format du magazine Vu (et d’autres titres comme Voilà et Regards) offre des possibilités de compositions novatrices qui révolutionnent l’esthétisme et ouvrent sur un tout nouvel univers visuel. 

La photographie s’impose jusqu’à minimiser le texte. Parfois les lignes n’apparaissent que comme des éléments référentiels, comme de petites légendes de l’image notamment sur les premières de couverture des magazines. 

Vu préfigure le magazine Life lorsque ce dernier sera racheté en 1936 par Henry Luce de l’autre côté de l’Atlantique, il inscrit définitivement le photo - journalisme comme un médium à part entière.

La scénographie de l’exposition offre de nombreux clichés notamment ceux de la photographe engagée Germaine Krull et ses thèmes récurrents : l’architecture contemporaine, le nu féminin, les vues urbaines, l’automobile, la vie sociale, la femme et la condition féminine.

"D’un seul déclic, l’objectif enregistre le monde à l’extérieur, et le photographe à l’intérieur." Germaine Krull.

Très remarquable aussi, le violoniste Boris Lipnitzki devenu photographe décrit le monde des arts et de la culture, et ses personnalités de l’époque, avec la justesse et la rigueur des ombres portées. Le concept des « people » est né. Comme un poisson dans l’eau, Lipnitzki tisse des relations amicales avec le tout-Paris, et au delà.

cd.photo. Serge Lifar (1905-1986) dans Bacchus et Ariane, Opéra de Paris, 22 mai 1931. Tirage sur papier au gélatino-bromure d’argent. Coll. Roger-Viollet / BHVP.

Jean Moral - Bal Tabarin Années 1930 Tirage sur papier au gélatino-bromure d'argent Collection musée Nicéphore Niépce 

Pendant que l’audacieux couturier Paul Poiret, dit "le magnifique", habille tout ce qui brille et se déplace avec une ribambelle de jolies demoiselles, Jean Moral décape l’univers de la mode en photographiant les mannequins dans la rue. Dans Harper’s Bazar, Jean Moral illustre le nouvel idéal féminin et devient un des pionniers de la photographie de mode sur le plan international.

"La mode se démode, le style jamais." Coco Chanel

A deux heures de Paris, à Montbéliard, le voyage ne s’arrête pas là, il se poursuit dans le temps. « 1925-1935, une décennie bouleversante » est une exposition qui remue, la traversée émouvante d’une belle époque créative, intense, dans laquelle les formes d’inspiration sont multiples. La source est intarissable et résolument indémodable. 

Laurence Caron

Sous la houlette des brillantissimes Delphine Desveaux, directrice des Collections Roger-Viollet à la Bibliothèque Historique de la Ville de Paris, et de Sylvain Besson,directeur des Collections du Musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône.

Agenda, à noter aussi : 

Louis Beurnier (1860-1917). Chroniques et héritages d’une personnalité de la Belle Époque. Jusqu’au 30 décembre 2018
au Musée d’art et d’histoire Hôtel Beurnier Rossel

Louis BEURNIER, Lettre à ses parents (aux lignes entrecroisées) datée du 20 décembre 1893. Fonds Beurnier, 1917. Archives municipales de Montbéliard. 
Cette année, la Ville de Montbéliard commémore les cent ans de l’acceptation officielle du legs du Dr Louis Beurnier, à l’origine de la création du musée d’art et d’histoire. Initialement imaginée comme un hommage biographique, cette exposition a pris, au fil des recherches, une dimension inattendue. Outre les biens mobiliers et immobiliers dont l’hôtel Beurnier-Rossel reste le fleuron, l’héritage de Louis Beurnier comporte une abondante correspondance échangée pendant trente-deux ans avec ses parents, demeurés à Montbéliard, tandis que lui prospère à Paris. Au-delà des aspects strictement intimes, les lettres révèlent un homme au cœur des bouleversements politiques et des mutations sociales et culturelles que connaît toute l’Europe au 19e siècle.
Commissariat associé :  Flora Beaumann (Archives municipales), Hélène Grimaud (Musées) et  André Bouvard (Société d’émulation de Montbéliard.)

L'exposition "Jeux de lumières" issue des collections des Musées de Montbéliard, jusqu'en janvier 2019.

Dans la pénombre d'un intérieur, une jeune femme apparait, saisie par la lumière d'une chandelle. Délaissant fuseau et rouet, les gestes en suspens, elle se détourne vers une porte entrebâillée... Plus loin dans les salles se profilent la tour du château en flamme, un canal au clair de lune, le beau Narcisse se mirant dans une fontaine ou un ruisseau en sous-bois aux teintes lumineuses. Paysages, scènes de genre, sujet mythologique et scènes religieuses se révèlent par les jeux d’une lumière changeante, naturelle ou artificielle, symbolique ou divine. Rayons, clair-obscur, effets d’ombres ou de reflets se déclinent à travers une sélection de peintures, estampes, photographies, livres et objets du 17e au 20e siècle, issus des collections des Musées de Montbéliard. Ce nouvel accrochage annuel met ainsi en regard des œuvres de Charles Weisser, Marcel Ordinaire, René Duvillier et David Hockney, des imprimés Deckherr ou encore des plaques de verre d’Étienne Oehmichen.

 Informations : Office du Tourisme de Montbéliard.

Un Russe à Paris

Depuis près de vingt ans, les américains sont fous d’Eifman, en 2004, le New York City Ballet lui commande une œuvre en hommage à Balanchine : «Musagète».  Comme un écho à ce rêve américain, à Paris, le « Up and down » de Boris Eifman est une fresque scintillante, et aussi un drame exacerbé par un romantisme dont la culture Russe n’est pas si éloignée…
En 2013, Boris Eifman racontait déjà une histoire, celle de «Rodin et son Eternelle Idole», c’était au Théâtre des Champs-Elysées. Ces jours-ci, et entre ces mêmes murs, le chorégraphe Russe propose une adaptation libre du chef-d’oeuvre de l’auteur américain F. Scott Fitzgerald « Tendre est la nuit » (1934).

En attendant de découvrir les impressions du blog sur le nouveau spectacle du Cirque Alexis Gruss "Quintessence", je vous propose de retrouver la magie du précédent spectacle entre ces lignes : 

PÉGASE ET ICARE,
LE CIRQUE ALEXIS GRUSS 

Cette petite bourgeoisie de province et son ennui caractéristique, Gustave Flaubert en connaît bien les travers pour l’avoir vécu auprès de ses parents alors que son père était chirurgien à l’Hôpital de Rouen. Ce louable ennui a fait naître un des plus grands romans du XIX^e siècle, « Madame Bovary », aujourd’hui adapté en version scénique au Poche-Montparnasse.

Ce spectacle est un délice, doux et amer à la fois : un gâteau au chocolat sucré cerné d’amandes croquantes roulées dans du pur cacao, fourni de zestes d’oranges et de citrons… parfait pour cet hiver !

Loin d’être une simple lecture, des extraits du chef-d’œuvre littéraire sont habilement choisis afin de conserver le relief puissant de la plume de Flaubert. L’auteur, Paul Emond, articule l’écrit sur une trame composée de grotesque et de tragique, il ne s’éloigne jamais de l’oscillation de départ souhaitée par Flaubert qui verse dans le romantisme ou bien dans le réalisme. Ainsi, sans jamais changer d’orientation mais en insufflant un tempo nécessaire aux jeux des comédiens et à la mise en lumières de l’espace scénique, «Madame Bovary» prend vie. Et, elle est la comédienne Sandrine Molaro, parfaite. Elle a juste ce qu’il faut de folie et d’humanité, « juste ce qu’il faut » c’est-à-dire qu’il ne faut surtout pas qu’elle en fasse de trop, ni qu’elle en fasse moins, son interprétation est un véritable exercice d’équilibriste. À ses côtés, des artistes tout à fait formidables se partagent les rôles du roman : Gilles-Vincent Kapps, Félix Kysyl (ou Paul Granier, en alternance) et David Talbot. Ils jouent et ils chantent, troubadours ou tragédiens, les interprètes sont aussi d’attentifs conteurs à la compréhension et au respect des lignes créées par Flaubert. Les intentions de jeu et les vives successions des scènes permettent à l’esprit de changer de point de vue, tour à tour, attendri, ému ou surpris à rire, les spectateurs se régalent (du gâteau).

Bref, cette « Madame Bovary » du Poche-Montparnasse nous laisse une raison de la jalouser : la provinciale fantasque n’a pas pris une ride ! Au-delà des problématiques et des quelques acquis issus des "mouvements féministes", les affres qui maltraitent Emma Bovary révèlent une critique à jamais contemporaine. Cette société du XIX^e siècle a peut-être évolué pour atteindre le XXI^e siècle, mais pas la nature humaine… Je vous laisse juge.

Laurence Caron-Spokojny

nb :  A voir aussi au Poche-Montparnasse, "Les Voisins" de Michel Vinaver

Michael Patterson-Carver, Joanie and Lisa, 2013 (détail)

Né à Chicago en 1958, Michael Patterson-Carver est un artiste autodidacte, qui a commencé par montrer ses dessins dans la rue. Durant son enfance, il est profondément marqué par des manifestations liées au Mouvement des Droits Civiques, et ces souvenirs influenceront plus tard aussi bien son engagement politique que sa démarche artistique.

D'apparence naïve, ses dessins portent un regard franc et direct sur l'actualité, et dépeignent des protestations et des mises en scène de la vie politique internationale dans une approche à la fois comique, ironique, et profondément humaine. Les sujets abordés retracent l'activisme de l'artiste pour des causes aussi diverses que la protection de l'environnement, l'injustice sociale ou la lutte contre la corruption.

Son travail a récemment été exposé à : The Museum of Everything, Paris (2012), Atlanta Contemporary Art Center (2011) ; Sorry We're Closed, Bruxelles (2011), Biennale de Belleville (2010). En 2008, il est nommé lauréat de « Altoids Award » et expose au New Museum de New York.

Galerie Laurent Godin 5, rue du grenier Saint-Lazare 75003 Paris 

Le Théâtre est une histoire d’amour qui ne cesse de se renouveler, entre les artistes et le public et bien en amont entre des théâtres et des artistes. Il faut beaucoup d’amour, de fougue, d’espoir et de passion, pour ouvrir la scène d’un théâtre à des artistes, surtout depuis que l’ère des mécènes de l’Antiquité n’est plus, un certain goût du risque en somme !

De l’amour donc et qui dure depuis 23 ans pour le Théâtre Le Funambule, la petite salle Montmartroise assume une programmation «coups de cœur» où  «… le théâtre contemporain, où le divertissement côtoie les pièces littéraires, où la fantaisie peut se marier au drame, où la parole ne fait pas obstacle au visuel ». Et cette fois-ci, le cœur de la scène du Funambule s’est ouvert à Rémi Larrousse. Le jeune artiste a déjà éprouvé son art (« Le script ») plus de 150 fois entre Paris (Théâtre Trévise) et Avignon.

Lorsqu’un comédien découvre une marionnette ancienne lui ressemblant étrangement, il comprend que cet objet lui était destiné. Il va alors explorer avec les spectateurs les étonnants pouvoirs qu'elle donne à celui qui la manipule : virtuosité soudaine, prédictions de l'avenir, lecture de pensée, calculs prodigieux. Mais à qui appartenait-elle ? Quel est le secret qu'elle cache lorsque son cœur se met à battre ? Nous embarquons dans ce voyage qui nous fera voir le monde de manière un peu moins rationnelle.

A la fois prestidigitateur, conteur et mentaliste, Rémi Larrousse est un équilibriste, inspiré par le théâtre forain, il abolit définitivement les codes qui conditionnent trop souvent les disciplines artistiques.
Entouré par Benjamin Boudou (mise en scène et co-écriture) et Sarah Bazennerye (décors), ce saltimbanque savant met en scène un mode inventif de jeu avec le public et additionne les évènements merveilleux sur un ton très proche de la commedia dell’arte.

Habile magicien, mais pas seulement, Rémi Larrousse emmène son public dans un voyage sentimental et poétique, un voyage que l’on souhaiterait sans fin. On peut alors observer, lorsque le spectacle prend fin, enfants et adultes s’avançant d’un pas aérien vers la sortie, silencieux, ils flottent, peut-être ont-ils appris à voler...
Merci de tout coeur Rémi Larrousse, je vous souhaite un très long voyage. 

Laurence Caron-Spokojny

"Qu’en est-il aujourd’hui ? Les promesses ont-elles été tenues ? Les enfants sont-ils mieux protégés ? Une chose est sûre : la CIDE a permis une prise de conscience et un changement de regard sur les enfants. Et de nombreuses avancées ont eu lieu : vous allez le constater en lisant les pages de ce livre. Mais le chemin à parcourir est encore long. Des droits sont bafoués de façon inacceptable. En France et dans le monde, nombre d’enfants sont toujours confrontés à la misère, à la guerre, à la maladie, à la malnutrition, à la maltraitance ou sont exploités au travail. L’UNICEF (Fonds des Nations unies pour l’enfance), avec d’autres organisations internationales et associations, travaille sans relâche pour améliorer la vie des enfants et faire respecter leurs droits, dans de nombreux pays, sans oublier la France. C’est avec l’UNICEF et en bénéficiant de son expérience que nous avons conçu et écrit ce livre qui a pour vocation d’établir un bilan sans concession du respect des droits de l’enfant dans le monde." 

En partenariat avec l'Unicef, à l'occasion du 25e anniversaire de la Convention internationale des droits de l'enfants, un bilan en demi-teinte sur les droits de l'enfant dans le monde, à travers des récits de vies d'enfants et des éléments documentaires.

La Convention internationale des droits de l’enfant (CIDE), texte fondateur, a été adoptée le 20 novembre 1989 par l’Assemblée générale des Nations unies. Ses 54 articles proclament clairement que l’enfant est une personne qui a droit au respect, à l’écoute et à l’attention. Le texte énonce des droits fondamentaux : alimentation, santé, éducation, protection, liberté d’expression… Les pays qui ont ratifié la Convention se sont engagés à l’appliquer et à la faire respecter sur leur territoire. Il y a 25 ans, la plupart des pays du monde ont accompli un geste historique, en s’engageant à mieux respecter les enfants et à améliorer leurs conditions de vie. En reconnaissant que ceux-ci avaient des droits spécifiques en raison de leur vulnérabilité, la communauté internationale a voulu mettre un terme à une période de plusieurs siècles durant laquelle leurs besoins étaient insuffisamment pris en compte.

Journaliste spécialisé dans la presse enfants et adolescents, concepteur de projets éditoriaux pour la jeunesse, Gérard Dhôtel a dirigé jusqu’en 2010, la rédaction du Monde des ados. Il collabore aujourd’hui au Parisien Magazine et au groupe Disney Hachette. Il est l’auteur de plusieurs ouvrages pour adolescents qui ont tous l’ambition de décrypter, de faire réfléchir. Il a publié deux ouvrages dans la collection “Ceux qui ont dit non” (Louise Michel et Victor Schoelcher) et a participé aux ouvrages collectifs Non à l’individualisme et Non à l’indifférence. Il est également l’auteur de La Révolution à petits pas ainsi que de Israël-Palestine : une terre pour deux. 

Documentaire, dès 9 ans -  Format 18 x 23,5 cm - 64 pages - 15,50 € 

En 2013, Daniel Dewar et Grégory Gicquel étaient au Palais de Tokyo pour une exposition intitulée "Jus d'orange", ils sont dès demain dans les jardins du Musée Rodin, pour ceux qui savent passer entre les gouttes...  

Ce que le Musée Rodin nous dit :

Poursuivant son dialogue avec l’art contemporain, le musée Rodin ouvre les jardins de l’hôtel Biron au duo d’artistes Dewar & Gicquel.

Collaborant depuis leur rencontre en 1997 et lauréats ensemble du prix Marcel Duchamp 2012, ils explorent une voie très expérimentale entre érudition et amateurisme, relecture de l’histoire de l’art et mise en avant de savoir-faire artisanaux.

Dix sculptures en béton de grandes dimensions ont été conçues et réalisées spécialement pour l’exposition. Modelées, moulées et assemblées par les artistes selon les techniques traditionnelles de la sculpture, ces œuvres sont autonomes bien que formant une unité. Elles représentent des fragments de corps nus, certains en ronde-bosse et d’autres plus architecturaux, corps d’athlètes ou de lutteurs dont la monumentalité n’exclut ni le port de vêtements familiers ni la présence plus incongrue d’éléments de salle de bains.

S’inscrivant dans le contexte du musée et dans le fil d’une pratique déjà développée par les artistes autour de l’image et de la sculpture, une telle production renvoie à l’œuvre de Rodin, «un point de départ pour nous permettre de travailler une technique particulière, le moulage, comme étape majeure du processus sculptural»1. Mais à la différence de Rodin, Dewar & Gicquel, en plus d’assurer eux-mêmes chaque étape de la fabrication, détruisent les moules après usage afin de limiter leur production à un seul et unique tirage. Une façon bien à eux de se positionner aujourd’hui face à la question de la reproductibilité.

Le titre de l’exposition et des œuvres sont à lire comme une référence au Salon de la Jeune Sculpture régulièrement organisé au musée Rodin de l’après-guerre aux années 60.

L'entrée dans les jardins est à 2 euros.

... Des clichés célèbres comme John Lennon et Yoko Ono enlacés dans une dernière étreinte côtoient des portraits rarement publiés, parfois même inédits. Ses photos sont à la fois intimes et iconiques. Souvent imitée mais jamais égalée, Leibovitz multiplie les genres dans un style qui n’appartient qu’à elle. Célèbre pour ses portraits de groupe, elle les présente pour la première fois dans un format qui permet de les apprécier à leur juste valeur, la confirmant comme le maître incontesté du genre.

(Annie Leibovitz et Quincy Jones)
   

Le recueil de Leibovitz s’ouvre sur l’image en noir et blanc de l’hélicoptère de Richard Nixon décollant de la Maison Blanche après sa démission en 1974, suivie du portrait officiel de la Reine Élisabeth II dans un salon du Palais de Buckingham en 2007. Au fil des pages, les portraits d’acteurs, danseurs, comédiens, musiciens, artistes, écrivains, journalistes, athlètes et hommes d’affaires dessinent l’album de famille de notre temps où performance et pouvoir résonnent en écho comme les thèmes récurrents. Un livre complémentaire contient un essai écrit par Annie Leibovitz, Graydon Carter, Paul Roth et Hans Ulrich Obrist, ainsi que des notes explicatives sur chacune des 250 photos.

L’humour c’était lui, aux côtés de Desproges et Coluche, avant que les boxes numériques et paraboles ne succèdent aux antennes-râteau. A la radio aussi, le rythme particulier de sa voix était familier. Mon père finissait ses fins de phrases et ma grand-mère disait de lui qu’il était un génie. Plus tard, alors que je l’avais manqué sur scène, j’ai eu la chance de le rencontrer dans les coulisses du Théâtre Trévise. Ces quelques minutes se sont transformées en un souvenir unique, un trésor. Alors, si vous considérez qu’il est assez ordinaire de porter sa voiture en bandoulière ou de rire avec ses muscles fessiers, rendez vous à La Scala. Dans J’ai des doutes, le comédien François Morel rend un hommage formidable à Raymond Devos.

- Être raisonnable en toutes circonstances ? Il faudrait être fou..  » ²

François Morel et Raymond Devos sont des artistes complets, même si le premier déclare (très humblement) ne savoir jongler qu’avec des mots. Et puis, il sont généreux. Ce petit truc en plus, impalpable, des confidences muettes ou des regards qui semblent ne s’adresser qu’à vous…

Raymond Devos a eu l’envie de se découvrir au public en observant d’abord le cirque ; le spectacle ultime, parfait, celui qui lie nombre de disciplines sans se soucier des étiquettes. Le clown génial a débuté dans des cabarets, ceux qui voisinaient avec les caves de jazz. Magistral autodidacte, poète des mots, acrobate de la langue française, il a aussi frotté son archet sur les dents de sa scie musicale, fait chanter sa trompette ou les touches du piano. Tout en s’inspirant de Marcel Aymé ou de Boris Vian, il a même été un équilibriste sur monocycle et un prestidigitateur, cela en tutoyant un autre Raymond, l’illustrateur ludique et surréaliste de la langue française du 20ème siècle, Raymond Queneau. Puis, ce fut les grandes scènes, les tournées et les plateaux de télévision, les programmateurs des émissions et des numéros spéciaux des grandes heures de la télévision français se sont disputés la vedette, irremplaçable.

- Une fois rien, c'est rien ; deux fois rien, ce n'est pas beaucoup, mais pour trois fois rien, on peut déjà s’acheter quelque chose, et pour pas cher. »²

La très astucieuse productrice Jeanine Roze a eu l’idée de ce spectacle. L’initiatrice des Concerts du dimanche matin au Théâtre des Champs-Elysées, qui fêtent leurs 45 ans d’existence cette année, a proposé à François Morel de s'immerger dans l'oeuvre de Raymond Devos. Sur le même principe, Jean Rochefort s’était lui attaché, admirablement bien, à  Fernand Raynaud (qui croisait aussi Erik Satie) dans le spectacle « Heureux » en 2004 avec la complicité musicale de Bruno Fontaine.

De ce voyage en Absurdie, François Morel en connaît le tracé et toutes les étapes, il chante, il saute et danse avec aisance, une véritable performance dans laquelle l'élève rejoint le maître. Si j’étais un critique - versus sortie de la Comédie Française - j’affirmerais haut et fort : « Il y a du Molière-comédien dans le jeu de Morel ! ». Le héros du 3615 Code QUINENVEUT, pour les jeunes qui n'en veut des emplois des Deschiens¹ a, dans sa façon de mimer les personnages et de rythmer les situations, un véritable don pour l’invention dramatique. François Morel est au summum de son art, il ne craint pas les esquisses de la langue, quasi expérimentales, façonnées par Devos. Comme lui, il est un beau parleur au sens littéral du terme, il distille une langue savante et piquante et il sait se faire écouter et se faire comprendre de tous. D’ailleurs, ses chroniques du vendredi, Le billet de François Morel, sur France Inter battent des records de podcast.

Valsant de piano en piano, le musicien Antoine Sahler (en alternance avec Romain Lemire), camarade de scène de François Morel depuis plus de dix ans, construit délicatement quelques remparts musicaux pour cadrer la bête de scène. Les deux compères s’en donnent à cœur joie, le déchainement de tendresse et d’humour qui se déverse sur le plateau de La Scala secoue le public de rires ou laisse échapper de profonds soupirs. Car en effet, c’est bien du cœur dont il s’agit, celui dont la pulsion insuffle intelligence et créativité à l’esprit. La maîtrise exacte des techniques dramatiques et musicales, de la diction à l’improvisation, sont si largement dépassées qu’une atmosphère magique s’en dégage, mystique peut-être.

Raymond Devos est là, pourtant c’est à peine s’il a été imité. De sa stature chaleureuse, il a glissé son bras sous celui de François Morel, puis, de son regard malin, il a invité le public à chanter Je hais les haies. C’est une apothéose, un spectacle qui laisse sens dessus-dessous… 

Laurence Caron 

1. Série télévisée 1993/2002 créée sur Canal+.
2. Citations Raymond Devos.

Photo M_Toussaint.

 « C’est aujourd’hui que je vous aime » (Éditions du Sonneur) et « Je n’ai encore rien dit » (Éditions Denoël), de François Morel sont des lectures recommandées ainsi que toutes les vidéos et enregistrements existants, connus ou inconnus à ce jour, extraits d’émissions télévisées, radiodiffusés ou de spectacles, avec Raymond Devos.

Vous nous avez dit : « faites l’amour pas la guerre. » Nous avons fait l’amour, pourquoi l’amour nous fait-il la guerre ? Maurice Béjart.

La question est posée. Le chorégraphe choisit de lever le voile, voile blanc tel un linceul, jeté sur ce fléau hypocrite, fourbe et impitoyable qui a marqué une trop longue époque (non révolue), dévasté des générations et emporté avec lui, de façon définitive, toute la candeur du miracle de l’amour. Jorge Donn, star de la danse, et, Freddie Mercury, star du rock. Idoles idolâtres dont les carrières sont fauchées en plein vol par la maladie, ils ont 45 ans chacun, seulement. En 1991, Jorge Donn quitte ce monde ; un an plus tard Freddie Mercury déclare être porteur du VIH, il décède le lendemain.

Dans son chalet, au dessus du lac Leman, Maurice Béjart est frappé par la photo qui orne la pochette de l’album posthume de Freddie Mercury, il s’agit de la même vue du lac qui s’étend face à lui… 

Le Maître du Ballet contemporain s’abreuve de vidéos, il se délecte autant de la musique (symphonique) de Queen que du jeu de scène (exceptionnel) de Freddie Mercury. Maurice Béjart détecte une  « correspondance » ou plutôt des « correspondances », c’est ainsi que le créateur sensible désigne l’impalpable, ces liens qui se tissent entre les êtres, les choses ou les univers. Symboliquement, Freddie Mercury et Jorge Donn sont réunis sur scène sans toutefois véritablement se rencontrer, pour un ballet, pas uniquement sur le Sida « mais sur les gens qui sont morts jeunes » (Maurice Béjart).

Versace crée les costumes, ce sont des étoffes graphiques, sombres ou colorées, elles épousent les corps comme collées au plus prés de la peau. En 1996, le ballet au titre énigmatique* « Le Presbytère n’a rien perdu de son charme, ni le jardin de son éclat » prend vie, une vie qui témoigne, une vie qui palpite, selon Maurice Béjart « ce ballet sur la jeunesse et l’espoir puisque, indécrottable optimiste, je crois aussi malgré tout que The show must go on, comme le chante Queen ».

Le Béjart Ballet Lausanne est en forme !
Fils spirituel et artistique, résolument fidèle au génie de Maurice Béjart, Gil Roman est à la hauteur de la mission qui lui a été confiée, la direction du Béjart Ballet Lausanne et de son répertoire sont tenus par des mains habiles, d’une grande intelligence artistique. La compagnie de Maurice Béjart semble épanouie, les danseurs sont toujours aussi puissants et les danseuses n’ont jamais été aussi belles et déterminées.
De Mozart à Queen, la danse s’offre la liberté, celle de gommer les frontières et d’unir les Hommes, de dessiner l’amour et l’humour en un même trait. Le geste est là, indemne. Voir un ballet de Béjart aujourd’hui est comme une cure de Jouvence, un retour aux fondamentaux. L’évidence du geste est totalement détoxifiante, une renaissance cellulaire s’opère. Puis, l'émotion engloutie toutes formes de sens critique, le comble semble atteint lors du salut final lorsque Gil Roman entraîne avec lui ses danseurs dans une marche mesurée, une vague pure, forte… A pleurer de beauté, ce que j'ai fait.

Là où on apprend que l’éternité n’est pas du domaine de la Science mais bien du domaine de l’Art…
Plus fort que la maladie, et au delà même, plus fort que la mort, les merveilleux Jorge Donn et Freddie Mercury sont toujours là. Par les enregistrements et autres traces argentiques et magnétiques, les artistes poursuivent une sorte de survivance devenue numérique. Pour Jorge Donn et Freddie Mercury, Maurice Béjart crée autre chose, une sorte d’incarnation, je ne souhaite pas employer le terme de « réincarnation » tant la portée spirituelle du mot pourrait tenter à bien d’autre interprétations. Pour conclure, j'invoque une « correspondance », une citation du père de Maurice Béjart, le philosophe Gaston Berger : « Demain ne sera pas comme hier. Il sera nouveau et il dépendra de nous. Il est moins à découvrir qu'à inventer". 

Laurence Caron

*Le titre Le Presbytère n’a rien perdu de son charme, ni le jardin de son éclat » est emprunté au mot de passe du personnage de Rouletabille dans Le Mystère de la chambre jaune de Gaston Leroux.

Performeuse avant-gardiste, de la pointe des cheveux jusqu’aux bouts des ongles, Marianne James crée, incarne. Schizophrène imperturbable, la diva invente et mesure ses déplacements magnifiés dans l’instant, elle est un spectacle à elle seule. Dans la même veine que « Le Quatuor », la cantatrice extravagante a su, avec son personnage de Maria Ulrika Von Glott, faire voler en éclats les frontières entre les genres artistiques, mêlant adroitement art lyrique et burlesque. Musicienne de jazz, et Premier Prix de chant du Conservatoire National de Musique de Paris, Marianne James triomphe sur scène (le cultissime "Ultima Récital", Molière du meilleur spectacle musical en 1999), anime et argumente avec brio des émissions de télévision, s’échappe un temps pour s'exprimer sur les planches des théâtres, interprète, chante, enregistre, elle s’éclate ; brillamment, la comédienne sait tout faire jusqu'au stylisme d'une ligne de vêtements. 

Elle est aujourd’hui au Théâtre Rive Gauche, elle est Miss Carpenter.

Miss Carpenter se voit toujours l'actrice belle et admirée qu'elle était au milieu du XXème siècle. Mais le temps et ses outrages - et surtout la crise et les huissiers - l'obligent un jour à sortir la Jaguar pour aller décrocher un rôle...
 Mais les auditions s'enchaînent au rythme des refus et des humiliations... Comment retrouvera-t-elle la flamme qu'elle dit avoir laissée à Hollywood ? Le succès sera-t-il à nouveau au rendez-vous ?

Marianne James ne veut pas faire comme les autres, elle s’applique à échapper à toutes les formes d’étiquettes que l’on voudrait lui coller, elle a raison. Pourtant sa Miss Carpenter, sorte de caricature d’égérie gay, entre show girl et meneuse de revue, peine à exister ce soir là rue de la Gaité.


Le Théâtre Rive Gauche est complet, le public est chaleureux et s’esclaffe aux moindres gestes de la diva. C’est fou comme on l’aime, et comme nous sommes tous heureux de la retrouver. L’artiste renoue avec un jeu de clown qu’elle manie avec aisance. Facétieuse et charmeuse, elle entraîne à sa suite trois compagnons talentueux, entre la comédie musicale et les grandes heures de l’opérette, Pablo Villafranca, Romain Lemire et Bastien Jacquemart se manifestent élégamment, il jouent, dansent et chantent ; le tableau paraît parfait.

Mais Marianne James trépigne, l'espace scénique semble étriqué, les décors sans saveur ; je me rassure en constatant que personne ne semble s’en apercevoir. Quelques dérapages grossiers, inutiles, heurtent l’imaginaire, les costumes manquent d’allure, et l’histoire... Les clichés se succèdent alors qu'ils sont truffés de bonnes idées (la sonnerie du téléphone, le slogan des Oscars, le chien Marylin…) : ce n’est pas assez ou bien c’est trop.
Entre cabaret comique et parodie, Marianne James nous émeut et nous faire rire malgré l'exigüité de l’écrin, elle est émouvante, passionnée, et, terriblement abandonnée par tout ce qui devrait la mettre en valeur. 
Le rythme des scènes marqué par un son disco (pas très original) porte le spectacle à son terme : déchaînement d’applaudissements. Tant mieux, les gens sont contents, ce public de « La Nouvelle Star » n’a certainement pas vu Marianne James sur la scène de la Pépinière Opéra (Ultima Récital), il y a presque 20 ans. En 1994, Marianne James m'a fait comprendre que sur scène tout était possible.
Marianne James est une artiste nécessaire, indispensable à notre époque, à l’avenir il s’agirait d’en prendre soin. Laurence Caron-Spokojny

De Marianne JAMES et Sébastien MARNIER - Mise en scène d’Éric-Emmanuel SCHMITT et  Steve SUISSA - Du mardi au samedi, en alternance, soit à 19h, soit à 21h, et matinée le dimanche à 17h30

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Ils sont beaux, ils sont jeunes, ils sont comédiens et ils ont de belles voix : il ne s’agit absolument pas du teaser de la prochaine comédie musicale du Palais des Sports mais de l’Atelier Lyrique de l’Opéra national de Paris ; pour sa septième production, « Don Giovanni » est présenté sur la scène de Bobigny. 

« L’